Tataya

¿Para qué sirve un crítico?

2011-10-17T08:37:00.000-07:00

José Antonio MARINA | Publicado el 05/12/2002

La crítica es una tarea de distinción, de afirmación clara del no relativismo de los valores estéticos, y, por esta razón, me parece que los críticos literarios son necesarios para aplaudir la calidad, liberarnos de los cantamañanas, y enseñarnos a poner los puntos sobre las íes. ésta sería la función pedagógica del crítico

Cada día me interesa más la sociología del arte. Pintar, danzar, cantar, contar son actividades universales, presentes en todas las culturas. Cada una de ellas da origen a una tradición, y acaba configurando un “dominio autónomo de producción simbólica”. En el caso de la literatura, ese dominio está habitado por muchos personajes e instituciones, además del escritor: el editor, el librero, los traductores, las academias de autoridades, los premios literarios, los agentes, las revistas especializadas, las revistas culturales, los derechos de propiedad intelectual, la publicidad, las cátedras, los libros de texto, los críticos. Todos ellos, con sus intereses propios y sus capacidades, constituyen un tupido sistema cultural que, sobre todo desde el siglo XIX, ha pretendido reforzar su autonomía.
En este populoso planeta de las letras, el crítico tiene al menos tres funciones. Llamaré a la primera función de clarificar la experiencia. En este caso, su actividad va enfocada hacia el arte mismo. La literatura, vista desde dentro, es una experiencia estética que se va desplegando, expandiendo, reinventándose continuamente a través de los autores. Francisco Umbral hizo una bella descripción de esta vida del lenguaje en Un ser de lejanías. La crítica es el momento reflexivo de la tradición literaria. Por eso, muchos escritores han sido grandes críticos, como puso de manifiesto T. S. Eliot en su libro Función de la poesía y función de la crítica. A este grupo pertenecen Eliot, Steiner, Bloom y Sartre, por ejemplo. No influyen directamente en los creadores, porque son los creadores los que educan al crítico, pero hacen más consciente la tradición estética.
La segunda función del crítico es social, y ésta es la que despierta más recelo. Es uno de los canales que ponen en relación el mundo literario con la sociedad. No es el único, ni siquiera el más poderoso. Por ejemplo, una entrevista con un autor en las páginas de un periódico, en la que el periodista alaba la obra, tiene más impacto que una crítica seria. El sistema de presentaciones de libros es otro de los procedimientos de enlace que merecería un detallado análisis. Es una especie de garantía personal casi siempre muy poco de fiar, que colabora al lanzamiento de una obra. No estaría de más que todo presentador se comprometiera realmente con lo que presenta. Otro canal lo constituyen los premios literarios, en cuyos jurados suelen intervenir críticos, y que no pasan por un buen momento. Por último, entra en juego la publicidad, en especial la publicidad camuflada, cada vez más tentadora y fácil al estarse configurando grandes grupos multimedia. En este complejo sistema, la función social del crítico le exige ser publicista, orientador, informador y evaluador de obras. Todo reunido, y, muchas veces, de forma confusa.
Hablo por experiencia. Durante cuatro años hice semanalmente crítica de libros en El Cultural. Blanca Berasátegui me dejaba en completa libertad para elegir los libros, lo que me permitió darme cuenta de una gran limitación. El acto que tiene más relevancia pública es el de seleccionar los libros de que se va a hablar. El marco es más importante que el mensaje. Dos páginas de una crítica atroz son mejor crítica que el silencio. Por eso, la sociología literaria debería investigar cuál es el procedimiento usado para seleccionar los libros. Las publicaciones que quieren ser objetivas -como El Cultural- basan su imparcialidad en una suma de probabilidades. Los críticos sugieren libros que consideran interesantes, los encargados de la sección de libros repasan las novedades, se tiene en cuenta el autor, el prestigio de la editorial, el tema. los comentarios de otros medios españoles o extranjeros. Nada de esto garantiza, por supuesto, que no se vaya a dejar fuera algún libro importante, pero mi experiencia me dice que el procedimiento es aceptable. Los perjudicados pueden ser los autores noveles que publican en pequeñas editoriales, pero este fallo puede corregirse fácilmente.
Queda una tercera función del crítico, que me parece ahora especialmente importante. Vivimos en el limbo de las equivalencias. Cunde la idea de que es imposible justificar un criterio de evaluación. Se ha generalizado un concepto perverso de democracia que defiende que las opiniones de todos sobre cualquier cosa son equiparables. La democracia es una cosa más seria que este igualitarismo universal. Es el compromiso para defender y conseguir la igualdad en los derechos fundamentales, y, a partir de ahí, valorar el mérito. La crítica es una tarea de distinción, de afirmación clara del no relativismo de los valores estéticos, y, por esta razón, me parece que los críticos literarios son necesarios para aplaudir la calidad, liberarnos de los cantamañanas, y enseñarnos a poner los puntos sobre las íes. ésta sería la función pedagógica del crítico.

http://www.elcultural.es/version_papel/OPINION/5928/Para_que_sirve_un_critico

Arte y lenguaje visual

2011-07-03T09:11:00.000-07:00

Atelier Romo en Yucatán

2011-02-03T14:21:00.000-08:00

Atelier Romo es una plataforma
multidicplinaria para gente
relacionada con el acto de crear y
mirar. Inaugurado en octubre de
2009, el Atelier Romo retoma la
tradición de aprender en el estudio
del artista para explorar las
posibilidades del dibujo, el diálogo y
la experiencia como detonador de
conocimiento, apoyándose en la
comida, el cine y, en especial, en la
implementación de estrategias del
arte contemporáneo para pasar del
dicho al hecho y solucionar
problemas concretos, rompiendo los
círculos viciosos y transformándolos
en círculos virtuosos que generen una
obra, un mueble, una buena comida...
o el disfrute de una película.
Duración: 108 horas más un
intensivo en fecha por determinar.

ANTECEDENTES
Atelier Romo es impartido y
conducido en su totalidad por el
artista Sebastián Romo.
Después de haber terminado su
primer año de actividades con una
muestra retrospectiva y una
publicación en Casa Vecina en la
Ciudad de México, Atelier Romo
hace una alianza con Ule en la
ciudad de Mérida, para abrir un
Atelier condensado en dos mes
(nueve sesiones intensivas de
trabajo.
FILOSOFÍA
Atelier Romo le da prioridad al
hacer sobre el discutir; el Arte como
plataforma, lo clásico como valor, lo
multidisciplinarlo como
complemento, y el colectivo como
potencial de unión y fuerza, seguir
códigos éticos, lo sustentable, la
apertura y, en especial, la posibilidad
de compartir con los otros la
especialidad y la experiencia de
cada integrante.
DINÁMICA
Cada una de las sesiones que tienen
lugar en el Atelier Romo empieza a
las 10 AM y termina a las 10 PM. Se
trata de una clase teórico-práctica
que incluye una jornada intensiva de
dibujo, una comida colectiva,
implementación de herramientas de
trabajo tradicionales en la
elaboración de objetos y muebles, y
para terminar un cine club con
debate.
CONSTANCIA

Diploma de participación.

MARZO: 4 SÁBADOS
Los días: 5, 12, 19 y 26
ABRIL: 5 SÁBADOS
Los días: 2, 9, 16 y 23 y 30
El intensivo extra se programará en el
periodo vacacional de Semana Santa.
HORARIO: DE 10 AM A 10 PM
COSTO: $5,000.00
Todos los materiales y
herramientas están incluidos.
CALLE 64 NO. 560 X 71 Y 73
CENTRO HISTÓRICO DE MÉRIDA, YUCATÁN
TEL. 2 85 03 97 CEL. 99 91 20 42 10
INFORMES:
atelier.romo@gmail.com
euyuc@yahoo.com
atelier-romo.blogspot.com
Sebastián Romo (Ciudad de México, 1973)
Estudios de fotografía en la Escuela activa de fotografía. Cine
documental en el CUEC-UNAM, Artes visuales en la Escuela
Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM) México.

Fiestas Tradicionales Venezolanas

2010-12-21T10:24:00.000-08:00

Muchas de ellas se celebran en Navidad y primeras semanas de Año Nuevo. Pero dejemos que sea la poesía que invada con sus imágenes el Blog.

Disfruten

No sólo de Louis Vuitton vive la moda

2010-12-15T08:36:00.000-08:00

Por Magno Fernández dos Reis. caferelax57@yahoo.com.mx

Al Museo del Vale (Espíritu Santo. Brasil) que me envía siempre los más bellos catálogos de arte

“Digo, pues, que las cosas reputadas como las más seria marchan y varían regidas por el mecanismo biológico, esencial, de la moda, que así asciende a la ley profunda de lo real, y claro está que si es así, así debe ser. Pero, a la par, conviene añadir que las modas en los asuntos de menor calibre aparente –traje, usos, sociales, etc. – tienen siempre un sentido mucho más hondo y serio del que ligeramente se les atribuye, y, en consecuencia, tacharlas de superficialidad, como es sólito, equivale a confesar la propia y nada más … José Ortega y Gasset.

Las bolsas de Alma Gutiérrez nace de la historia maya.

El arte es engaño, sólo los sueños y las bolsas fabricadas a mano de Alma Gutiérrez nos permiten apreciar la cultura maya. Definitivamente hay muchas formas de valorar y llevar el arte chiapaneco para otros mundos. Y nada más elegante que un juego de bolsas de Alma para este fin. Inspirada por elementos de la cultura maya, las bolsas y el diseño para Alma Gutiérrez, son verdaderas esculturas en su estudio en Tuxtla Gutiérrez. Las bolsas están hechas en textiles y recortes de cuero llevan el sello de la artista Alma Gutiérrez. ¿Cuál es la materia del objeto artístico? Una vez que la artista ha detectado en los textiles mayas los elementos con los cuales fue concebida la cosmovisión maya busca un material acorde a su naturaleza, a su atmósfera y emoción. Así, es inteligible en los diseños la historia de la civilización maya. Mariposa, sol, El camino de la serpiente, Buitre, Flor, Estrellas y espada de Sapo bordados en los huipiles de los descendientes de la civilización maya preservan la historia y poesía. Las artes visuales, la pintura, el cine, la música -entre otros instigadores culturales- son las chispas que producen un arte nuevo. Después de seleccionar signos en los textiles mayas como: la cruz florida de Bochil: San Cruz, el señor de la tierra, el bosque, santos o sapos, conejo, payaso y otros, las imágenes son “bordadas”. En la obra de mosaico los temas son más dulces y se guían por el universo femenino. Los colores y las formas se mezclan con pequeños puntos ganando formas delicadas. ¿Por que estas bolsas son obras de arte? En un lenguaje sencillo y directo; Alma Gutiérrez encuentra la esencia del arte maya en la artesanía. Las bolsas con motivos prehispánicos -la serie de dibujos que se repite una y otra vez, representan relecturas de los textiles mayas por lo cual se asocian con una sola idea: “De las misma forma que “El arte resume la vida”, fórmula de Elie Faure, se puede decir que “la vestimenta resume el modus-vivendi”. Creo que las bolsas constituyen pequeños compendios sobre la cultura maya porque ofrecen información sobre su historia. Viajar entonces con una bolsa de Alma Gutiérrez permite sentirse, por un momento, en una estela (estrella) del mundo maya. Este año, la más reciente edición de Alma Gutiérrez significa pasión total por Chiapas. El diseño es clásico pero, gracias a la serie de tonalidades, la colección es fresca y contemporánea. Buen gusto maya para viajar. De este modo, queda claro que no sólo de Louis Vuitton vive la moda sino de toda diversidad cultural. Las bolsas se inspiraron de los diseños mayas encontrados en los textiles. A pesar de la diversidad de diseños y lenguas en el Sur de México, no hay un dialogo intersemiótico diverso perceptible en el diseño de distintas obras de arte. Alma consigue establecer interrelaciones entre elementos diversos sin suprimir la identidad de cada uno. Lo más importante del lenguaje visual de las bolsas no es sólo la continuidad de los elementos y la presencia invisible y material de la cultura maya, sino la interpelación entre el arte prehispánico y el contemporáneo. Lo que el artista quiere expresar en los dibujos es una especie de ideogramas bucólicos que aunque desapercibidos para los historiadores de arte son un antecédete y no una simple imitación de la poesía concreta.

Los recortes que aparecen en varias bolsas resaltan esta idea. Los diseños mayas abren la reflexión sobre el arte chiapaneco como una construcción ficcional, en el espacio ilusorio del escenario -creando un teatro abierto-.ya que en estas bolsas aparecen casas antiguas de Zincantan, conejos, sapos y payasos entre otros. Parece que estas bolsas poseen más energía que los símbolos, porque nos hacen pensar a través de la consciencia.

El arte de tejer es una metáfora de la vida, pero no se sabe quién entregó a los hombres prehispánicos el don del tejer y del hilar. En las escenas del Dintel 24 (Yachilan) se percibe en el huipil de la Señora Xoc “las cuatros partes del mundo moviéndose a través del tiempo”. Desde los tiempos añejos de los mayas el tejer es parte de nuestra experiencia vital y poética: Alma en pleno siglo XXI teje sueños, esperanzas y palabras.

Estas bolsas están intrínsecamente vinculadas a la recuperación de la cultura maya y a un espíritu altamente pedagógico.

En las bolsas, la mujer contemporánea lleva las estrellas, los planetas y los sueños de los mayas. Al llevar la bolsa, al igual que la señora Xoc, a mujer se coloca en el cruce de los caminos, en el centro de mundo donde es posible comunicarse con los ancestros divinos. Los dibujos mayas plasmados en las bolsas nos dejan claro que la industria cultural no fue capaz silenciar la estética que se diferencia del discurso oficial. La exposición que se encuentra n el Museo del Café, en Tuxtla Gutiérrez es casi didáctica, porque la artista nos muestra la transición de la imagen al ideograma. Estas bolsas son poesía concreta.

No hay cambio sin sueño, como no hay sueño sin esperanza

2010-12-01T14:04:00.001-08:00

A Olivio Guedes, de la Cooperativa Cultural Brasileña.

Por Magno Fernández dos Reis

Soñar no es sólo un acto político necesario, sino también una connotación de la forma histórico-social de estar siendo mujeres y hombres. Forma parte de la naturaleza humana que, dentro de la historia, se encuentra en constante proceso de devenir. Haciéndose y rehaciéndose en el proceso de la historia, como sujetos y objetos, mujeres y hombres, convirtiéndose en seres de la inserción en el mundo y no de la pura adaptación al mundo, terminaron por tener en el sueño también un motor de la historia. No hay cambio sin sueño, como no hay sueño sin esperanza. (FREIRE, 1992, p. 87).

Sea marginal, sea héroe.

En agosto de 1965 murió acribillado por un centenar de balas el bandido más famoso de Brasil, Cara de Cavalo, un muchacho de 23 años a quien tuvieron que perseguir durante cuatro meses más de dos mil hombres. Cara de Cavalo era amigo del artista carioca Hélio Oiticica (1935-1980), quien lo homenajeó con una bandera con su figura caída y la siguiente consigna: “Sea marginal, sea héroe. Según algunas versiones, Cara de Cavalo, también inmortalizado en la música brasileña, no era un bandido cualquiera. Se dedicaba a asaltar camiones transportistas de alimentos y a regalar el botín a los hambrientos habitantes de una favela ubicada en Mangueira, Río de Janeiro.

Frente a la miseria y la violencia, la cultura, el arte y la educación no representan nada para la sociedad, porque la educación es simplemente un instrumento de manipulación. Estoy fastidiado con las fábricas de mentiras e hipocresías establecidas por los “dueños del poder”. El sistema político neoliberal justifica la existencia de la miseria y de la violencia como fruto de la falta de cultura y de educación. ¿Lo que es cultura?

A veces es necesario tomar una taza de café amargo las mañanas con bilis y aspirinas para hacer frente a la vida. No quiero morir de disgusto y de decepción con la gente como murió el periodista brasileño Claudio Abramo. Este periodista firmó su sentencia de muerte en el articulo “Good-bye to al that” (JR Sao Paulo, 16.10.79) señalando a sus discípulos: “Creo que existe una vocación escatológica en el rango de la sociedad brasileña que busca el progreso y el avanzo político. Una tendencia provinciana a cultivar el odio y el resentimiento, sobre todo en este país que necesita comprensión y pedagógico trabajo paciente. El pueblo brasileño (incluso la clase media con sus Volkswagen comprado Dios sabe cómo) vive hundida en la ignorancia oscura y secular; hecho constatable en cualquier conversación en la calle.

Aria de la Opera Flauta Mágica de Mozart

Cazador de pájaros soy yo, sí,

siempre de buen humor,

Como cazador de pájaros me conocen

los mayores, y hasta los niños, del lugar.

¡Una red para las chicas quiero yo!

¡Las cazaría por docenas...!

Luego, las encerraría en mi casa,

y todas serían mías, de mi propiedad!

Si todas las chicas fuesen sólo mías

las cambiaría por el azúcar más dulce;

y, a la que me fuese más querida

le daría, enseguida, todo el azúcar que quisiera.

Y, si ella me besara dulcemente,

Mann. Sería mi mujer y yo, su marido.

Ella dormiría a mi lado

y yo la arrullaría, como a un bebé.

En este artículo Claudio Abramo lanza un juego de palabras a la muerte atestiguando “vivimos, algunos, como si estuviésemos en la Europa del siglo XIX, otros juzgando que estamos en Harvard o Stamford: vivimos un equivoco. La segunda persona del plural es una concesión: en la verdad, la gran mayoría no vive, bajo nada. Será conducida al matadero, bovinamente paciente. Ya he visto esta película dos veces en mi vida. No pretendo me someter al sacrificio de ver esta película por la tercera vez. Para mi ya llega”. En 14 de agosto de 1987 Claudio Abramo murió para no ver escenas como esta: “es necesario que todo cambie para que todo siga igual”, aseguro el revolucionario Tancredi a su tío Fabricio el “Gatopardo”, en la novela de Giusppe Tomasi di Lampedusa sobre el hecho de la Sicilia de los Barbones y su paso al nuevo Reino de Italia en 1860. Pensar es difícil, sobre todo siendo un extranjero. Hoy estoy al margen de la sociedad. A margen de los amigos y enemigos que acumulamos en la vida da la libertad de acción. Tengo que ser yo mismo segundo mi principio de un hombre extranjero: incluso para hablar y escribir sobre lo que me gusta en el momento.

Es necesario que todo cambie para que todo permanezca igual"

Significativa sentencia, que da paso a burócratas, intermediarios y mediocres personajillos que sólo aspiran a aprovecharse de lo que antes para ellos era impensable ni sonar....

Los medios de comunicación son responsables de la uniformidad global, con los valores estándar de consumo y el lenguaje del poder. Ya no hay arte periférica (tercero mundo), porque mil millones de personas viven en el mundo globalizado de la cultura internacional y cinco millones viven en las islas de la pobreza sin derecho al conocimiento. Acredito que la “Convención de la Unesco sobre la diversidad cultural” que cumplió cinco años obedece a un plano político y económico de los conglomerados de medios de comunicación y la industria de la imagen en Hollywood. La función del productor cultural no es solo promover su tribu. El compromiso del gestor cultural es promover el arte local y la diversidad, el acceso sin restricciones a todas las matrices, las fuentes y las producciones culturales de todo el mundo, con diferentes colores, idiomas y formatos. El gran desafío para la Comisión organizadora de la III Feria Internacional de arte de Chiapas (www.feriadearteschiapas.org.mx) es buscar una manera de detener el creciente campo de las industrias culturales, sin obstaculizar el arte y la cultura local. As veces frente a las obras de artistas locales me pregunto ¿Qué importancia tiene un pintor heredero de la cultura maya conocer la aria de una opera? ¿Quien sabe si está correcta la explicación de un aria de Flauta Mágica de Mozart será de dos o tres personas? Un aria es número musical que se canta individualmente, que tiene extensión y unidad propia, es decir tiene una estructura interna que empieza y termina. En el aria el personaje expresa un sentimiento personal amoroso, patriótico o de desengaño etc. Lo que expresa el personaje Papageno en el aria abajo:

PAPAGENO (A UN LADO)

¡El príncipe puede irse al infierno

Yo valoro mi vida

y ahora, por mi honor, es más que probable

que él me la arrebate, como un ladrón).

La ignorancia es mejor distribuida mundialmente por los medios de comunicación. El desconocimiento hace parte de la vida cotidiana de las personas que no saben se defender el Estado y de la policía. Los artistas informan por metáforas y el pensamiento esta oculto en las formas y colores.

Manifiesto por un arte revolucionario independiente

2010-11-24T17:04:00.000-08:00

André Breton, Leon Trotzky y Diego Rivera

Puede afirmarse sin exageración, que nunca como hoy nuestra civilización ha estado amenazada por tantos peligros. Los vándalos, usando sus medios bárbaros, es decir, extremadamente precarios, destruyeron la antigua civilización en un sector de Europa. En la actualidad, toda la civilización mundial, en la unidad de su destino histórico, es la que se tambalea bajo la amenaza de fuerzas reaccionarias armadas con toda la técnica moderna. No aludimos tan sólo a la guerra que se avecina. Ya hoy, en tiempos de paz, la situación de la ciencia y el arte se ha vuelto intolerable. En aquello que de individual conserva en su génesis, en las cualidades subjetivas que pone en acción para revelar un hecho que signifique un enriquecimiento objetivo, un descubrimiento filosófico, sociológico, científico o artístico, aparece como un fruto de un azar precioso, es decir, como una manifestación más o menos espontánea de la necesidad. No hay que pasar por alto semejante aporte, ya sea desde el punto de vista del conocimiento general (que tiende a que se amplíe la interpretación del mundo), o bien desde el punto de vista revolucionario (que exige para llegar a la transformación del mundo tener una idea exacta de las leyes que rigen su movimiento). En particular, no es posible desentenderse de las condiciones mentales en que este enriquecimiento se manifiesta, no es posible cesar la vigilancia para que el respeto de las leyes específicas que rigen la creación intelectual sea garantizado. No obstante, el mundo actual nos ha obligado a constatar la violación cada vez más generalizada de estas leyes, violación a la que corresponde, necesariamente, un envilecimiento cada vez más notorio, no sólo de la obra de arte, sino también de la personalidad “artística”.

El fascismo hitleriano, después de haber eliminado en Alemania a todos los artistas en quienes se expresaba en alguna medida el amor de la libertad, aunque esta fuese sólo una libertad formal, obligó a cuantos aún podían sostener la pluma o el pincel a convertirse en lacayos del régimen y a celebrarlo según órdenes y dentro de los límites exteriores del peor convencionalismo. Dejando de lado la publicidad, lo mismo ha ocurrido en la URSS durante el periodo de furiosa reacción que hoy llega a su apogeo. Ni que decir tiene que no nos solidarizamos ni un instante, cualquiera que sea su éxito actual, con la consigna: “Ni fascismo ni comunismo” consigna que corresponde a la naturaleza del filisteo conservador y asustado que se aferra a los vestigios del pasado “democrático”. El verdadero arte, es decir aquel que no se satisface con las variaciones sobre modelos establecidos, sino que se esfuerza por expresar las necesidades íntimas del hombre y de la humanidad actuales, no puede dejar de ser revolucionario, es decir, no puede sino aspirar a una reconstrucción completa y radical de la sociedad, aunque sólo sea para liberar la creación intelectual de las cadenas que la atan y permitir a la humanidad entera elevarse a las alturas que sólo genios solitarios habían alcanzado en el pasado. Al mismo tiempo, reconocemos que únicamente una revolución social puede abrir el camino a una nueva cultura. Pues si rechazamos toda la solidaridad con la casta actualmente dirigente en la URSS es, precisamente, porque a nuestro juicio no representa el comunismo, sino su más pérfido y peligroso enemigo. Bajo la influencia del régimen totalitario de la URSS, y a través de los organismos llamados organismos “culturales” que dominan en otros países, se ha difundido en el mundo entero un profundo crepúsculo hostil a la eclosión de cualquier especie de valor espiritual. Crepúsculo de fango y sangre en el que, disfrazados de artistas e intelectuales, participan hombres que hicieron del servilismo su móvil, del abandono de sus principios un juego perverso, del falso testimonio venal un hábito y de la apología del crimen un placer.

El arte oficial de la época estalinista refleja, con crudeza sin ejemplo en la historia, sus esfuerzos irrisorios por disimular y enmascarar su verdadera función mercenaria. La sorda reprobación que suscita en el mundo artístico esta negación desvergonzada de los principios a que el arte ha obedecido siempre y que incluso los Estados fundados en la esclavitud no se atrevieron a negar de modo tan absoluto, debe dar lugar a una condenación implacable. La oposición artística constituye hoy una de las fuerzas que pueden contribuir de manera útil al desprestigio y a la ruina de los regímenes bajo los cuales se hunde, al mismo tiempo que el derecho de la clase explotada a aspirar a un mundo mejor, todo sentimiento de grandeza e incluso de dignidad humana. La revolución comunista no teme al arte. Sabe que al final de la investigación a que puede ser sometida la formación de la vocación artística en la sociedad capitalista que se derrumba, la determinación de tal vocación sólo puede aparecer como resultado de una connivencia entre el hombre y cierto número de formas sociales que le son adversas. Esta coyuntura, en el grado de conciencia que de ella pueda adquirir, hace del artista su aliado predispuesto. El mecanismo de sublimación que actúa en tal caso, y que el sicoanálisis ha puesto de manifiesto, tiene como objeto restablecer el equilibrio roto entre el “yo” coherente y sus elementos reprimidos. Este restablecimiento se efectúa en provecho del “ideal de sí”, que alza contra la realidad, insoportable, las potencias del mundo interior, del sí, comunes a todos los hombres y permanentemente en proceso de expansión en el devenir. La necesidad de expansión del espíritu no tiene más que seguir su curso natural para ser llevada a fundirse y fortalecer en esta necesidad primordial: la exigencia de emancipación del hombre.

En consecuencia, el arte no puede someterse sin decaer a ninguna directiva externa y llenar dócilmente los marcos que algunos creen poder imponerle con fines pragmáticos extremada- mente cortos. Vale más confiar en el don de prefiguración que constituye el patrimonio de todo artista auténtico, que implica un comienzo de superación (virtual) de las más graves contradicciones de su época y orienta el pensamiento de sus contemporáneos hacia la urgencia de la instauración de un orden nuevo. La idea que del escritor tenía el joven Marx exige en nuestros días ser reafirmada vigorosamente. Está claro que esta idea debe ser extendida, en el plano artístico y científico, a las diversas categorías de artistas e investigadores. “El escritor – decía Marx – debe naturalmente ganar dinero para poder vivir y escribir, pero en ningún caso debe vivir para ganar dinero... El escritor no considera en manera alguna sus trabajos como un medio. Son fines en sí; son tan escasamente medios en sí para él y para los demás, que en caso necesario sacrifica su propia existencia a la existencia de aquéllos... La primera condición de la libertad de la prensa estriba en que no es un oficio.” Nunca será más oportuno blandir esta declaración contra quienes pretenden someter la actividad intelectual a fines exteriores a ella misma y, despreciando todas las determinaciones históricas que le son propias, regir, en función de presuntas razones de Estado, los temas del arte. La libre elección de esos temas y la ausencia absoluta de restricción en lo que respecta a su campo de exploración, constituyen para el artista un bien que tiene derecho a reivindicar como inalienable. En materia de creación artística, importa esencialmente que la imaginación escape a toda coacción, que no permita con ningún pretexto que se le impongan sendas. A quienes nos inciten a consentir, ya sea para hoy, ya sea para mañana, que el arte se someta a una disciplina que consideramos incompatible radicalmente con sus medios, les oponemos una negativa sin apelación y nuestra voluntad deliberada de mantener la fórmula: toda libertad en el arte.

Reconocemos, naturalmente, al Estado revolucionario el derecho de defenderse de la reacción burguesa, incluso cuando se cubre con el manto de la ciencia o del arte. Pero entre esas medidas impuestas y transitorias de autodefensa revolucionaria y la pretensión de ejercer una dirección sobre la creación intelectual de la sociedad, media un abismo. Si para desarrollar las fuerzas productivas materiales, la revolución tiene que erigir un régimen socialista de plan centralizado, en lo que respecta a la creación intelectual debe desde el mismo comienzo establecer y garantizar un régimen anarquista de libertad individual. ¡Ninguna autoridad, ninguna coacción, ni el menor rastro de mando! Las diversas asociaciones de hombres de ciencia y los grupos colectivos de artistas se dedicarán a resolver tareas que nunca habrán sido tan grandiosas, pueden surgir y desplegar un trabajo fecundo fundado únicamente en una libre amistad creadora, sin la menor coacción exterior. De cuanto se ha dicho, se deduce claramente que al defender la libertad de la creación, no pretendemos en manera alguna justificar la indiferencia política y que está lejos de nuestro ánimo querer resucitar un pretendido arte “puro” que ordinariamente está al servicio de los más impuros fines de la reacción. No; tenemos una idea muy elevada de la función del arte para rehusarle una influencia sobre el destino de la sociedad. Consideramos que la suprema tarea del arte en nuestra época es participar consciente y activamente en la preparación de la revolución. Sin embargo, el artista sólo puede servir a la lucha emancipadora cuando está penetrado de su contenido social e individual, cuando ha asimilado el sentido y el drama en sus nervios, cuando busca encarnar artísticamente su mundo interior.

En el periodo actual, caracterizado por la agonía del capitalismo, tanto democrático como fascista, el artista, aunque no tenga necesidad de dar a su disidencia social una forma manifiesta, se ve amenazado con la privación del derecho de vivirla y continuar su obra, a causa del acceso imposible de ésta a los medios de difusión. Es natural, entonces, que se vuelva hacia las organizaciones estalinistas, que le ofrecen la posibilidad de escapar a su aislamiento. Pero su renuncia a cuanto puede constituir su propio mensaje y las complacencias terriblemente degradantes que esas organizaciones exigen de él, a cambio de ciertas ventajas materiales, le prohíben permanecer en ellas, por poco que la desmoralización se manifieste impotente para destruir su carácter. Es necesario, a partir de este instante, que comprenda que su lugar está en otra parte, no entre quienes traicionan la causa de la revolución al mismo tiempo, necesaria-mente, que la causa del hombre, sino entre quienes demuestran su fidelidad inquebrantable a los principios de esa revolución, entre quienes, por ese hecho, siguen siendo los únicos capaces de ayudarla a consumarse y garantizar por ella la libre expresión de todas las formas del genio humano. La finalidad de este manifiesto es hallar un terreno en el que reunirá los mantenedores revolucionarios del arte, para servir la revolución con los métodos del arte y defender la libertad del arte contra los usurpadores de la revolución.

Estamos profundamente convencidos de que el encuentro en ese terreno es posible para los representantes de tendencias estéticas, filosóficas y políticas, aun un tanto divergentes. Los marxistas pueden marchar ahí de la mano con los anarquistas, a condición de que unos y otros rompan implacablemente con el espíritu policiaco reaccionario, esté representado por José Stalin o por su vasallo García Oliver(1). Miles y miles de artistas y pensadores aislados, cuyas voces son ahogadas por el odioso tumulto de los falsificadores regimentados, están actualmente dispersos por el mundo. Numerosas revistas locales intentan agrupar en torno suyo a fuerzas jóvenes, que buscan nuevos caminos y no subsidios. Toda tendencia progresiva en arte es acusada por el fascismo de degeneración. Toda creación libre es declarada fascista por los estalinistas. El arte revolucionario independiente debe unirse para luchar contra las persecuciones reaccionarias y proclamar altamente su derecho a la existencia. Un agrupamiento de estas características es el fin de la Federación internacional del Arte Revolucionario independiente (FIARI), cuya creación juzgamos necesaria. No tenemos intención alguna de imponer todas las ideas contenidas en este llamamiento, que consideramos un primer paso en el nuevo camino. A todos los representantes del arte, a todos sus amigos y defensores que no pueden dejar de comprender la necesidad del presente llamamiento, les pedimos que alcen la voz inmediatamente. Dirigimos el mismo llama-miento a todas las publicaciones independientes de izquierda que estén dispuestas a tomar parte en la creación de la Federación internacional y en el examen de las tareas y de los métodos de acción. Cuando se haya establecido el primer contacto internacional por la prensa y la correspondencia, procederemos a la organización de modestos congresos locales y nacionales.

En la etapa siguiente deberá reunirse un congreso mundial que consagrará oficialmente la fundación de la Federación internacional. He aquí lo que queremos: La independencia del arte – por la revolución; La revolución – por la liberación definitiva del arte.

André Breton, Diego Rivera (2) México, 25 de julio de 1938

Notas :

(1) García Oliver, anarquista español, perteneció al grupo de acción española, contribuyó a organizar las milicias obreras catalanas y de Durruti y militó en la CNT y en la FAI. Durante la guerra civil adoptó la política del Frente Popular, aceptando el Ministerio de Justicia en el gabinete de Largo Caballero. (2) Aunque publicado con estas dos firmas, el manifiesto fue redactado de hecho por León Trotski y André Breton. Por razones tácticas, Trotski pidió que la firma de Diego Rivera sustituyese a la suya.

Vigencia del Manifiesto por un Arte Revolucionario e Independiente

2010-11-24T16:55:00.000-08:00

Crisis del “Arte”

Por: Fernando Buen Abad Domínguez Rebelión/Universidad de la Filosofía

“Puede afirmarse sin exageración, que nunca como hoy nuestra civilización ha estado amenazada por tantos peligros. Los vándalos, usando sus medios bárbaros, es decir, extremadamente precarios, destruyeron la antigua civilización en un sector de Europa. En la actualidad, toda la civilización mundial, en la unidad de su destino histórico, es la que se tambalea bajo la amenaza de fuerzas reaccionarias armadas con toda la técnica moderna. No aludimos tan sólo a la guerra que se avecina. Ya hoy, en tiempos de paz, la situación de la ciencia y el arte se ha vuelto intolerable.”[1] León Trotsky, Andre Breton, Diego Rivera

La crisis del “arte” burgués no es otra cosa que la crisis del capitalismo expresada en la producción artística

Además del secuestro capitalista de los mercados, del monopolio para la producción, para la distribución y para el consumo…además de la crisis de “contenido”, además de la saturación formal producida por el empobrecimiento de la capacidad creadora, por el plagio, la imitación y la suplantación… además de la reducción de espacios para la enseñanza, la reducción de espacios para la crítica y de los espacios para el debate… además, si no fuese suficiente, está en crisis la capacidad, que alguna vez se pretendió para el “arte”, como fuerza crítica y como fuerza emancipadora. ¿RIP?

Algunos creen que la crisis del “Arte” es sólo crisis en las billeteras de los “artistas”. Que todo es cosa de superar un “mal rato” económico en el que descienden las habilidades creativas… que ya pasará. Algunos creen que es sólo un bache… que si el Estado, los empresarios, los bancos y las iglesias invierten dinero la cosa se zanja. Que una buena beca palia pesares y que nunca faltarán las fundaciones, las burocracias ni los amigotes para sacar de la crisis al “Arte”, es decir a las finanzas de quienes dicen ser sus productores. Pero la crisis es mucho más compleja que no puede ser comprendida al margen de la lucha de clases.

Su crisis es, también una crisis de sobre-producción. Con los disfraces más inopinados, se han refugiado en el “arte” todas las variedades de la ideología de la clase dominante. Constituyen un repertorio, generoso, de camuflajes burgueses para toda ocasión y en el que, según sus modas propias, se alternan los caprichos decorativos, las abstracciones más inútiles y los idealismos más retrógrados. Compiten por garantizar las “inversiones” y por ser prenda de prestigio en simultáneo.

El único arte que tiene futuro es aquel comprometido con la libertad social, no sólo la del “artista”. Y hoy la palabra libertad sólo adquiere vigor si es fundamentalmente anticapitalista. No pocos artistas defienden, con dientes y uñas, su “libertad” mientras son incapaces de fijar los precios de su obra, no tienen control sobre sus herramientas de producción, dependen de que otros les permita exhibir su trabajo y aceptan mansamente suavizar los temas para no ofender al comprador. Para estos, no pocos, artistas su “libertad” se reduce a un enjambre de disquisiciones abstractas con, no pocos, debates mentales silenciosos. Libertad para el solipsismo.

No hay “libertad” subjetiva que valga en un mundo amenazado por las guerras burguesas, el hambre, la miseria, la crisis económica planetaria, la destrucción de los ecosistemas y la censura estructural de la ética, la moral y la estética burguesas. No hay “libertad” que valga si ha de defenderse, sólo para algunos, con la moral del avestruz. No son pocos los artistas honestos que han sido victimados ideológicamente por la charlatanería escolástica de algunos santones eruditos autoproclamados “profesores”, “teóricos” sabihondos o “maestros”. No son pocos los estudiantes honestos sometidos a la hegemonía a-crítica del pensamiento alienante que endiosa platónicamente a “la técnica” como si de eso, y sólo de eso, dependiera la objetivación estética del “estado actual del espíritu”. La revolución no se detiene a las puertas de las escuelas de “Arte”.

“La necesidad de expansión del espíritu no tiene más que seguir su curso natural para ser llevada a fundirse y fortalecer en esta necesidad primordial: la exigencia de emancipación del hombre.” Manifiesto por un Arte Revolucionario e Independiente

Fue previsto que, en un sistema como el capitalismo, el “arte”, una de las conquistas humanas más extraordinarias, quedase convertida, como otros muchos logros del pensamiento, en emboscada mercenaria para el tráfico ideológico, hermoseado con el gusto del patrón. Quedó de manifiesto. ¿Hay alguien que pueda llamarse “sorprendido”?

Es inexcusable emprender una revolución en los campos del arte para que asuma su lugar “natural” en los procesos de liberación y ascenso de la conciencia. Liberar las herramientas, liberar las ideas y liberar los gustos. Es indispensable derrotar los parámetros y las condiciones de producción burgueses para iniciar una transformación profunda de las definiciones y de las funciones del arte como expresión nueva de una etapa nueva para la humanidad. Pero nada de eso se logrará si el arte, y sus revoluciones, no son obra misma de la revolución socialista y mundial. No se trata de someter a los artistas a un mandato propagandista, se trata de demostrar que sólo en la revolución socialista los artistas podrán encontrar la libertad que necesitan, y sobre todo, la libertad que necesita la humanidad en ellos. “La finalidad de este manifiesto es hallar un terreno en el que reunirá los mantenedores revolucionarios del arte, para servir a la revolución con los métodos del arte y defender la libertad del arte contra los usurpadores de la revolución”. Manifiesto por un Arte Revolucionario e Independiente.

Visitante italiano sobre exposición del Metrocable en Nueva York “Nunca había visto algo como esto”

2010-11-23T18:50:00.000-08:00

La exposición del Metrocable venezolano en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) no deja de sorprender a sus visitantes. Así lo comprobó personal de la embajada venezolana en Washington, D.C., en una reciente visita a la sonada exposición.

“Nunca había visto algo como esto (…) Este proyecto sirve para mejorar las condiciones sociales de las ciudades y metrópolis que enfrentan este tipo de problemas, incluso es un idea tecnológica que realmente puede ayudar a resolver los problemas de comunicación entre la ciudad y la favela”, dijo, por ejemplo, Umberto Cammardella, un italiano de 49 años que visitó la exposición. “Ahora entiendo lo que está haciendo [el presidente Chávez] con el dinero del petróleo, esto no queda claro en nuestros países”, agrego Cammardella.

El MoMA exhibe desde el 3 de octubre de 2010 uno de los proyectos más revolucionarios del Gobierno venezolano: el Metrocable de San Agustín, una línea de teleférico que conecta esta populosa comunidad del oeste de Caracas con otros sectores de la ciudad.

La curaduría de la exposición ofrece un video que muestra el impacto social que ha tenido este proyecto en la comunidad de San Agustín, con declaraciones de habitantes de esta histórica barriada de Caracas sobre cómo esta obra ha mejorado su calidad de vida. Una maqueta a escala del proyecto, así como una descripción del trabajo realizado por Urban-Think Tank -la organización que presenta la investigación del proyecto- complementan la muestra.

San Agustín es una conocida barriada de la capital venezolana que se eleva entre coloridas casas de ladrillo, cuyos pasillos eran recorridos diariamente por sus habitantes para bajar a la ciudad. Actualmente, el Metrocable permite que miles de venezolanos y venezolanas de esta localidad puedan llegar con más facilidad a sus destinos, lo que representa un impacto significativo en su calidad de vida.

La exposición presenta 11 proyectos arquitectónicos de los cinco continentes que “responden a necesidades localizadas en comunidades marginadas”, según destaca la página web del MoMA. Al igual que otras de las obras presentadas en la exhibición, el sistema Metrocable destaca por ser un innovador diseño que simboliza un compromiso con las responsabilidades sociales de la arquitectura.

“Pequeña escala, gran cambio: Nuevas arquitecturas de la movilización social” también explora a profundidad proyectos arquitectónicos de Bangladesh, Brasil, Burkina Faso, Chile, Estados Unidos, Francia, Líbano y Sudáfrica.

Esta muestra, visitada por miles de turistas y locales en Nueva York, permanecerá hasta al 3 de enero de 2011 en el MoMA.

Vea algunas imágenes de la muestra y del Metrocable de San Agustín aquí:

http://www.flickr.com/photos/embavenezdc/sets/72157625446696938/show/

http://www.flickr.com/photos/embavenezdc/sets/72157625321697549/show/

Para mayor información de la muestra del Metrocable en el MoMA, haga clicaquí.

Fotos Metrocable: Abraxas Iribarren

arte y eros en la antigua Pompeya

2010-11-23T08:59:00.000-08:00

Los sueños de un periodista pirata.

2010-11-18T16:17:00.000-08:00

Por Magno Fernandes dos Reis

Para el periodista Hernán Gómez Bruera

El periodismo es un noble oficio cuando la mano de quien lo ejerce es limpia y el corazón valiente. José Alvarado

En la jerga periodística mexicana, el dinero, regalo o favor que un funcionario público o privado brinda a un reportero, comunicador o medio de comunicación –dueños de estas empresas– para destacar, censurar o manipular una nota se conoce como “chayote”. Pese a que existen referencias de las alianzas que las autoridades implantaban con los informadores desde la época de La Reforma y, más aún, en el Porfirismo, Julio Scherer asegura que el término “chayote” se acuña como tal durante una de las giras del presidente Gustavo Díaz Ordaz en 1966:

“– ¿Ves aquel chayote? decía un periodista a otro y seguía corriendo la voz.

–Ve allá.

“Fuera de Brasil se ha instalado una visión que dibuja un país ubicado en las puertas del Primer Mundo… En las zonas rurales del nordeste, por ejemplo, si bien la pobreza alimentaria ha disminuido considerablemente, esta lejos de respirarse esa idea de progreso que el país proyecta hacia afuera”. Este fragmento denominado Dilma y las manos de Danielson, del periodista Herman Gómez Bruera (La jornada Semanal, de 14 de noviembre de 2010) nos hace pensar como el periodismo y los medios de comunicación ocultan la verdadera situación del mundo. El texto que describe a un niño amarrado a un árbol contemplando a los zopilotes para tranquilizarse condensa la impotencia y la desgracia que hemos permitido pues como éste muchos niños sufren alrededor del mundo.

En los países periféricos los medios de comunicación difunden una realidad fragmentada como verdad única que destruye los espacios de interacción social (cafeterías, galerías de arte y sitios de reunión), de forma que el hombre se encuentra solo ante la televisión, la radio y el periódico. En las muestras de arte (bienales o ferias de arte) se da más importancia a los problemas técnicos, al mercado y a la audiencia más que al contenido de la información. La sección internacional de los periódicos da una atención insuficiente al aspecto humano. No soy un teórico sino un simple periodista que se dedica a leer revistas e intentar interpretar la información. Mi primera apreciación en torno al periodismo internacional es que éste manipula o maquilla la información con la finalidad de dar una imagen más positiva del neoliberalismo. Afirmar, como se hace a menudo, que Brasil es hoy un país sin problemas sociales ni económicos es una exageración.

Niña Muerta de Portinari. Favela de Belo Horizonte – y, la emisora de Radio Pirata.

¿En qué medida la sección internacional de los periódicos nos da un retrato fiel de Brasil? La sección internacional de los periódicos refleja a Brasil de una manera superficial y fragmentaria. La trágica imagen presentada por Hernán Gómez Bruera nos demuestra una humanidad quebrantada por el dolor. Al depararme frente a la pintura “Niña Muerta” del pintor Cándido Portinari en Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo, descubrí que la representación visual es más eficaz para hacer despertar la conciencia del espectador que los hechos interpretados por los periodistas. El periodista describe los hechos pero la pintura incluye lo que podría haber ocurrido. La niña extiende el brazo para exhibir a la muerte y a la miseria; la mujer (la madre) abraza el pequeño cadáver desnudo, esquelético y pálido, mientras que los personajes lloran lágrimas de piedra alrededor de la niña como si fuera una última cena del dolor. ¿Qué significan estas lágrimas de piedra para el espectador?

En Brasil la pintura y el cine interpretan los problemas sociales, culturales y económicos mejor que los periodistas porque no tienen compromiso con la verdad. En la película “Radio Favela–Una Onda en el aire” el cineasta Helvecio Ratton cuenta la historia de cuatro jóvenes de una favela que sueñan con instalar una radio para gritar al mundo la voz de los sin voz, de todos aquellos desfavorecidos u olvidados de la sociedad y dar a conocer su historia y su cultura.

Misael Avelino dos Santos, fundador de Radio Favela quien sufrió persecuciones en la década de 1980 dijo – “la película Ciudad de Dios es un veneno y Una Onda en el aire, es el suero. La película Ciudad de Dios termina al sonido de balazos mientras que Una Onda en el Aire termina con la victoria. Fernando Meirelles muestra al trafico de drogas eliminando a los personajes uno a uno, Helvecio Ratton transmite un mensaje positivo sobre las iniciativas creadas en las comunidades pobres.

¿Qué diferencia existe entre el lenguaje de un periodista pirata y el de un periodista chayotero? El periodista Ryszard Kapuscinski nos explica:

“La búsqueda y la difusión de información se han convertido en una ocupación practicada en cada país por miles de personas. Las escuelas de periodismo se han multiplicado formando, año tras año, a noveles que llegan a la profesión. Esto no tiene ya nada que ver. En otros tiempos, el periodismo era una misión, no una carrera. Hoy, no se cuentan los individuos que practican el periodismo sin identificarse con esta profesión, o sin haber decidido dedicarle plenamente su vida y lo mejor de ellos mismos. Es, para algunos, una especie de hobby, que pueden abandonar en cualquier momento para hacer otra cosa. Numerosos periodistas actuales podrían trabajar mañana en una agencia de publicidad y convertirse, pasado mañana, en agentes de cambio. La tecnología de punta ha provocado una multiplicación de los media. ¿Cuáles son las consecuencias? La principal es el descubrimiento de que la información es una mercancía cuya venta y difusión puede proporcionar importantes beneficios. Antaño, el valor de la información iba asociado a diversos parámetros, en particular al de la verdad. También se concebía como un arma que favorecía la lucha política. Todavía está fresco el recuerdo de los estudiantes que, en la época del comunismo, quemaban en la calle ejemplares de los periódicos del partido al grito de "la prensa miente". Hoy todo ha cambiado. El precio de la información depende de la demanda, del interés que suscita. Lo que prima es la venta. Una información será juzgada sin valor si no consigue interesar a un público amplio”.

¿Por que las autoridades no retiran productos informativos del mercado debido a su mala calidad? La mayor parte de la noticias que nos llegan a través de las secciones internacionales se elaboran resumiendo acríticamente algo que una fuente interesada de Relaciones Exteriores ha contado a los periodistas. Es decir, el periodista -mal pagado, no especializado, presionado y temeroso de no encontrar trabajo en los periódicos- viaja a Brasil país interesado en difundir algo, toma nota de lo que le cuentan los funcionarios del gobierno, con frecuencia no puede preguntar, resume lo más llamativo y fácil de entender y con eso elabora la noticia. Si es mentira, no lo sabrá ni tendrá tiempo de comprobarlo antes de regresar a su país, pues el sueño de un periodista de comunicación social será convertirse en un gran chayote para así defender los intereses del sistema.

El arte despierta nuevas formas de ver la política

2010-11-12T13:55:00.001-08:00

Por Magno Fernandes dos Reis. caferelax57@yahoo.com.mx

Como histéricos, ustedes reclaman un nuevo amo. Lo tendrán. Jacques Lacan, "El reverso del psicoanálisis", Seminario XVII (1969-1970).

Si por ejemplo hoy existiera un Antonin Artaud, sería una curiosidad apasionante que podría ser financiada: entonces, o bien se suicidaría, volvería por su propia voluntad al hospital psiquiátrico, o bien se volvería él también una estrella que sale en la televisión. Cornelius Castoriadis

Miseria no es cultura y tampoco arte. Arte es vida. Y, la miseria nos acerca de la muerte.

“Dejo de lado la cuestión de si, al refinar continuamente a la humanidad proporcionalmente a los nuevos placeres que ofrece, el progreso indefinido no sería su tortura más cruel e ingeniosa; si, al avanzar como lo hace mediante una negación de sí mismo, no resultaría ser una forma de suicidio perpetuamente renovada, y si, encerrado en el ardiente círculo de una lógica divina, no sería como el escorpión que se envenena con su propia cola: el progreso, ¡ese eterno desiderátum que es su eterna desesperación!” Con este texto, publicado a propósito de la Exposición Universal de 1855, Charles Baudelaire nos propone pensar el arte a partir del desarrollo económico. Esta crisis económica que experimentamos y vivimos en Chiapas, nos llevan a la desesperación. La semana pasada fui a la abertura de una muestra de arte en San Cristóbal de las Casas. Advertí que los centros culturales han dejado de ser un espacio de “encuentro”, circulación y legitimación de las practicas artísticas. Este lugar sagrado se ha convertido en un lugar de fiesta en la cual políticos de las diferentes administraciones, desempleados de lujo, aparte de intelectuales e invitados celebran con una copa de vino que el arte existe y que, en modo alguno, les es ajeno a sus intereses. Hoy las muestras de arte revelan la ideología del gran imperio, el neoliberalismo. Un artista no mediocre o inteligente: es libre para crear o no lo es. ¿Qué nos dicen las obras de arte del siglo XXI creadas en Chiapas? Se ha puesto de moda decir que la solución a los problemas económicos y a las desigualdades sociales existentes en el mundo se encuentra en la cultura y en la educación. Pero esto genera frustración económica y apatía en general. Para el artista contemporáneo, la mentira es la cara de la verdad. Es por la desigualdad económica y social que hay tanta gente buscando sumarse al narcotráfico. Mientras la desigualdad social esté presente, ni la sociedad, ni el arte, ni la educación será capaz de sacar a los niños del narcotráfico y a las niñas de la prostitución. Desgraciadamente, en Latinoamérica somos los campeones de la desigualdad si comparamos a nuestra región con otras áreas del planeta; mientras tanto, muchos intelectuales interpretan la miseria como parte de la cultura. El temor al desempleo ha paralizado a los intelectuales, a los artistas y al público. Mientras exista la “desigualdad” tendremos la oportunidad de ver documentales como “Halcón: los chicos del narcotráfico” donde justifica su participación argumentando que “prefiere vivir un día como millonario que la vida entera siendo pobre”.

¿ El lenguaje visual es más importante que el valor del obra?

En San Cristóbal de las Casas, el público no se ha lanzado a visitar exposiciones, ir al cine y al teatro. La frontera entre el arte y la información, que nunca fue fácil de establecer, ha desparecido totalmente. Creo que no hay diferencia entre arte o producto, realidad o ficción. Afirmo con seguridad que no hay público, pues en la mayoría de las exposiciones observamos solo a los artistas, a los productores culturales y a los periodistas que generalmente son financiados por el Estado. Las secciones de cultura de la mayoría de los periódicos, ignoran las obras de arte para hablar de los políticos que llegaran a la inauguración de las exposiciones. El productor cultural (curador) no se preocupa por que la obra llegue a un mayor número de personas. Tampoco aborda la exposición como un libro abierto al cual los espectadores le infunden significado. No existe una relación entre el espectador y la obra porque el espectador esta más preocupado con las relaciones sociales que con entablar una plática con la pintura. Tanto el artista como el público buscan empleos y financiamientos para sus proyectos culturales.

Torres García

Esta semana fui invitado a hacer parte de la Comisión que organizará la “III Feria de Arte de Chiapas” que se llevara a cabo en marzo de 2011. Lo que más me preocupa como historiador y crítico de arte es la falta de público en las muestras de arte y las maniobras de productores y periodistas sin escrúpulos para sacar dinero del Estado y engañar a los artistas. Mi concepto de arte latino-americana (arte chiapaneca) es pautado por la diversidad; lo cual significa que una feria de arte debe abrigar diferentes lenguajes y diferentes propuestas, distanciándonos de una perspectiva única que valore la producción de todas las regiones y vertientes. Lo más importante para los artistas que producen en el Estado de Chiapas es incentivar la internacionalización de la feria. La crisis financiera nos preocupa porque la feria de arte es un instrumento de mercado, con objetivo comercial, pero mi propuesta es llevar al público un contenido de primera, con buenos artistas, seleccionando obras con características como la originalidad, la creatividad y el lenguaje. Buscamos la participación de artistas de todo el Continente y galerías, además de acercar la feria a un público más amplio por medio de campañas publicitarias, contactos con museos, consulados y con revistas especializadas en arte. Esta tercera edición de la Feria de Arte Chiapas debe responder a muchas de las preguntas planteadas por los artistas locales y el público tales como: ¿Cómo cambiar al mundo el arte? ¿Cómo puede el arte llegar a un mayor número de personas? ¿Es posible hacer una feria de arte en que el público pueda relacionarse con la obra? ¿Dónde están los coleccionistas de arte del Estado de Chiapas?

Da Mata

A lo largo del siglo XX, muchos artistas creyeron que el arte podría cambiar al mundo. Muchos muralistas utilizaron sus pinturas como vehículos para la transformación social. En este siglo, el artista local y los espectadores viven la eterna desesperación señalada por Charles Baudelaire. Los matices políticos de las exposiciones desembocan en confusión, rechazo o simple negación a participar de las bienales y ferias. El artista contemporáneo debe señalar su postura con respecto a la realidad. Desgraciadamente, el Estado no cede un espacio donde el artista puede emitir una opinión. Por la tanto el papel de la muestra de la III Feria de Arte Chiapas no debe restringirse sólo al medio artístico y político como las exposiciones. El impacto de la feria debería reflejarse en la educación, en la ciudadanía y en la economía. Una feria de arte pujante y representativa interesa a toda la sociedad, en la medida en que permite que San Cristóbal de las Casas se ubique como uno de los polos de arte contemporáneo, generando riqueza y beneficios materiales y simbólicos para todos. El espectador de una feria de arte gana, se enriquece culturalmente. Propongo que esta feria de arte valore la obra y al espectador planteando nuevos caminos para la política cultural en el Estado de Chiapas.

Revista de arte y estética contemporánea

2010-11-12T13:52:00.000-08:00

Por Magno Fernández dos Reis. caferelax57@yahoo.com.mx

“Sólo hay dos poderes en el mundo: La pluma y la espada”. Napoleón

Todavía hay pueblos incapaces de administrarse ellos mismos en las condiciones especialmente difíciles del mundo moderno. El bienestar y el desarrollo de estos pueblos son una misión sagrada de civilización… el mejor método para realizar este principio es el de confiar la tutela de estos pueblos a las naciones desarrolladas. Woodrow Wilson (1918). Presidente de los Estados Unidos.

Revista de Arte – editada en España

¿Un texto crítico contribuye para perfeccionar el arte? ¿Qué relación hay entre arte y comunicación? ¿Qué relación hay entre el lenguaje visual y la verdad? ¿Es la revista de arte un agente para formación de las tribus culturales? La desinformación contribuye a la permanencia del colonialismo ideológico-cultural en este siglo, ya que la mayoría de los periodistas, de los intelectuales y de los artistas plásticos no saben para quién ni para qué están escribiendo o pintando. Cuando leo textos sobre arte comprendo que hay dos clases de revistas: la del Estado, que es legal y legitima y la del pueblo que es ilegal pero legitima. El arte popular es un medio de pleno valor en la comunicación entre los individuos. En las obras contemporáneos del Estado de Chiapas el pensamiento no rebasa los límites de las sensaciones, por eso tenemos dificultad para discernir la esencia de los objetos artísticos. Las teorías económicas, las teorías políticas y las teorías sociales no son herramientas para solucionar los problemas humanos como imaginan académicos idealistas.

La solución a los problemas que vivimos aquí y ahora se encuentra en el perfeccionamiento de la estructura del lenguaje visual y de los idiomas pues hay un problema de comunicación y de lenguaje ya que muchas veces lo que los teóricos argumentan es incomprensible para el pueblo y esta falta de comunicación tiene sus raíces en el lenguaje. Escribir sobre arte es penoso porque los conceptos visuales son incomprensibles y el pensamiento visual es personal y espiritual. Las revistas de arte plantean un debate en torno de la pintura. Sin embargo, las palabras no expresan lo que el espectador piensa de la obra: una pintura explicada por un historiador del arte es una mentira porque lo que él aprecia en la pintura no es lo mismo que interpreta el espectador. Lo mismo sucede con una novela donde lo importante es lo que uno puede captar de ella y, no únicamente, lo que el maestro de literatura entiende de ella. Pero es innegable que las revistas de arte son instrumentos de conocimiento porque nos deparamos ante imágenes que pueden ser interpretadas de manera diferente a lo que el crítico interpreta y porque en la revista encontramos comentarios y análisis de las obras. En la vida práctica hay una la lucha política por tener el control de los espacios culturales donde las palabras y las imágenes pueden ser empleadas como armas para destruir el arte. La pintura representa un texto mucho más directo y eficaz para mostrar las contradicciones del sistema que los textos académicos ya que señala los profundos errores cometidos por el ser humano. Por lo tanto, la violencia narrada por los artistas en la obra de arte ostenta diferentes tonalidades.

Arte Al Día

La desinformación sobre el arte visual producida en el Estado de Chiapas es un factor de poder. ¿Por qué las universidades del Estado de Chiapas no se interesen por las investigar las artes visuales? Las palabras de Karl Marx son certeras: “en el mundo de las formas fenoménicas, sustraídas a su cadena interna y completamente incomprensibles en este aislamiento, quienes determinan las condiciones sociales se encuentran a sus anchas”. Las pinturas no son accesibles al pueblo, a este se le da espectáculo, sensacionalismo. Las obras de arte más importantes están en manos de otros sectores sociales. En las obras de los artistas comprometidos con la verdad el espectador percibe que la pobreza produce violencia.

Arte – editada en Brasil

Los que leen los periódicos y las revistas que circulan en Chiapas se preguntan para qué sirve la sección de cultura, a lo que contestan: a) para nada; b) para halagar el ego de los artistas; c) para ganar dinero de las instituciones y del gobierno. Sin embargo, una revista de arte no es para hablar sólo de los artistas seleccionados por las instituciones y, sí para intentar conocer y valor del lenguaje visual. Mirar, pensar y escribir significa ser libre e independiente, argumentar lo que se escribe, basarse en los conocimientos visuales. Es mejor contribuir dando información sobre los artistas locales, “no someter sus juicios u opiniones a los intereses económicos políticos; el editor de una revista de arte debe estar informado y compartir sus conocimientos y su experiencia con el lector. Tal vez una buena revista de arte no debería comprometerse con los gremios. Aquí, en el Estado de Chiapas, la mayoría de los escritores, de los poetas, de los periodistas, de los académicos y de los artistas no tienen visibilidad nacional e internacional porque la estrategia entre los artistas mismos es descalificar la obra del otro para valorar la suya y conquistar becas. Las becas resultan más importantes que las obras. Nadie lee las obras auspiciadas por las becas pero creen que la obra es buena porque es producto de una beca. Para escribir sobre arte hay que documentarse, preguntar a los que saben, leer algo, visitar los talleres, viajar al interior del Estado, no ser sólo local. El gran problema del artista de Chiapas es encontrarse aislado en su localidad, lo cual significa aislarse en su pequeño mundo donde se convierte en rey. ¿Para qué sirven las revistas y las secciones de cultura patrocinadas por el dinero público? Una revista de arte sólo es importante si es capaz de contribuir a aumentar nuestro conocimiento del arte actual o a comprender la obra analizada, dándonos parámetros y comentarios para comparar las obras. Las revistas de arte sirven para esto y para mucho más, pero eso sólo en la medida en que sea una revista seria, profesional y bien hecha.

Editada en Chiapas.

La revista ¡ARTE! Brasileiros editada por el periodista Helio Campos, en Sao Paulo (Brasil) es un espacio para que el artista y el espectador acompañen y comprendan el arte como expresión del ser humano. Una revista además de dar visibilidad al artista debe ser un puente que entrelace a los artistas de este Continente. La Revista Arte por Excelencias (editada por José Carlos Santiago, Madrid) que este mes empieza a circular en la ciudad de México tiene el compromiso de “dejar testimonio de los procesos creativos dentro de las artes plásticas y sus protagonistas en los países de las Américas y el Caribe, fomentar la diversidad interpretativa y la conciencia del debate, la actualización bibliográfica y la recuperación de la memoria histórica”. En la ciudad de México, la “Revista Arte Al día” propone comprender el mercado de arte a partir del análisis de los objetos artísticos creados en el triangulo geográfico conformado por Los Ángeles–Miami–ciudad México y demás corredores culturales encontrados en el norte y sur de México. Aquí, en Chiapas, la revista Artes – UNICACH se enfoca sólo en la producción cultural local dejando el lector sin parámetro para juzgar al arte como lenguaje universal.

El mundo del unicornio incoloro.

2010-10-28T05:50:00.000-07:00

Por Magno Fernándes dos Reis. caferelaxl57@yahoo.com.mx

A Chichai

“Cuando decimos “vete a la chingada”, enviamos a nuestro interlocutor a un espacio lejano, vago e indeterminado… país gris, que no está en ninguna parte, inmenso y vacio… Es la nada”. Octavio Paz.

Casita hundida o caja para atrapar las imágenes en San Cristóbal de las Casas.

Comienzo esta charla con los ocasionales lectores del periódico El Heraldo de Chiapas pidiendo una disculpa a la periodista Damaris Disner (editora de esta sección cultural) por no haber enviado el artículo para ser publicado en la columna Chiapas–Territorio y Confluencia el jueves pasado. No fue posible escribir porque en la ciudad de México fui aprehendido por el universo mágico y lírico forjado por el pintor Carlos Jurado y su esposa, Chichai, en su departamento del Edificio Condesa. Nuestra charla giró en torno a la idea “ya no se hacen artistas como antiguamente”. Los colores y las formas de las pinturas de Carlos Jurado demuestran un compromiso ético de naturaleza absoluta que caracteriza la vida del pintor. Estos compromisos éticos originan la motivación fundamental y los temas de su obra.

Antes de emprender mi interpretación contemplé atentamente la puerta de la casita en dirección al infinito y a la oscuridad de la obra “Casita” (óleo sobre tela, 0.40 x 0.30 m, 1986). La ausencia del claroscuro por debajo son los únicos motivos narradores en los que se distrae mí vista. La escena es bien simple: la puerta de la casita parece remitirnos a una caja mágica, pero allí no hay nada – aunque yo podría decir que debían haber algunos unicornios azules trotando por detrás de los colores indefinidos de Carlos Jurado-. Esta casita es una imagen emblemática de su lado oscuro y angustioso. La relación entre la casita y el espacio que le es propio adquiere en la pintura una naturaleza de condición angustiante. Diversas explicaciones en torno a las pinturas de Carlos Jurado han sido hechas por los críticos de arte Rosario Giovanni, José Antonio Matamoros, Silva Navarrete, Raquel Tibol, Blanca Ruiz, Adrian Mendieta y el deslumbrante texto “Carlos Jurado: Las Formas de la Creación, de Antonio Rodríguez. Todas estas explicaciones son plausibles, pero ninguno de ellos percibe la expresividad de la pintura (colores) ni aclara el sentido cósmico del espacio indefinido que sirve de fondo a la obra del artista, tampoco aclara la naturaleza de la casa o la condición absurda en que siempre vivió el ser humano. La ambigüedad que el color de Carlos Jurado produce es el sentido de su pintura. Más allá de los signos inventados por el pintor, su obra nos propone una mirada sobre el mundo. ¿Será pretensión encontrar en la puerta de la casita una afinidad con nuestra propia casa?

Autorretrato de Carlo Jurados y Retrato de Chichai.

Afirmar que el Unicornio Azul con Chichay -encontrado al entrar al departamento del artista- es una pintura profundamente visual no es una redundancia. Los pocos índices (signos) que Carlos Jurado ofrece al espectador no son en sí mismos incomprensibles – nada hay de incomprensible en el color indefinido del unicornio, de las nubes y del espacio con manchas – pero, la obra en su conjunto es impenetrable. Ni el unicornio, ni el espacio saturado, ni los arboles sin hojas que nos remiten al texto Esperando a Godot, de Samuel Becket presentan rasgos que permitan conceptuarlos. Bien al contrario, los elementos que componen los lienzos de Carlos Jurado son anónimos -sin elementos que pudieran hacer del Unicornio Azul una figura mitológica-. El espacio en la pintura de Carlos Jurado se confunde con la pintura misma. Es difícil hablar de los lienzos de Carlos Jurado, precisamente porque se trata, ante todo, de pintura. No podemos identificar los matices de la pintura de Carlos Jurado en a las fotografías reproducidas en el libro “Carlos Jurado y la Luz” (último libro editado por José Antonio Matamoros) ya que el pintor certifica que en su pintura el blanco no existe. Cualquiera que mirara una obra pictórica, se sentiría atraído por del color, por la forma y por la distribución del espacio. El arte interpreta de la realidad inaprehensible de otra manera. Carlos Jurado utiliza los símbolos y las formas para mostrar desde ellos que la realidad se manifiesta de otra manera. Los colores para Carlos Jurado son una apología de lo que nosotros somos capaces de ver. En realidad Carlos es una especie de unicornio sin color, porque en su obra el espectador tiene la oportunidad de retratar a la gente en su simplicidad como una sola familia con costumbres, creencias y comportamientos semejantes. Es con esta gente sencilla que dialogamos en la pintura de Carlos Jurado, sobretodo en su producción de 1950 a 1964, Retrato de Chichay, (óleo/tela, 1.30 x 1m, 965) Autorretrato con diablito (óleo/tela, 095 x 0,55m, 1966) y Grupo para fotógrafo (óleo/tela, 1.20 x 1.50m. 1965). En este último cuadro, impregnado de un lirismo, el león posa garboso y sereno, al lado de su escogida, ambos bajo la guardia de la corina de un circo. Al fondo un infinito matizado sugiere un ambiente ceremonioso que en contraste con el bastón, nos recuerda la infancia.

Libro sobre Carlos Jurado, editado por la Universidad Veracruzana

Una dignidad atractiva nos involucra con los personajes del pintor, sobretodo en la fase inspirada en el arte popular que le confiere una realidad mágica a su obra. La pintura de Carlos Jurado nos da la impresión de que la vida fluye tranquila y bella. Creo que no es sencillo transmitir al lector porque considero al unicornio azul mi obra favorita. En mi caso es porque esta obra apela a la emoción estética y tiene que ver con la capacidad de Carlos Jurado de superar la ejecución técnica y conseguir que los símbolos y los significados se entrelacen con elementos subjetivos de emotividad. La mujer en el lienzo posee una fuerte carga de sensualidad y nos lleva a pensar en el universo femenino alejado de las normas. El tratamiento pictórico, la visualidad y la expresividad de la pincelada del artista manifiestan la irracionalidad, las deformaciones y metamorfosis de las figuras características del arte y la cultura del siglo XXI. Este libro denominado Carlos Jurado que será presentado este mes en la ciudad de México nos demuestra cómo este pintor intuitivo hace del arte su especial forma de vida. Carlos Jurado. el pintor de extraños símbolos y armonías geométricas, pintó su primer mural Fray Bartolomé de las Casas en 1957 (4 x 3 metros) destacando las formas como herramientas para ver más allá de lo que nuestros sentidos y la historia oficial permiten. No fue la suya una concepción fría, teórica e histórica de las cosas sino la concepción de un verdadero colorista. En el mural de 1993 el espectador percibe su obsesión por la armonía y la búsqueda del verdadero lenguaje del ser humano. Considero a Carlos Jurado más que un gran pintor, a un innovador de la imagen del Estado de Chiapas, pues no se preocupa por la interpretación de hechos históricos sino por la narración de los mismos en cuyo caso corresponde al espectador elaborar una interpretación. Todo artista sueña con aprehender las imágenes y Carlos Jurado ha creado varias cajas mágicas para aprehender los sueños de la humanidad que se fundan en la esperanza de crear un mundo más equilibrado.

El Inmenso cine de David Lean.

2010-10-18T19:08:00.000-07:00

El cine de Lean es un camino y al hacerlo transitamos por un infinito en la cual no terminan nunca las imágenes, al contrario viene una y otra vez a seducirnos como un caleidoscopio por donde se pasea la majestuosidad de la historia y su pasión desbocada hacia el teatro.

Considerado por algunos el hacedor del nuevo cine de epopeya a fínales de los 50s y principios de los 60s, Lean se nos regodea como un maestro del cine de masas que servía para recrearnos un momento auténtico donde quedaba incrustado, como la espada del rey Arturo, el mensaje de una visón histórica. Sin embargo el cine de este director no nace en la grandiosidad y la espectacularidad sino en el teatro más intimista que se comenzó a hacer durante los tiempos de la segunda guerra mundial y luego de ella. Su trabajo original fue dentro del cine de noticias Inglés. Allí fue ayudante de de edición, colaborador de cámaras y hasta en algunas ocasiones de iluminador. Eso hizo en la “GAUMONT”, resolviendo el mantener informado a un pueblo que asistía al cine con el miedo de una bomba cayendo sobre sus cabezas por el Blitz nazista engendrado para acabar con England.

Extraña anécdota fue que él no asistió al cine sino al cumplir los 17 años ya que su familia practicaba una religiosidad ciega digna de su ascendencia cuáquera. A pesar de no tener título universitario, el joven se embebió cuanto libro de teatro clásico podía y se hizo amigo, dentro de los estudios cinematográficos, de los directores Michael Powell y Emeric Pressburger con quienes va aprehendiendo la técnica, el uso del color y el aroma mental que debe invadir una sala cuando se proyecta un film que has hecho. Allí también conoce a Noel Coward, quizá uno de los mejores dramaturgos del melodrama inglés y con quien cincela sus primeros guiones, ambos codirigen Sangre, sudor y lágrimas (1942), La vida manda (1944), rodada para Cineguild, fundada por ambos y Ronald Neame, y se prolonga en El espíritu burlón y Breve encuentro, de 1945. Es justamente con esta última que David Lean comienza una cosecha de premios que abarcará gran parte de su vida y su filmografía, no hubo Palma de Oro, León de Venecia, Oso de Berlín y Oscares que no se llevara y es que su cine establece autopista para estudiar lo que es la organización del cine pero también la exposición actoral en aquellos inmensos dibujos paisajísticos donde mece sus personajes.

Es de agregar que el cine de Lean posee como característica clave y fundamental el uso extremo, sin exagerar tónicas, del gran plano general. Allí ubica sus personajes y los hace pasearse por esos encuadres para mostrar las inmensidades del mundo y sus contextos geográficos. Uno de sus planos fijos memorables es el de un emir árabe que se acerca de la nada desértica hasta aparecer en la pantalla como un gran close up, la cámara se convierte en un testigo silente que sea agota en el calor del desierto árabe y un punto negro que viene a ayudarle, todo esto enmarcado en la monumental “Lawrence de Arabia”.

Autor meticuloso que lo lleva a obsesionarse con el tiempo de producción más que con el de la realización, sus actores son escogidos tanto como el panorama y va des construyendo las imágenes mientras que las monta en encaje visual que siempre tiene tintes de gloria. Es por ello que su primera etapa fue apegada a llevar al cine las grandes obras de Charles Dickens: Oliver Tiwst y Grandes Esperanzas.

A finales de los setenta y principio de los ochenta su cine fue considerado ambicioso, anticuado y acartonado por un mundo que requería historias con facturas sociales o blanqueadas por nuevas propuestas y el cine de Lean se fue quedando como un objeto para llenar programación de TV, cuando esta requería un larguísimo metraje fílmico. Sin embargo Scorsesse, Spielberg y George Lucas comenzaron a ver con asombrados ojos aquellas cintas donde se había aprehendido una nueva pauta y comienza en conjunto con el British Film Institute, durante los años 90, la restauración de las películas que recobraron color, cadencia y ritmos y entonces nos volvieron a asombrar, a pintar las salas de colores fantásticos que conllevan la historia sangrante del Puente en las selvas de Sumatra durante la toma de los japoneses (El puente sobre el rio Kwai), las fascinante vida del escritor homosexual Lawrence en las arenas del candente desierto(Lawrence de Arabia), la estepa congelada de la aterrorizante lucha guerrera de la Siberia (Dr Zhivago) y así hasta llegar a la infravalorada por la crítica setentera: La hija de Ryan, un poema visual que nos cuenta magistralmente, con el trasfondo del amor, la historia del nacimiento de un movimiento independentista en la Irlanda del Norte, con una secuencia de tormenta jamás antes filmada.

No esperemos más y consintamos nuestros sentidos cinéfilos, vamos a ver al gran David Lean en pantalla grande y en copias remasterizadas, es una oportunidad de oro.

Gerardo Martínez

Una taza a la mar

2010-09-30T11:14:00.000-07:00

Descobri Jorge de Lima... Por Magno Fernández dos Reis. Caférelax57@yahoo.com.mx
De: Invencção de Orfeu - JorgI
A ilha ninguém achou La isla que nadie ha encontrado
porque todos a sabíamos. porque todo el mundo conocía.
Mesmo nos olhos havia Incluso en los ojos había
Uma clara geografia. una geografía clara.
Mesmo nesse fim de mar Incluso en este extremo de marzo
qualquer ilha se encontrava, cualquier isla,
mesmo sem mar e sem fim, incluso sin mar y sin fin
mesmo sem terra e sem mim sin tierra y sin mí
Mesmo sem naus e sem rumos,   Incluso sin barcos y sin dirección,
mesmo sem vagas e areias,    incluso sin espacio o arena,
há sempre um    copo de mar siempre habrá una taza a la mar

para hacer a
para um homem navegun hombre navegar.

Jorge Lima

CARTEL DE LA BIENAL DE SAO PAULO

Cerca de 160 artistas visuales de diversas nacionalidades aspiran a recuperar el prestigio nacional e internacional de la Bienal de Sao Paulo con la exposición titulada “Siempre habrá una taza a la mar para hacer a un hombre navegar” en la que la estética se vincula a la política. Según el director de la bienal Heitor Martins, el eje conductor de esta exposición se inspira en este verso del poeta Jorge Lima. La Bienal tiene el objetivo de aproximar las artes visuales a la cotidianeidad de las personas y, aprovechando el clima electoral de Brasil, se destaca ante el público latinoamericano que el arte y la política son inseparables. Los curadores, además, esperan destacar que la dimensión utópica del arte se encuentra dentro de ella misma. Es a partir de nuestro infinito particular que buscamos nuevas ideas y nuevas formas para modificar al mundo.

Gil Vicente asesina el neoliberalismo simbólicamente en la bienal de Sao Paulo

Las obras de Gil Vicente Pernambuco (dibujo denominado “Los enemigos”), de Nuno Ramos (instalación llamada “Bandera Blanca”) y de Roberto Jacoby (instalación “El alma nunca piensa sin imágenes”) generaron polémica en la abertura de la bienal este 25 de septiembre porque estas obras son una respuesta al neoliberalismo (modelo económico que extendió a gran parte del mundo). Estos artistas proponen un diálogo con el espectador a través de signos visuales que tienen por tema la ola de violencia generada por el neoliberalismo en el mundo.

¿Lo que representa tres zopilotes en la Bienal?

El Patronato de los Abogados de Brasil (OAB-SP) exigió el retiro de la serie “Enemigos” del artista Gil Vicente pues argumenta que los lienzos donde el artista se autorretrata asesinando al presidente de Brasil, al expresidente de los Estados Unidos y al papa actual representan una apología de la violencia. No obstante, las escenas de violencia acompañan al hombre desde los tiempos más remotos de la historia. Los artistas visuales olmeca-xicalancas que retrataron a guerreros ejecutando a cautivos ¿hicieran una apología de la violencia? ¿El mural Guernica de Pablo Picasso es una apología de la guerra? La serie de grabados Los desastres de la Guerra de Goya son una apología de la guerra? En realidad se trata mucho más de hallazgos visuales y simbólicos retratados por el artista. Esta serie dibujos de Gil Vicente es una narración de la violencia llena de alusiones al sistema político inventado y reinventado por el hombre. Todavía no he olvidado las múltiples manipulaciones hechas de las fotografías de la masacre en Acteal.

Godard habla de violencia.

La única cuestión que me planteo frente a la obra de arte es la de saber si el lenguaje creado por el artistas dará fuerza a la escena. En realidad lo que propone el artista brasileño Gil Vicente es el asesinato del sistema neoliberal. Mirar una bienal, para mí, quiere decir ante todo hacer una lectura de la historia visual. Las obras pueden ser inverosímiles, pero no debe ser banales. Es preferible que sean dramáticas y humanas pues la belleza de las imágenes, la belleza de los movimientos, el ritmo y los efectos no deben someterse y sacrificarse ante el tráfico de influencias. Dos obras más despertaron polémica Bandera Blanca, en la cual el artista Nuno Ramos aprisiona a tres zopilotes vivos tras una malla instalada en el centro del pabellón, y El Alma Nunca Piensa Sin Imágenes, en cual el artista simula una campaña electoral usando imágenes de dos candidatos presidenciales de la actualidad en Brasil. En una nota, los curadores de la bienal argumentan: “Comunicamos que, a pesar de la censura, continuamos con nuestras actividades planeadas para el mismo espacio. El mural con imágenes de los candidatos (Dilma y Serra) fue cubierto y se retiraron los videos y fotografías con el nombre de los candidatos. No obstante, invitamos a todos a participar en los talleres y conferencias que estaremos promoviendo en el local, con entrada gratuita”.

Artista Norte americano transforma piedra en rostro.

En el Brasil de hoy no se vive una dictadura oficial pero se condena al arte por considerársele subversiva tal como en el periodo de la dictadura militar. En 1857, el escritor francés Gustave Flaubert fue acusado ante los tribunales por ofensa a la moral y a la religión a causa de la frase “Madame Bovary soy yo” con la cual el escritor defendió al personaje de su novela. Para Flaubert el artista carga con los pecados de sus personajes y de la humanidad. El arte no es una predicación moral porque su función es hacerse preguntas respondiendo, a veces, con la violencia.

Estas obras polémicas y censuradas demuestran a un siglo XXI repleto de violencia desenfrenada en el que los atentados, la tortura, los secuestros y la crueldad hacen parte de lo cotidiano, son tolerados y velozmente olvidados. Censurar y retirar las obras de los artistas de la Bienal es un acto de violencia, porque el arte no constituye un crimen en si mismo. El vivero de zopilotes de Nuno Ramos es una especie de luto vivido en el Brasil que se oculta tras la imagen de la falsa alegría.

Cildo Meireles crea imágenes utópicas en grandes cilindros movidos por tracción humana. En la misma cartografía, Francis Alys refleja en sus obras los vaivenes de la política y de la economía neoliberal.

Artista mexicano capta el lenguaje del tornado - ¿Lo que habla los tornados y las tormentas?

Esta XXIX Bienal de Sao Paulo pretende celebrar el quehacer artístico y afirmar su responsabilidad delante de la vida y de la generación de conocimientos que no se encuentran en ninguna otra parte, pues el arte involucra al espectador con su experiencia sensible. A través de la trama, el arte promueve la reflexión crítica del mundo en el que ésta se inserta. En fin, el objetivo de esta Bienal es ofrecer ejemplos de cómo el arte teje y entreteje, en sí mismo, a la política.

Los mayas hablan de violencia – ¿Los artistas mayas hacen apología a violencia?

AGENDA CULTURAL

1. Presentación del libro Filipinas, textos cercanos, de Tomás Calvillo, en el Centro de Difusión Universitario Intercultural – CEDUI (anexo al Café Relax- Arte y Cultura) en viernes 1 de octubre a las 18:30 horas.

2. Exposición Kami Janga Chingole – Talle de los Leñateros – 35 años de alquimia colectiva. Galería de arte Gustavo Flores (anexo Café Relax) abierto de las 9 a.m a las 9 p.m. Calle Diego de Mazariegos, 19 –centro Histórico.

El café de nadie

2010-09-30T11:12:00.000-07:00

Por Magno Fernández dos Reis. caferelaxl57@yahoo.com.mx

Los cánones del juicio estético y de la experiencia estética varían con las culturas, con las épocas, con los pueblos, con los hombres, y no hay dónde hallar un criterio que decida esos cánones, tan variables todos, deba preferirse a los demás. “Los problemas de la estética” Moritz Geiger

El mundo es un absurdo porque todavía no aprendemos a vivir con las contradicciones de un sistema político. Me pregunto ¿Por qué el hombre dirige su mirada a los lienzos, a los grabados y a las esculturas además de leer a unos muchos libros para al finar quedar ofuscado por las palabras? Las palabras nos ofuscan porque son solamente fragmentos de la verdad y de la mentira. Las obras de arte no existen en el vacío. El lienzo “El Café de Nadie” pintado por Ramón Alva de la Canal es diferente a un lienzo pintado por un pintor de San Cristóbal de las Casas a cauda de la época y de los cambios que sufre el mundo y las personas. Para entender una pintura hay que entender el contexto que la rodea. ¿Qué es el contexto de una pintura? El contexto de la pintura es una tela blanca. El soporte que el artista elige para realizar su obra es el contexto de la propia tela blanca. A partir de aquí, el narra una historia siempre que a esto le anteceda una pesquisa rodeada de hechos históricos y los personajes. Entre los contextos que más influyen en las formas y en los colores se incluyen la cultura, la época histórica, la situación geográfica. Hacer una buena obra de arte exige prudencia. Pero también exige valor. La creación de una obra de arte no se puede basar en la timidez o en el complejo de inferioridad. Es común escuchar que los artistas visuales deben actuar de acuerdo con sus medios, lo que es obvio. Se habla de la necesidad de cambios en la geografía de las artes plásticas en el mundo. El proceso de creación de una pintura es progresivo.

Antes pintar, el artista almacena detalles e ideas de la vida real. Las primeras pinceladas nacen de la vida real. Antes de empezar un cuadro, el artista debe descubrir la historia de fondo. Mientras trabaja un cuadro, el pintor avanza y retrocede, planteándose preguntas sobre el pasado para comprender mejor el presente. La historia de fondo caracteriza, desarrolla y enriquece al lienzo y juega un papel clave en la interacción entre el lienzo y el espectador. ¿Cuál es la historia de fondo representada por el pintor Ramón Alva de la Canal en el lienzo “El Café de Nadie”? Este cuadro señala que en México, el estridentismo fue el primer movimiento que se apartó de la pintura ideológicamente comprometida que se hacía en los años 20. Alva de la Canal es el representante de la pintura estridentista con su obra El café de nadie (1930) en donde rompe el ritmo de la pintura tradicional figurativa adoptando el montaje y el collage influencia del futurismo italiano a manera de una sucesión fílmica. Además las categorías temporales y espaciales desaparecen del lienzo. El café de Nadie es un espacio simbólico en la ciudad de México donde un grupo de intelectuales y literatos mexicanos lanzaron el primer Manifiesto estridentista. (31 de diciembre de 1921) Encabezados por Manuel Maples Arce, Arqueles Vela, Germán List Arzubide, Leopoldo Méndez y Ramón Alva de la Canal, entre otros, los estridentistas hicieron nuevas propuestas estéticas en el campo de las letras y el arte. El manifiesto resume la visión del movimiento con la idea siguiente como eje de la estética del grupo: hay que desdeñar el pasado tanto como el futuro y mantenerse en “el vértice estupendo del minuto presente”. Ramón Alva de la Canal contribuyó al desarrollo del mito estridentista pintando un cuadro donde aparecen Maples Arce, Germán List Arzubide, Salvador Gallerade, Arqueles Vela, entro otros. El pintor Germán Cueto, pintor estridentista de Veracruz fue un gran experimentador de formas pictóricas y de nuevos materiales.

Muchos de los movimientos culturales son memorables gracias a sus obras de arte. Las pinturas, las esculturas y los grabados pueden hacer que la historia cambie pues un hecho histórico del pasado puede ejercer influencia en un pintor contemporáneo; precisar el papel de los personajes históricos, añadir color y textura, ampliar la paleta de colores y darle sentido a un hecho histórico aparentemente insignificante. Dentro del contexto de la realidad de artistas como Francisco Toledo (Oaxaca) y Antun Kantu (Chiapas) se pueden lograr que los hechos históricos secundarios resulten encantadores. Las historias tratan de lograr que el espectador mantenga los ojos abiertos, el oído alerta y el cerebro activo. Son esos detalles los que logran que los hechos históricos cobren vida.

Antùn Kojtom es el artista plástico más importante en Chipas porque su trabajo no sólo abarca diferentes épocas sino porque también presenta diferentes estilos: abstracto, conceptual y modernista e incluso porque ha hecho murales, escultura, ilustración y grabado. Antùn es observador de la naturaleza y conocedor de las tradiciones -en particular de la cultura maya- que ha generado un estilo y una iconografía personales, y en cuyo universo las especies animales son abundantes y tienen un papel primordial a través de un juego de humor provocativo e irónico; juego que cuestiona la racionalidad con la que la fábula "moral" hace la representación animal un instrumento didáctico.

Para finalizar, quisiera proponer al lector una lectura continua de tres fragmentos artísticos. El cuadro de Ramón Alva de la Canal y el texto de Árqueles Vela se plantean una nueva manera de ser realista, buscando lo que esta más allá de lo real. Este realismo se elabora a partir del mundo privado de sentido ambiguo y el artista anula el espacio lineal, negando la composición de la verosimilitud. La estética de los estridentistas es la misma de Apollinare en Zone (1913), pues se incorporan los etiquetas y letreros de la calle, utilizados por los futuristas, cubistas y dadaístas, y más tarde por el arte pop. Es la cultura que determina el ritmo del discurso del lienzo, la gramática y el vocabulario. Observe los lienzos de Antun y Francisco Toledo y podrá escuchar la voz de los mayas y zapotecos.

Las creaciones de Francisco Toledo, que es, además de pintor, artista gráfico, ceramista, escultor e ilustrador, rebosan de imágenes oníricas de su niñez fundidas a veces con el simbolismo precolombino y referencias a las obras de artistas como Mirò, Tàpies, Rufino Tamayo, Goya, Blake o Ensor.

En el segundo Manifiesto estridentista de Puebla (1923), Maples Arce y sus seguidores reúnen los objetivos políticos y estéticos del movimiento en cuatro cláusulas:

Primero: Un profundo desdén hacia la ranciolatría ideológica de algunos valores funcionales, encendidos pugnazmente en un odio caníbal por todas las inquietudes y todos los deseos renovadores que conmueven la hora insurreccional de nuestra vida mecanística.

Segundo: La posibilidad de un arte nuevo, juvenil, entusiasta y palpitante, estructuralizado novidimensionalmente, superponiendo nuestra recia inquietud espiritual, al esfuerzo regresivo de los manicomios coordinados, con reglamentos policíacos, importaciones parisienses de reclamo y pianos de manubrio en el crepúsculo.

Tercero: La exaltación del tematismo sugerente de las máquinas, las explosiones obreriles que estrellan los espejos de los días subvertidos. Vivir emocionalmente. Palpitar con la hélice del tiempo. Ponerse en marcha hacia el futuro.

Cuarto: La justificación de una necesidad espiritual contemporánea. Que la poesía sea poseía de verdad, no babosadas como las que escribe Gabrielito Sánchez Guerrero, caramelo espiritual de chiquilladas engomadas.

Semillas de vomito.

2010-09-22T13:22:00.000-07:00

Toda mi vida he querido
parecerme a Elizabeth Taylor. Ahora,
Elizabeth Taylor se parece a mí
Divine

El cine de John Waters es una inmensa bofetada a nuestro cerebro y costumbres y se cimbra en nuestra vista como un alfiler caliente. Cineasta imitado sin los mismos resultados Waters recreó sin miedo y tapujos el cine donde pululaban, como gusanos reproduciéndose en podridos, las familias de obreros que sostienen el sistema norteamericano.

Su gran alter ego, némesis y diva fue la contestaría Divine, nacida como Harris Glenn Milstead (19 de octubre de 1945 - 7 de marzo de 1988) y que creció justamente en el seno de una familia problemática, según sus propias palabras se sintió atraída desde niña por senos y vulvas femeninas porque le recordaban el odio que sentía hacia su madre y por grandes falos pues le remitían a los cuentos de hadas y aventureros medievales. Divine, considerada por la revista PEOPLE como la más influyente diva travestorra; caminó por las aguas mas turbias que otra persona haya hecho, fue delincuente, actriz, travesti, creo fortunas que dilapidó con vicios y se interpretó a ella misma en cuanto película hizo, siempre saliendo victoriosa y cantando cuanta porquería le dio la gana.

Es por ello que Waters la toma para indicarnos la carne de la que está formada la sociedad blanca norteamericana, con sus fobias y múltiples caras, fisonomías que siempre esconden en su obsesión de guerra y expansionismo y que luego se traducen en traumas y miedos. De ahí que el mismo acuñó el término “White Trash”, que ellos con tan alto éxito han retratado y tomado como producciones para hacer el “Show de Jerry Springer” y otros modelos de TV basura, que tanto abunda y que con furia exportan como uno de sus grandes logros: llenar de mierda las pantallas chicas y no tan chicas.

John Waters y Divine quizá es la primera vez que se presenta, en una antología de película y lujo, en la ciudad de Mérida y me atrevería a decir que nuevas generaciones, que nunca han visto nada así, como viejas generaciones a quienes en su momento la moralina doble les negó ver el sucio norteamericano, disfrutarán del doble sentido cómico del hundimiento de una nación que ya no es modelo para nadie y que esta solidificada en unas bases de mentiras, de ignorancia, de escatología, muy a pesar de que para algunos sectores sea modelo. La basura blanca campante, llena de malos ejemplos con una irreverente “comemierda” como a la misma Divine le gustaba llamarse y un director que nos vomita verdades de un solo golpe y sin darnos descanso para el aliento.

Esto es el Cine que debemos ver para tener posiciones y propuestas y hoy no los trae la Dirección de Artes Visuales del ICY. Disfrútenlo sin comer antes, pues es necesario tener estomago para analizar a una sociedad retratada en su más ínfima crudeza.

Gerardo Martínez.

8 de octubre

“Problemas femeninos” (Female trouble)

(Estados Unidos, 1974)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, David Lochary y Mary Vivian Pearce.

Sinopsis: Dawn Davenport (Divine) es una niña mimada de preparatoria, la cual, después de un violento arrebato en una mañana de Navidad, huye de su casa. Ese mismo día es violada, lo que la llevará a un embarazo no deseado y al nacimiento de su hija Taffy.

Duración: 89 min.

9 de octubre

“Polyester”

(Estados Unidos, 1981)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Tab Hunter y Edith Massey.

Sinopsis: Francine Fishpaw (Divine) está casada con un dueño de un cine porno y tiene dos hijos: Dexter, drogadicto y maníaco sexual, y Lu-Lu, ninfómana y novia de un punkie. La disfuncional familia comienza a llevar a Francine al colapso nervioso.

Duración: 86 min.

10 de octubre

“Hairspray”

(Estados Unidos, 1988)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Sonny Bono, Ruth Brown, Divine y Debbie Harry.

Sinopsis: Tracy Turnblad es una adolescente con problemas de peso que sueña con ser famosa bailando en el programa “El show de Corny Collins”. Sus aptitudes para el baile parecen acercarla a su anhelado sueño.

Duración: 90 min.

15 de octubre

“Desperate living”

(Estados Unidos, 1977)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Edith Massey y Mink Stole.

Sinopsis: Una rica ama de casa (Divine) asesina a su marido con la ayuda de su asistente y las dos se dan a la fuga dando a parar a Mortville, un pueblo que provee de refugio a los criminales. Se asientan con una pareja de lesbianas. Pero aparece la tirana Reina Carlota que gobierna sobre el pueblo de Mortville.

Duración: 90 min.

16 de octubre

“Multiple maniacs”

(Estados Unidos, 1970)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, David Lochary y Mary Vivian Pearce.

Sinopsis: La degenerada Lady Divine dirige un show ambulante llamado “La caravana de la perversión”. El espectáculo sirve como cebo para atraer víctimas y luego asaltarlos. El amante de Lady Divine decide traicionarla y planea asesinarla ayudado por su nueva conquista.

Duración: 90 min.

17 de octubre

“Pink flamingos”

(Estados Unidos, 1977)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Edith Massey y Mink Stole.

Sinopsis: Babs Johnson (Divine) vive con su madre, su hijo delincuente Crackers y su amiga Cotton. El matrimonio Marble (que se dedica a vender heroína en los colegios y bebés a parejas lesbianas) tiene envidia de que Babs ostente el título de “la persona más inmunda del mundo” y hará todo lo posible por arrebatárselo.

Duración: 108 min.

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Divine es la musa travestida del director norteamericano John Waters. Una diva que poco tiene que ver con la sofisticación y la exquisitez de Hollywood. La estrafalaria estrella representa los valores contrarios: la inmundicia, la locura, el crimen y la vulgaridad; todo en pos de la provocación más subversiva que se ha visto en la historia del cine estadounidense. Dicha propuesta se inserta en un movimiento conocido como “Trash cinema”.

El trash es una vertiente del cine underground, que va de fines de los 60’s hasta los primeros años de la década siguiente. Es el frenesí por desgarrar esquemas morales imperantes aunados a las aspiraciones de un mundo con mayores libertades. La guerra en Vietnam, el movimiento hippie y la revolución sexual definen ideológicamente a este cine, cuya aparición fue posible gracias al surgimiento de nuevos formatos como el super 8. La llegada de pequeñas y accesibles cámaras permitió que algunos jóvenes realizaran sus propias películas, con recursos limitados pero total libertad.

“Este cine tuvo mayor actividad en Nueva York y la Costa Californiana, donde el espíritu independiente había detonado la producción de una incontable cantidad de películas. El movimiento recibió el nombre de cine underground (subterráneo) por estar ajeno a la industria de Hollywood y por su carácter clandestino. Era un cine de experimentación y vanguardia que se rebelaba a la sociedad de consumo y que encontraba en el sexo y las drogas sus temas de inspiración.”

Gubern, Roman. Historia del cine.

De sus autores quien logró más fama fue Andy Warhol. Un artista importante en el desarrollo del pop art. Su cinta “Trash” (1970) difundió el término para referirse despectivamente a las personas blancas que viven desadaptadas de la sociedad. A partir de Warhol, el cine underground se volvió más insurrecto, llegando a niveles escandalizantes para algunos. Los artistas buscaban provocar con mucha fuerza y eso derivó en la vertiente trash (cine basura), donde el mal gusto y ordinariez son mecanismos para trastocar los valores de la sociedad norteamericana. Se reconoce en John Waters al máximo exponente del trash cinema y a “Pink flamingos” como la obra cumbre del movimiento.

Este ciclo es una retrospectiva de los primeros trabajos de Waters protagonizados por Divine, donde se establecen las características más provocativas de su filmografía. Una selección de películas no aptas para todo público, pues su visionado requiere, además de la mayoría de edad, una amplitud de criterio que permita entender que en su discurso alborotador se da testimonio de un momento poco conocido en la historia del cine estadounidense. Para muchos historiadores este sigue siendo un tema incómodo, pues la rebeldía de Waters es tan fuerte que no ha perdido vigencia.

Aarón Rosette

Coordinador de Ciclos de Cine

KAMI JANGA CHINGOLÈ

2010-09-09T13:55:00.001-07:00

Al cónsul de Brasil en México Márcio Lage y al artista plástico mexicano Felipe Ehrenberg

El pájaro leñatero invita a los lectores a la abertura de la exposición de los leñateros de San Cristóbal de las Casas. Chiapas. México

Por Magno Fernandes dos Reis - caferelax57@yahoo.com.mx

Sólo la Antropofagia nos une. Socialmente. Económicamente. Filosóficamente. Única ley del mundo. Expresión enmascarada de todos los individualismos, de todos los colectivismos, de todas las religiones, de todos los tratados de paz. Tupí, or not tupí, that is the question. Contra todas las catequesis. Y contra la madre de los Gracos. Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre, ley del antropófago. Estamos cansados de todos los maridos católicos recelosos llevados al drama. Freud acabó con el enigma de la mujer y con otros miedos de la psicología impresa. Lo que atropellaba a la verdad era la ropa; el impermeable entre el mundo interior y el mundo exterior. La reacción contra el hombre vestido. El cine americano informará. Hijos del sol, madre de los vivientes. Encontrados y amados ferozmente, con toda la hipocresía de la nostalgia, por los inmigrantes, por los traficados y por los turistas. En el país de la cobra grande. Manifiesto Antropofágico (extracto)

San Cristóbal de las Casas (Chiapas) todavía es un gran misterio. De sus montañas verdes brotan los sueños, las ilusiones y las fantasías de los leñateros. ¿Pero qué significa leñateros? Con el advenimiento de las maquinas extractoras de arena, las montañas sangran y los pájaros (leñateros) huyen por temor al hombre. El amarillo y el rojo sustituyen al verde para señalar la decadencia del humanismo. Las palabras desconocidas nos despiertan el miedo porque las imágenes generadas por ellas no siempre corresponden a la realidad. Cuando el escritor Oswald de Andrade vio en el lienzo Abaporu a un hombre desnudo y deforme afirmó: “Esto parece el antropófago, el hombre de la tierra”. Buscando en un diccionario de la lengua tupí guaraní encontró que “aba poru” significaba “hombre que come hombre”. Esta obra Abaporu (1928) acompañó el surgimiento del Movimiento Antropofágico, piedra de toque del modernismo brasileño. Comerse al europeo, tomando de éste lo que pueda nutrir y desechando lo que pueda perjudicar. Metafóricamente, a través de esta pintura, los modernistas construyeron una identidad cultural brasileña e iniciaron, en 1928, la lucha por liberarse de la dependencia intelectual de Europa.

En el tercer Festival de Artes Plásticas de Tuxtla Gutiérrez (21 de octubre de 1995), el pintor y muralista Carlos Jurado me obsequió un ejemplar de la “Revista Jícara”, editado por el “Taller de los Leñateros”. Inmediatamente, la palabra leñatero trajo a mi mente una imagen poética de mi infancia en la Finca Explanada (Minas Gerais). En las tardes me sentaba con mi abuelo Alvino Borges en el monte y juntos observábamos al pájaro leñatero (Cochicho en portugués). Este pájaro existe sólo en América del Sur y se llama leñatero porque recoge las ramas que caen de los arboles para hacer su nido. Mis primeras lecciones de estética fueron impartidas por el pájaro leñatero. Fue observando el proceso de construcción del “nido escultura” y escuchando los comentarios de mi abuelo que aprendí a mirar las obras de arte creadas por la naturaleza. Las ramas de los arboles nos devuelven el recuerdo de vivencias personales olvidadas en “la hojarasca de los años perdidos”.

¿Cuál es el papel del taller de los leñateros fundado por la poeta Ámbar Past hace 35 años en San Cristóbal de las Casas? La exposición “Kami Janga Chingole” articula las ramas de los arboles y los pétalos de flores para fabricar papel. El titulo evidencia el vínculo de los leñateros con su papel artístico, literal y metafóricamente hablando. El papel es la relación paradigmática de los mayas con los aspectos materiales de la producción. Los leñateros han desarrollado una obra marcada por su especial sensibilidad con relación a la materia prima. La forma del papel es determinada por principios físicos. La producción del taller de los leñateros se desdobla como las ramas de los nidos del pájaro leñatero y se entreteje permanentemente con el lenguaje del detalle cortando y tejiendo una red de significados. Para los leñateros el papel es un tapete mágico que le permite al espectador soñar con una textura que inclusive un ciego puede “ver” tocando. En este caso el papel en sí, por ser fabricado a mano tiene un lenguaje y no representa solamente un soporte para la escritura o para el dibujo. El papel invita a los artistas a una interactuar simbólicamente con los sistemas místicos de los pueblos mayas, pues los papeles producidos por los leñateros están impregnados de una substancia espiritual que emana de los códices maya.

Los leñateros son como los pájaros del sur del Continente pues reúnen los pétalos de flores, las ramas de los árboles y los colores de la tierra para fabricar el papel. El procedimiento para la fermentación de la fibra es como el añejamiento de un vino porque necesitan del tiempo y del contacto humano directo con la materia prima. Elaborar este papel es como acompañar al pájaro leñatero en la construcción de su nido-escultura -es una experiencia mágica y relajadora. Los recuerdos de la infancia representan un regreso a los momentos de sosiego que nos han sido arrebatados por los absurdos que dominan al mundo. Es este desatino el que nos hace habitantes de la soledad haciéndonos conscientes de que percibíamos mejor al mundo habitándolo en nidos solitarios repletos de imaginación. Al final, el Taller de los Leñateros es una metáfora del nido de los pájaros leñateros… que nos aproximan al humanismo.

Exposición de papel KAMI JANGA CHINGOLE

Inauguración: 17 de septiembre a las 19 horas, en el Café Relax. Arte y Cultura.

Taller para niños de 7 a 12 años el día 19 de septiembre.

22 de octubre. Declaración del Día Internacional de los Leñateros.

A mitad del camino

2010-09-04T08:52:00.000-07:00

Finaliza el segundo ciclo de las divas del cine.

Ver las colas para entrar, la llegadas sigilosas de los amantes del buen cine, distinguir poco a poco la gente alegre, extasiada por los primeros planos y close ups, ha sido la gracia de las gentilezas que han dado público y críticos que han colmado de Miércoles a Domingo la Cineteca del Teatro Mérida.

El ciclo de las divas, en esta segunda etapa, que fue desde los 30s al final de los 50s ha demostrado que el auditorio de Mérida desea otras vertientes al cine comercial trabajado por Hollywood en las últimas décadas y apetece que el cine no sea para gozar con la boca embuchada en palomitas de maíz.

El ciclo de las divas abrió el baúl para ir entendiendo, junto con los otros ciclos que hacen promotores culturales independientes, que el cine descansa en la obra, en el esqueleto de un buen texto y no en la obcecada iconografía cedida por una computadora. Las personas, muchas de ellas expertas en cine, mexicano y otras en cine norteamericano, han observado que es necesario este ciclo, como otros, que reacomoden el pensamiento de la urbe a ver un buen film. Enrique Vidal, avezado maestro del ensayo cinematográfico nacional me indicó que este es un espacio que debe tomarse con la clama con la cual se bebe un buen añejo o un vino de los que traen polvo y lustre en su etiqueta.

Hay señoras que han quedado esperando más ante el final abierto, ¿final abierto?..Mare que cosa, del neorrealismo italiano. El meridano de a pie, junto con los dueños de un conocimiento de libros y universidades, se han juntado en la magia de la luz y la oscuridad para descubrir que no hay mejor telenovela y melodrama que el que hicieron nuestros abuelos. La Dama de las Camelias, de George Cukor colmó la sala, La malvada, con un duelo entre Bette Davis y Anne Baxter hizo delirar en suspiros, igualmente como las excentricidades y chistes de doble tono de la Mae West. Risas a granel…

En fin que el cometido se ha dado y abre una puerta a un tercer ciclo que ya ha sido programado en ideas y que se está curando en este momento: Divas tercera parte, desde los 60s hasta los 80s aproximadamente. En el comprenderemos el surgimiento de las nuevas corrientes y de la actriz que creaba un entorno social más que recreativo. Ooopss, ya estoy adelantando detalle….

Esperen y disfruten y sigan deleitándose.

Gerardo Martínez

Seguirás existiendo Patria Mía.

2010-09-03T05:58:00.000-07:00

MAGNO FERNANDES DOS REIS pacal2007@yahoo.com.mx

Al doctor José Antonio Aparicio por valorar y rescatar las ideas del poeta José Martí.

¿Quién trabajó como el encaje las estatuas de Chichén-Itzá? ¿A dónde ha ido, a dónde, el pueblo fuerte y gracioso que ideó la casa redonda del Caracol, la casita tallada del Enano, la Culebra grandiosa de la Casa de las Monjas en Uxmal? ¡Qué novela tan linda la historia de América! José Martí, Las Ruinas Indias.

Los fragmentos del poema “Vivirás” de Ricardo Beaugrand demuestran la estrecha relación entre la identidad cultural y el arte:

“Más allá de los años

de los siglos

Seguirás existiendo patria mía

Nuevos hombres

Nuevas muchachas

Miles de nuevos niños irán por los caminos

Recorriendo tus valles

Jugando en los jardines

Caminando tranquilos

Seguros por las calles

De las nuevas o antiguas ciudades”

¿Contribuyó el arte a construir o especificar nuestra identidad cultural? Para el critico de arte José Martí “toda obra nuestra, de nuestra América robusta, tendrá, [..] inevitablemente el sello de la civilización conquistadora; pero la mejorará, adelantará y asombrará con la energía y creador empuje de un pueblo en esencia distinto, superior en nobles ambiciones, y si herido, no muerto”. A principios de 1875, a los 22 años, José Martí llega a México y, comienza a colaborar como critico de arte, publicando su primera crónica en el periódico “Revista Universal”.

El joven Martí realizó su primera crítica de música en una serie de artículos sobre el violinista cubano José White, definiendo su música en poesía: “Hay una lengua espléndida que vibra en las cuerdas de la melodía y se habla con movimientos del corazón: es como una promesa de ventura, como un vislumbre de certeza, como prenda de claridad y plenitud. El color tiene límites: la palabra labios: la música, cielo”.

En estas publicaciones acerca de distintas artes (música, pintura y teatro) Orestes (pseudónimo de José Martí) demostró sus conocimientos y habilidades para valorarlas. Sus criterios para juzgar las obras de José María Velasco tienen un matiz impresionista porque él se basa en sus impresiones para describir las obras empleando un lenguaje inteligible. Para el periodista “Criticar, no es morder, ni tenacear, ni clavar en la áspera picota, no es consagrarse impíamente a escudriñar con miradas avaras en la obra bella los lunares y manchas que la afean; es señalar con noble intento el lunar negro, y desvanecer con mano piadosa la sombra que oscurece la obra bella. Criticar es amar”. En sus textos para la Revista Universal José Martí propone una ética para la crítica artística. Desde mi punto de vista, lo más importante en los textos críticos de José Martí es el compromiso que el arte tiene con el interés público y la manera de llegar al lector de la forma profunda, rápida y sencilla. El lector contemporáneo necesita dialogar con el pensamiento de José Martí, pero también con el arte, pues este constituye un medio de expresión de sus necesidades espirituales. Y José Martí escribió: detengámonos y admiremos este notabilísimo paisaje… El valle de México es la belleza grandiosa: imponente como ella es el hermoso paisaje de Velasco”.

Según Martí, el cuadro Valle de México es un "notabilísimo paisaje, tan bello como la naturaleza, espléndido como nuestro cielo, vigoroso como nuestros árboles, puro como las aguas apacibles de nuestra majestuosa laguna de Texcoco." En fin, la pintura es paradigma de la de la naturaleza americana. El poeta afirmó de forma acertada que “Velasco puso colores de genio en los valles de México”, agregando “triste aquel que delante de un cuadro hermoso no hay sentido en sí como el crecimiento de fuerzas extrañas…”

Martí atestigua el desarrollo de las artes visuales en el aspecto mercantil y creativo. Como crítico de arte comprende e interpreta como nadie tanto los códigos estéticos de los mayas como los códigos estéticos de los impresionistas mexicanos. Asimismo en sus textos Martí deja ver acontecimientos y detalles importantes de la vida cultural de la ciudad de México. En 1875, el joven crítico visita la Exposición de Bellas Artes y dice “el arte es una forma de armonía”. La Pintura de la mexicana Palmira Borras de Colle, donde el espectador puede observar una anciana de rugoso rostro, con apacible mirada, y una joven lánguida, de “ojos grandes como los de las árabes”. El óleo Stella Matutina, de Juan Cordero de inspiración clásica llamó la atención del crítico por la originalidad del colorido y por las líneas, pues la virgen retratada por Cordero no inspira ternura, ni claridad y tampoco la pureza delicada frecuente en los lienzos. Según Martí la virgen es “hija de una inspiración más atrevida que tierna”. El rostro no es delicado y el manto no cae de forma violenta. El Ángel sorprende al espectador pues por su vigoro “pudo ser así Luzbel (demonio); pudo ser así Miguel cuando doma y tritura a la serpiente, pero el Ángel anunciador no fue nunca así”, dijo Martí. En este lienzo hace una crítica analítica y justa. Observa el colorido original, la inoportuna dureza de la expresión y apunta “la ejecución no realizo la creación”.

El cuadro “La muerte de Marat, de Santiago Rebull (discípulo de Clavé) representa el homicidio cometido por Carlota Corday quien apuñaló a Marat para vengar a los girondinos, acusados y perseguidos por éste. Según Martí Rebull une “a la energía la hermosura femenil y crea a Carlota”. El pintor crea la imagen del miedo después de que Carlota da el golpe mortal. “Se le dio a la heroína la clase de belleza que le era necesaria: la belleza trágica, la hermosura de Medea, sin ninguno de sus rasgos antipáticos. Esta mujer esta temiendo, está espantándose, esta andando: se sale del cuadro”. Marat es representado con el torso de fiera, con la cabeza inclinada hacia atrás en movimiento de maldición, contraído en su baño, convulsionándose su corazón herido. Papeles sobre el suelo componen el escenario de la muerte. El cuerpo de Marat desnudo revela su alma. Martí encontró en la pintura mexicana lo que tenia de más moderno, por eso su primera crónica sobre pintura en la Revista Universal fue sobre la obra del pintor Felipe Gutiérrez (1824-1904) afirmando “no complacería a todos los gustos […] es más hermoso que bello. No hará un cuadro lindo; pero hará cuando quiera un cuadro grande y sorprendente”.

El crítico e historiador del arte Justino Fernández se preguntó: ¿Cómo era posible que un joven de 22 años de edad escribiera sobre pintura en la “Revista Universal”, expresándose con juicios tan certeros y en forma tan atractiva? ¿Qué antecedentes tenia tal critico de arte? Cuando un crítico aprecia una obra de arte no debe buscar semejanza con los modelos europeos o norteamericano, sino algo en lo que identifique a la sociedad que la produce. Por eso, José Martí afirmó en su artículo “Una visita a la exposición de Bellas Artes” (Revista Universal, enero de 1876) “busco una pintura en las que todas se asimilen y sean el punto de partida. Asimismo, el poeta aconseja.”no vuelvan los pintores vigorosos los ojos a escuelas que fueron grandes porque reflejaron una época original: puesto que pasó la época... Copien la luz en el Xinantecatl y el dolor en el rostro de Cuauhtemotzin... Hay grandeza y originalidad en nuestra historia: haya vida original y potente en nuestra escuela de pintura”.

El arte como ideología

2010-08-27T13:23:00.000-07:00

Por Magno Fernandes dos Reis. Caferelax57@yahoo.com.mx

A Hugo Isaac Robles Guillén por valorar el periodismo.

“En lo real, estamos atrapados en un círculo vicioso, el círculo infernal de la violencia”. “De nada sirve condenar a los que se enfrentan violentamente”. “Para salir del círculo hay que metacomunicar”. “La Respuesta homogénea nos encierra cada vez más dentro del circulo”. “La respuesta no homogénea rompe el circulo”. (Jesús Ibáñez. A Contracorriente. Editorial Fundamentos. Madrid, 1997).

“Excelente texto, me gustó mucho. ¿Puedo subirlo a mi portal de noticias? ¡Saludos!!Claudia Geraldine Ramírez Vieyra. Directora Comercial de la Revista FAHRENHEIT. (www.fahrenheitmagazine.com)” Debo aclarar que los textos no pertenece al autor y, sí al probable lector, ya que el texto gana vida cuando los ojos del lector acarician las palabras. Por eso, creo que en el portal de la “Revista Fahrenheit” el texto tendrá la oportunidad de encontrar otros lectores.

En épocas anteriores, las muestras de artes visuales eran una discusión sobre política. Por ejemplo, el grabado “Libertad de Expresión” de Adolfo Mexiac brotó de dos hechos históricos: el golpe de Estado del presidente de Guatemala Jacobo Arbenez y la expulsión del director de Bellas Artes luego de que aceptara colocar la bandera del partido comunista sobre el ataúd de Frida Kalo, en julio de 1953. En este grabado, Adolfo Mexiac a través del lenguaje gráfico creó una serie de signos visuales que simbolizaban la inconformidad social, la falta de libertad de expresión y el colonialismo norteamericano. La cadena amordazando la boca de la indígena representa la limitación del habla y la imposición de otro pensamiento ajeno a la cultura. El candado dispuesto a la izquierda con la inscripción “USA” significa la invasión y la intervención de EEUU en la política internacional. ¿Por qué el artista y el periodista del siglo XXI tienen miedo de expresarse y opinar? Las palabras y las artes visuales todavía se resisten a la tecnología porque valoran la libertad de expresión. “Todo individuo tiene derecho a la libertad de opinión y de expresión. Este derecho incluye el de no ser molestado a causa de sus opiniones, el de investigar y recibir información y opiniones autorizadas, y el derecho de difundirlas sin limitación de fronteras por cualquier medio de expresión". Hemos perdido la creatividad, el lenguaje y la voz porque vivimos en la región más desigual del planeta. El espectador no encuentra respuestas en las obras de arte a los problemas sociales y económicos porque el arte es un espacio para las preguntas y no para las respuestas. El conocimiento nace de la indecisión y no de la certeza. Las artes visuales apoyadas por el Estado (becas, premios y viajes) no dicen nada porque son expresión de la individualidad. El miedo a perder la “beca”, el miedo a perder el “empleo”, el miedo a perder el prestigio en un reducido espacio y el miedo a perder los viáticos contribuye a la destruición de la creatividad y de la ideología que ya ha estado presente en el arte de los siglos pasados. ¿Cuál es el significado del excremento intencionalmente dejado en la estudio del periodista Hugo Isaac Robles Guillén? ¿Es una especie de performance o es una obra de arte conceptual? El mensaje es una amenaza a la libertad de expresión, pues la tendencia de los intelectuales hoy día haber la de la subordinación y la de los investigadores es la de la total conformidad con las normas y no con los problemas sociales. Los altos salarios y el sistema de privilegios de estos grupos (viáticos y viajes) crean una red inevitable de intereses y de subordinación al sistema establecido. En este siglo, las universidades limitan, por necesidad operacionales, los temas de investigación de sus investigadores. Para ser intelectual en este siglo, con algunas excepciones, no se puede pensar ni hacer obras de arte fuera de los padrones establecidos. ¿Cuáles son los padrones? La ideología de las instituciones culturales y educativas es la ideología del consumo, del mercado libre; imitamos los padrones culturales europeos y norteamericano, pero no consumimos obras de arte local. La libertad de expresión sólo es posible para los dueños de las instituciones culturales. La libertad de opinión del artista contemporáneo tiene como limite la orientación de los intelectuales y de los productores culturales. La guerrilla de 1994 tuvo un profundo efecto en todos nosotros -en lo que escribíamos, decíamos, pensábamos y pintábamos-. El pintor local, el critico de arte local y el periodista cultural local eran más cuidadosos sobre lo que escribían que sobre lo que hablaban, pues partimos de la premisa de que todo que hacíamos estaba sujeto a la exclusión de las instituciones.

El arte abstracto fue censurado en los Estados Unidos por la sociedad civil, incluyendo a museos y fundaciones que acusaron al arte abstracto de ser un arte comunista e impidieron su compra, difusión y exhibición. El pintor Jackson Pollock explicó que “el pintor moderno no puede expresar su época, la aviación, la bomba atómica o la radio a través de la vieja formas del renacimiento o de cualquier otro tiempo pasado. Cada época encuentra su propia técnica.” (HESS 2005, 17) La fuente de inspiración que dio lugar al nacimiento del expresionismo abstracto en Nueva York fueron los mitos de los indios. Estas obras censuradas, reemplazaron a París como el nuevo epicentro del arte. En Nueva York se publicó el Manifiesto del Arte Moderno, en el cual se recordaba el deber de los museos de defender la libertad de expresión. El manifiesto señalaba: “Deploramos la ignorancia y el descuido con que se ha atacado política y moralmente al arte moderno. (…) La amplia diversidad en el arte moderno es una señal de vitalidad y libertad de expresión inherente a la sociedad democrática. (…) La libertad de expresión es necesaria para que el arte crezca, se transforme y sirva al espíritu humano” (Clapp 1972, 285). ¿Será que el artista del siglo XXI no se inspira en los hechos que mira? ¿Sera que el artista global perdió la imaginación? ¿O será que no se hace arte con el corazón? Creo que después de los grandiosos movimientos artísticos, los intelectuales empezaron a teorizar sobre el arte y, los artistas se transformaron en intelectuales hecho que los ha afectado. No estoy afirmando que se deba concebir al arte de este siglo como al arte de los siglos pasados sino que el arte de la actualidad se debe desarrollar de forma global y los hechos históricos como la barbarie sucedida en Acteal no deberían perderse en la noche de los tiempos sino más bien adquirir la importancia que tiene, por ejemplo, El Guernica de Picasso que se creo inspirada en una brutalidad semejante.

“Divas, vamps y femme fatales. Parte 2. 1930-1959”

2010-08-11T08:11:00.002-07:00

Del 14 de agosto al 12 de septiembre de 2010

Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida

Entrada Libre

Sábado 14 de agosto

17:00 hrs.

Mae West: Diva de labios irreverentes.

“Nacida para pecar” (She done him wrong)

Estados Unidos, 1933.

Dirección: Lowell Sherman.

Intérpretes: Mae West y Cary Grant.

Sinopsis: Lady Lou canta en el Gay Nineties, un 'saloon' regentado por Gus Jordan, quien la mantiene a su lado a base de diamantes. Pero un apuesto hombre, que se hace llamar Capitán Cummings, le avisa que está en el camino hacia su propia perdición, puesto que Gus no es lo que parece.

Duración: 66 min.

West es uno de los mayores símbolos sexuales en la historia del cine. Inspiró a Salvador Dalí para realizar el famoso “Retrato de Mae West” y el arte-objeto “Sofá de labios de Mae West”. Famosa por su actitud irreverente y su irónico sentido del humor. Fue guionista y escenógrafa de algunas de sus películas. Agregaba diálogos picantes a sus personajes y algunas de estas frases se volvieron legendarias, como: "¿Tienes una pistola en el bolsillo o es que te alegras de verme?", "Cuando soy buena, soy buena; pero cuando soy mala, soy mucho mejor" y “No son los hombres de tu vida lo que cuenta, sino la vida de tus hombres”.

Sábado 14 de agosto

20:00 hrs.

Marlene Dietrich: Las piernas perfectas.

“El diablo es una mujer” (The devil is a woman)

Estados Unidos, 1935.

Dirección: Josef von Sternberg.

Intérpretes: Marlene Dietrich y Cesar Romero.

Sinopsis: Filme estilizado y barroco ambientado en Andalucía a principios del Siglo XX. Durante la semana de Carnaval, Antonio conoce a Concha Pérez (Marlene Dietrich) una femme fatale acostumbrada a arruinar vidas. El gobierno español de la Segunda República ordenó la desaparición de la película por dar una mala imagen de la Guardia Civil. La propia Dietrich fue quien salvó y conservó oculta una copia hasta que en 1959 pudo sacarla a la luz pública, declarando además que es su cinta favorita.

Duración: 80 min.

Llamada “La mujer de las piernas perfectas”, fue la primera en asegurarlas por un millón de dólares. Diva fría e inaccesible, rival de Greta Garbo. Escandalizó a Hollywood con los rumores de su bisexualidad. Impuso el look del pantalón femenino. Es famosa su imagen vestida de smoking, en un juego de ambigüedad sexual que sirvió para acrecentar el misterio sobre su vida privada.

Domingo 15 de agosto

17:00 hrs.

Jean Harlow: La rubia platino.

“En los mares de China” (China seas)

Estados Unidos, 1935.

Dirección: Tay Garnett.

Intérpretes: Jean Harlow y Clark Gable.

Sinopsis: Una nave al mando del capitán Alan Gaskell parte de Singapur a Hong Kong llevando una carga de oro. Entre los pasajeros viajan dos ex novias del capitán, China Doll (Jean Harlow) y Sybil, provenientes de distintos ambientes sociales y que pronto entran en conflicto.

Duración: 87 min.

Conocida como “La rubia platino”, famosa por sus dorados rizos, Harlow explotó al máximo su imagen de vampiresa. En pleno apogeo de su éxito, muchas de sus fans femeninas se tiñeron el pelo de rubio platino como ella, e incluso Howard Hughes organizó un concurso en el cual el peluquero que más se acercara al tono de rubio de la actriz, recibiría un premio de 10.000 dólares.

Miércoles 18 de agosto

17:00 hrs.

Greta Garbo: La divina.

“La dama de las camelias” (Camille)

Estados Unidos, 1936.

Dirección: George Cukor.

Intérpretes: Greta Garbo, Lionel Barrymore y Robert Taylor.

Sinopsis: Margarita (Greta Garbo), nace perteneciendo a la clase baja de París, pero con el tiempo se convierte en una bella cortesana de la alta sociedad. Se llama la dama de las camelias y el rico Barón de Varville cubre todos sus elevados gastos. Desilusionada de la vida, conocerá el amor verdadero en el joven Armand Duval.

Duración: 109 min.

Garbo es uno de los grandes mitos del cine mundial. Fue apodada “La mujer que no ríe” y su rostro se consideraba el más perfecto que había dado el cine hasta ese momento.

Jueves 19 de agosto

17:00 hrs.

Katharine Hepburn: Mujer de acero

“La fiera de mi niña” (Bringing up baby)

Estados Unidos, 1938.

Dirección: Howard Hawks.

Intérpretes: Katharine Hepburn y Cary Grant.

Sinopsis: David Huxley es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de casarse con su secretaria. En una partida de golf conoce a Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven adinerada y caprichosa que hará todo lo posible para evitar la boda.

Duración: 102 min.

Según el American Film Institute Hepburn es la primera en la lista de las mejores actrices en la historia de Hollywood. La única en ganar 4 Premios Oscar y en tener 12 nominaciones, superada solamente por Meryl Streep con 16 candidaturas. Sin embargo, las nominaciones de Katharine fueron siempre como actriz principal, a diferencia de Streep que tiene varias por actriz secundaria.

Viernes 20 de agosto

17:00 hrs.

Norma Shearer: La estrella de la MGM.

“María Antonieta”

Estados Unidos, 1938.

Dirección: W. S. Van Dyke.

Intérpretes: Norma Shearer, Tyrone Power y John Barrymore.

Sinopsis: Relato sobre la legendaria soberana de Francia en el Siglo XVIII que descubre romances e intrigas que sucedieron en la prestigiosa corte de Versalles, en años previos a la Revolución Francesa.

Duración: 149 min.

Norma Shearer es una figura clave en los estudios MGM en los años 30. Fue contratada desde su fundación y personificó, más que ningún otro intérprete, el brillo de la Metro Goldwyn Mayer en su momento de mayor gloria. Norma Shearer fue considerada la mejor actriz en el Festival de Venecia gracias a “María Antonieta”.

Sábado 21 de agosto

17:00 hrs.

Bette Davis: La reina de Hollywood.

“La carta” (The letter)

Estados Unidos, 1940.

Dirección: William Wyler.

Intérpretes: Bette Davis y Herbert Marshall.

Sinopsis: La fría y calculadora Leslie Crosbie (Bette Davis), esposa del propietario de una plantación de caucho en Malasia, asesina a un hombre, supuestamente en defensa propia. Pero en el momento en que todas sus mentiras iban a salvarla, aparece una comprometedora carta que la incrimina.

Duración: 91 min.

Apodada “La reina de Hollywood”, se destacó por su talento actoral y se hizo conocida por su gran profesionalismo, además de su voluble caracter. Según el American Film Institute Davis es la segunda mejor actriz en la historia de Hollywood.

Sabado 21 de agosto

20:00 hrs.

Veronica Lake: La chica Peek-a-boo.

“Los viajes de Sullivan” (Sullivan’s travels)

Estados Unidos, 1941.

Dirección: Preston Sturges.

Intérpretes: Veronica Lake y Joel McCrea.

Sinopsis: El director de cine John L. Sullivan sueña con rodar una película que aborde el sufrimiento de los menesterosos, así que convence a los ejecutivos del estudio de que le permitan recorrer el país disfrazado de vagabundo. En una cafetería, conoce a una actriz rubia (Verónica Lake), que decide vestirse de hombre y unirse a él en el experimento, viviendo como auténticos vagabundos.

Duración: 92 min.

Veronica Lake es una actriz y modelo que conquistó a la crítica en los años 40 por sus trabajos en cine negro. Impuso la moda de un peinado llamado “Peek-a-boo” que cubre la parte derecha del rostro. Lake sirvió de inspiración, en los años 80’s, para la creación del personaje animado Jessica Rabbit.

Domingo 22 de agosto

17:00 hrs.

Dolores del Río: Mexicanidad estilizada.

“Las abandonadas”

México, 1944.

Dirección: Emilio Fernández.

Intérpretes: Dolores del Río y Pedro Armendáriz.

Sinopsis: Abandonada por Julio y con su pequeño hijo en brazos, Margarita ingresa en 1914 a un prostíbulo de la Ciudad de México. Allí la conoce Juan Gómez, un general revolucionario que se prenda de su belleza y la saca de ese lugar. Pero los infortunios de Margarita no terminan ya que Juan es en realidad un impostor.

Duración: 97 min.

Spanish with english subtitles.

Considerada una de las mejores actrices de la Época de Oro del Cine Mexicano, Dolores hizo carrera en Hollywood desde la era silente, compartiendo pantalla con Rodolfo Valentino, Mary Pickford y Charles Chaplin. En 1936 fue considerada la segunda mujer más bella de Hollywood, únicamente superada por Greta Garbo. Su trayectoria en Hollywood se truncó cuando fue acusada de comunista en la época de “la cacería de brujas”. Su nombre vuelve a elevarse internacionalmente cuando en los años 40’s regresa a México a trabajar bajo la dirección de Emilio “Indio” Fernández.

Miércoles 25 de agosto

17:00 hrs.

Barbara Stanwyck: Mujer mortal.

“Doble indemnización” (Double Indemnity)

Estados Unidos, 1944.

Dirección: Billy Wilder.

Intérpretes: Barbara Stanwyck y Fred MacMurray.

Walter Neff es un vendedor de seguros que, junto a Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck), realiza un plan para asesinar al marido de ésta y quedarse con el dinero de su seguro. Obra cumbre del género y uno de los ejercicios del suspenso más fascinantes de todos los tiempos.

Duración: 107 min.

Aunque su belleza no era tan deslumbrante como la de otras actrices en Hollywood, Stanwyck pudo interpretar a algunas de las mujeres fatales más importantes de la época. Tiene el mérito de haber interpretado al primer personaje abiertamente lésbico en la historia del cine.

Jueves 26 de agosto

17:00 hrs.

Joan Crawford: La devoradora.

“Mildred Pierce”

Estados Unidos, 1945.

Dirección: Michael Curtiz.

Intérpretes: Joan Crawford y Jack Carson

Sinopsis: Mildred Pierce (Joan Crawford) es una madre de clase media que intenta a cualquier precio subir en el escalafón social con su familia durante la Gran Depresión. Desesperada, con su marido desempleado y perezoso, se separa de él y sale con sus dos hijas, Veda y Ray a buscarse la vida.

Duración: 105 min.

Crawford se especializó interpretando mujeres perversas, pese a ser una actriz con un amplio registro dramático. Su fama de devoradora de hombres y mujeres le valió una de las vidas sexuales más escandalosas en Hollywood. Se cuenta que intentó seducir sin éxito a Marilyn Monroe. Bette Davis, su enemiga profesional y personal, declaró de Crawford “Se ha acostado con todas las estrellas de la Metro Goldwyn Mayer, salvo la perra Lassie”. Pese al odio manifiesto entre ambas actrices, en 1962 tuvieron que trabajar juntas en “¿Qué pasó con Baby Jane?”.

Viernes 27 de agosto

17:00 hrs.

Lana Turner: La chica del sweater.

“El cartero llama dos veces” (The postman always ring twice)

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Tay Garnett.

Intérpretes: Lana Turner y John Garfield.

Sinopsis: Durante la Gran Depresión Frank Chambers, un hombre sin rumbo, comienza a trabajar en un café de carretera, regentado por un hombre mayor y por Cora (Lana Turner), su joven, bella e infeliz esposa. Esta joya del cine negro catapultó la fama de Lana Turner.

Duración: 113 min.

Turner fue apodada “La chica del sweater” por usar dichas prendas de forma tan ajustada que resaltaban su estilizada figura. Fue uno de los mayores sex simbols de los años 40 y se popularizó en los tabloides por su inestable vida amorosa.

Sábado 28 de agosto

17:00 hrs.

Rita Hayworth: El mito erótico.

“Gilda”

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth y Glenn Ford.

Sinopsis: Johnny Farrell, un aventurero que vive de hacer trampas en el juego, saca de un apuro un hombre llamado Ballin Mundson, propietario de un lujoso casino. El recién llegado termina convirtiéndose en el individuo de confianza de su anfitrión. Un día, su superior le presenta a su esposa, Gilda (Rita Hayworth).

Duración: 110 min.

Una canción, un guante y una bofetada fueron suficientes para que Hayworth se convirtiera en uno de los mitos erótico más importantes de la época dorada de Hollywood. La imagen de Rita se colocó en una bomba atómica de prueba que Estados Unidos lanzó sobre las Islas Bikini, este hecho indignó profundamente a la actriz.

Sábado 28 de agosto

20:00 hrs.

Ava Gardner: El animal más bello del mundo.

“Los asesinos” (The killers)

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Robert Siodmak.

Intérpretes: Ava Gardner y Burt Lancaster.

Sinopsis: El sueco Anderson, boxeador sin futuro, se involucra con Kitty Collins (Ava Gardner), y se une a una banda delictiva para robar una fábrica. En medio de traiciones y mentiras, Anderson se queda con los más de 250 mil dólares del botín en complicidad con Kitty.

Duración: 105 min.

Por su gran atractivo físico, Ava Gardner fue calificada, por la publicidad de su estudio, como “El animal más bello del mundo”, la actriz odiaba dicho slogan. Sus mejores atributos son su exuberancia y su asombrosa fotogenia.

Domingo 29 de agosto

17:00 hrs.

María Félix: La Doña.

“Enamorada”

México, 1946.

Dirección: Emilio Fernández.

Intérpretes: María Félix y Pedro Armendáriz.

Sinopsis: En tiempos de la revolución, las tropas zapatistas del general José Juan Reyes toman la tranquila y conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz Peñafiel (María Félix), hija del hombre más notable de Cholula.

Duración: 93 min.

Spanish with english subtitles.

María Félix es uno de los más grandes mitos del cine mexicano. Conocida como “La Doña”, esta diva se dio el lujo de despreciar a Hollywood y trabajar en Europa, compartiendo créditos con actores como Yves Montand; siendo dirigida además por prestigiados realizadores como Luis Buñuel y Jean Renoir. En 1952 protagonizó “Mesallina”, hasta ese momento, la cinta más cara en la historia del cine italiano.

Miércoles 1 de septiembre

17:00 hrs.

Gloria Swamson: La diosa en el crepúsculo.

“Sunset Boulevard”

Estados Unidos, 1950.

Dirección: Billy Wilder.

Intérpretes: Gloria Swamson, William Holden y Erich von Stroheim.

Sinopsis: Norma Desmond (Gloria Swamson) es una actriz retirada que fue famosa en el cine silente. Obsesionada con recuperar su fama, escribe el guión de una película que la regrese a la farándula. Por equivocación, un guionista llega a su vieja mansión.

Duración: 115 min.

Gloria Swamson fue una gran estrella de la era silente que, tras un largo retiro, recupera fama gracias a “Sunset Boulevard”. El proyecto fue ofrecido a otras actrices que lo rechazaron, entre ellas Mary Pickford, por considerarlo ofensivo para una estrella retirada. Swamson fue nominada al Oscar por Mejor Actriz gracias a esta película y fue tanto su éxito que Barbara Stanwyck se inclinó para besarle el vestido en señal de admiración.

Jueves 2 de septiembre

17:00 hrs.

Ingrid Bergman: La mujer que vino de las nieves.

“Stromboli”

Italia, 1950.

Dirección: Roberto Rossellini.

Intérpretes: Ingrid Bergman y Mario Vitale.

Sinopsis: Para poder escapar de un campo de concentración, Karin (Ingrid Bergman), una mujer desesperada, acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero su vida en la isla se vuelve una nueva condena.

Duración: 107 min.

Tras protagonizar varias cintas en su natal Suecia, Ingrid Bergman alcanzó fama en Estados Unidos gracias a “Casablanca”. En 1949 viaja a Italia para trabajar con el director Roberto Rossellini en “Stromboli”. Un romance extramarital con Rossellini provoca un escándalo en Hollywood y es declarada persona no grata en territorio americano. Regresa a Hollywood hasta 1958, alternando sus trabajos en Europa.

Viernes 3 de septiembre

17:00 hrs.

Anne Baxter: Veneno cándido.

“La malvada” (All about Eve)

Estados Unidos, 1950.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Anne Baxter y Bette Davis.

Sinopsis: Eve (Anne Baxter) es una ferviente admiradora de Margo, una actriz de teatro. Conmovida por su candidez, Margo contrata a Eve como asistente. Lo que Margo no se imagina es que su mayor admiradora esconde perversas intenciones.

Duración: 138 min.

Anne Baxter creció en medio del lujo y la sofisticación de Nueva York gracias a la buena posición económica de su padre. Estudió teatro desde los 10 años de edad con maestros particulares. Baxter es una referencia obligada en el cine de Hollywood de los años 40 y 50. “All about Eve” es uno de sus trabajos más representativos pues la candidez de su rostro le permitió interpretar a la perfección a una mujer falsa e hipócrita.

Sábado 4 de septiembre

17:00 hrs.

Vivien Leigh: La belleza que llegó con el viento.

“Un tranvía llamado deseo” (A streetcar named desire)

Estados Unidos, 1951.

Dirección: Elia Kazan.

Intérpretes: Vivien Leigh y Marlon Brando.

Sinopsis: Blanche, una mujer madura y anclada en el pasado, visita a su hermana Stella y a su marido que viven en Nueva Orleans. Su actitud remilgada y arrogante, que esconde un escabroso pasado, creará conflictos en la joven pareja, y a ella la llevará a la locura.

Duración: 122 min.

Vivien Leigh saltó a la fama con “Lo que el viento se llevó”, su trabajo le hizo merecedora del Oscar y la inmortalizó. Es conocida su pésima relación con Clark Gable durante el rodaje y su obsesión por ocultar su único defecto físico: sus grandes manos.

Sábado 4 de septiembre

20:00 hrs.

Marilyn Monroe: El mito.

“Niagara”

Estados Unidos, 1953.

Dirección: Henry Hathaway.

Intérpretes: Marilyn Monroe y Joseph Cotten.

Sinopsis: Unos recién casados, en viaje de luna de miel, alquilan una casa en un complejo turístico muy cercano a las cataratas de Niágara. Allí conocen a Rose (Marilyn Monroe), una extraña y bella mujer, casada con un alcohólico que la acusa de ser infiel. Los viajeros se compadecen de Rose, sin pensar que tal vez las cosas no son lo que parece.

Duración: 89 min.

Norma Jean Baker mejor conocida como Marilyn Monroe es quizá el mito femenino más popular en la historia del cine. Su misteriosa y temprana muerte envolvió su biografía en un halo de misticismo. De espectacular belleza, curvilínea figura y cintura diminuta, Monroe alcanzó fama gracias a sus comedias musicales aunque también se interesó en papeles más dramáticos. Preocupada por no ser únicamente una cara bonita, Marilyn tomaba clases nocturnas de historia del arte, teatro y literatura. El esfuerzo le llevó a ganar un Globo de Oro en 1962 y un premio en Italia por “El príncipe y la corista”. Entre sus escándalos figuran el romance con el presidente John F. Keneddy, y su affaire con el actor Yves Montand mientras este último era esposo de otra diva, la francesa Simone Signoret.

Domingo 5 de septiembre

17:00 hrs.

Anna Magnani: La musa neorrealista.

“La rosa tatuada”

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Daniel Mann.

Intérpretes: Anna Magnani y Burt Lancaster.

Sinopsis: Serafina delle Rose (Anna Magnani), una apasionada mujer de origen siciliano, vive atormentada ante la idea de ser infiel a su marido ya fallecido. Un día conoce a un rudo camionero y su vida cambia.

Duración: 117 min.

Conocida popularmente como “La Magnani” o simplemente “Nannarella”, es una de las más grandes actrices de la posguerra. Se internacionalizó por sus trabajos en filmes neorrealistas bajo la dirección de Roberto Rossellinni y Luchino Visconti. “La rosa tatuada” es su primera cinta en Hollywood y le hizo ganar el Globo de Oro y el Oscar a Mejor Actriz. Enamorada de Rossellini, Magnani padeció cuando este le abandona por Ingrid Bergman. Tennessee Williams dijo de ella "Nunca vi una mujer más hermosa, de ojos tan grandes y piel como el jabón Devonshire"^.

Miércoles 8 de septiembre

17:00 hrs.

Kim Novak: Mujer de ojos misteriosos.

“Picnic”

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Joshua Logan.

Intérpretes: Kim Novak, William Holden.

Sinopsis: Hal Carter, hombre vago y aventurero, decide sentar la cabeza y busca un trabajo en un pequeño pueblo de Kansas. En el picnic que se celebra con motivo del día del trabajo, Hal queda prendado de la encantadora Magde Dwens (Kim Novak).

Duración: 115 min.

Su verdadero nombre era Marilyn pero los estudios que la contrataron querían evitar comparaciones con Monroe; sin embargo pudo conservar su apellido real. Kim Novak se destacó por la expresividad de sus ojos. Se decía que Novak era muy insegura y obligaba a los directores a repetir varias veces una misma toma a fin de encontrar su mejor ángulo. Son famosas sus desavenencias con Alfred Hitchcock en el rodaje “Vertigo”, y su pleito con Kirk Douglas cuando Novak quiso darle sugerencias para actuar.

Jueves 9 de septiembre

17:00 hrs.

Grace Kelly: Glamour y realeza.

“Para atrapar al ladrón” (To catch a thief)

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Grace Kelly y Cary Grant.

Sinopsis: John Robie es un famoso ladrón de joyas llamado “El gato” que se ha reformado alejándose de la vida criminal. Nuevos atracos suceden utilizando el mismo modus operandi y John es acusado injustamente. Cuando conoce a la caprichosa heredera Frances Stevens (Grace Kelly), ve la oportunidad de desenmascarar al misterioso ladrón utilizando como cebo las fabulosas joyas de su madre.

Duración: 106 min.

Grace Kelly fue la musa predilecta de Alfred Hitchcock. Proveniente de una adinerada familia de Pennsylvania, Kelly estudió arte dramático y modelaje. Su breve pero exitosa carrera fílmica concluyó al casarse con el Príncipe Rainiero a quien conoció en un Festival de Cannes.

Viernes 10 de septiembre

17:00 hrs.

Lauren Bacall: La mirada.

“Escrito sobre el viento” (Written on the wind)

Estados Unidos, 1956.

Dirección: Douglas Sirk.

Intérpretes: Lauren Bacall y Rock Hudson.

Sinopsis: La relación del hijo de un rico magnate del petróleo, con su mejor amigo, de origen humilde, se torna tempestuosa cuando ambos se enamoran de la misma mujer (Lauren Bacall). Historia de amores, celos y pasiones desatadas; de amistad y renuncia; de deseo, frustraciones y fracaso.

Duración: 99 min.

Apodada como “The look” (La mirada). Lauren Bacall trabajó como modelo en importantes revistas antes de dedicarse al cine. Protagonizó con su esposo, Humphrey Bogart, clásicos del cine negro que la lanzaron a la fama. El tono sensual de su voz, su porte, elegancia y el encanto de su sonrisa hicieron de Bacall una de las divas más bellas de Hollywood.

Sábado 11 de septiembre

17:00 hrs.

Simone Signoret: La literata.

“Un lugar en la cumbre” (A room at the top)

Reino Unido, 1956.

Dirección: Jack Clayton.

Intérpretes: Simone Signoret y Laurence Harvey.

Sinopsis: Joe Lampton es un joven ambicioso que quiere llegar muy alto en la vida. Después de aceptar el trabajo de contable en un pequeño pueblo del norte de Inglaterra, se da cuenta que se puede aprovechar del amor de Susan, la hija del hombre más rico y poderoso de Warnley. Pero Joe se siente atraído por Alice (Simone Signoret), una mujer madura aburrida de la vida del pueblo.

Duración: 115 min.

La francesa Simone Signoret fue una de las primeras divas en dedicarse a causas humanitarias y al activismo social. Escribió su autobiografía “La nostalgia ya no es lo que era”, sorprendiendo por su perfecto uso del lenguaje. A los críticos literarios les costaba creer que una actriz poseyera tal dominio del idioma y capacidad de análisis. Tras fuertes acusaciones de que alguien escribía por ella, la actriz demandó ante los tribunales y ganó. Como revancha escribió un segundo tomo de memorias. Posteriormente se adentró en el género de la novela, seduciendo a la crítica especializada.

Sábado 11 de septiembre

20:00 hrs.

Brigitte Bardot: El mito sexual.

“Y dios creó a la mujer” (Et dieu créa la femme)

Francia, 1956.

Dirección: Roger Vadim.

Intérpretes: Brigitte Bardot y Jean Louis Trintignant.

Sinopsis: Juliete Hardy (Brigitte Bardot) es una huérfana de 18 años y ninfómana que es adoptada por una familia con tres atractivos hijos. Su belleza parece volver locos a los personajes masculinos.

Duración: 95 min.

Conocida como B.B., Bardot es considerada la personificación del mito erótico francés de los años 50 y 60. Su belleza aunada a su personalidad aniñada la convirtieron en objeto de fascinación de millones de espectadores en todo el mundo.

Domingo 12 de septiembre

17:00 hrs.

Jeanne Moreau: La señora de la Nueva Ola.

“Ascensor para el cadalso” (Ascenseur pour l'Echafaud)

Francia, 1957.

Dirección: Louis Malle.

Intérpretes: Jeanne Moreau y Maurice Ronet.

Sinopsis: Julien Tavernier, héroe de la guerra de Indochina, trabaja para el industrial Simon Carala, y es el amante de su esposa, Florence (Jeanne Moreau). Para poder vivir con ella, los amantes deciden matar al marido, haciendo que parezca un suicidio, pero surge un imprevisto.

Duración: 92 min.

Jeanne Moreau encarnó, con su apariencia de mujer experimentada, su voz grave y su indudable inteligencia, a la heroína auténticamente moderna, erótica y cerebral. Sirvió de inspiración para los jóvenes realizadores de la Nueva Ola Francesa gracias a su elegancia, sofisticación y cosmopolitismo. En la madurez de su carrera mantuvo su fascinación por las propuestas vanguardistas, accediendo a interpretar personajes desafiantes como en “Querelle” (1982) de Fassbinder.

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Este programa es una revisión de las divas más importantes en el cine internacional a lo largo de tres décadas (30’s, 40’s y 50’s). Estas fechas resultan fundamentales para entender el sistema de estrellas en Hollywood; que consiste en mitificar a un intérprete hasta convertirlo en el elemento vendible de cualquier producción cinematográfica.

Para definir a una diva fue necesario identificar ciertos elementos en las carreras fílmicas de las actrices. Algunas fueron muy fáciles de hallar por su fuerza mítica y la veneración que aún generan sobre los espectadores, otras por sus biografías de glamur o extravagancia. Sin embargo, el punto de unión de las 27 figuras que integran la muestra es el éxito de sus trayectorias: ya sea por el talento histriónico o por su capacidad para vincularse profesionalmente con las personalidades más talentosas del momento. El divismo es en gran medida misticismo, fascinación y encanto, pero también es inteligencia, preparación y reconocimiento profesional.

Una diva es capaz de romper esquemas sociales como Mae West, tirar tabúes sexuales como Marlene Dietrich y Brigitte Bardot, imponer transformaciones en la moda como Jean Harlow y Veronica Lake, seducir a la pantalla como Ingrid Bergman y Dolores del Río, hacer brillar a una productora como Norma Shearer, o hasta deslumbrar intelectualmente como Simone Signoret.

Hay muchos tipos de divas: las de talento legendario (Bette Davis, Anna Magnani, Joan Crawford, Anne Baxter y Katharine Hepburn), las que son mito (María Felix, Greta Garbo y Marilyn Monroe), aquellas que asumen retos actorales (Barbara Stanwyck, Gloria Swamson y Jeanne Moreau), las que glorifican el erotismo y la sexualidad (Lana Turner, Rita Hayworth y Ava Gardner) y las de cautivante belleza (Grace Kelly, Vivien Leigh, Lauren Bacall y Kim Novak).

Esta bufete de estrellas no hubiese sido posible sin la asesoría del investigador y dramaturgo Fernando Muñoz Castillo y del periodista Gerardo Martínez de Galería Tataya. Sin ellos, este ciclo aún seguiría siendo una idea.

Aarón Rosette

Coordinador de Ciclos de Cine

Reflexiones acerca de la exposición “Trayectos: paisaje y memoria”

2010-07-30T14:02:00.000-07:00

Por Magno Fernandes dos Reis - caferelax57@yahoo.com.mx

La cultura es la única forma de impedir que el vacío siga ganando terreno. Efraín Bartolomé. Discurso en el auditorio de la UTS en ocasión a la entrega del reconocimiento municipal por su labor como poeta este 26 de Julio del 2010.

El arte de representar la expresión de un alma tan grande va mucho más allá de la imitación de la bella naturaleza: el artista tenía que sentir la fuerza del espíritu en él mismo, la cual le imprimía a su mármol. Johann Joachim Winckelmann

Basura o arte contemporáneo. Fragmentos de la historia de San Cristóbal son transformados en Basura. ¿Que diferencia hay entre los fragmentos de la historia y las obras en la exposición Trayectos – paisaje y memoria?

La muestra de arte es una trampa del lenguaje. Según la periodista cultural Sara Regalado, del periódico “Cuarto Poder” la exposición “Trayectos: paisaje y memoria”, en Chiapas “es un vistazo a la memoria, a los recuerdos de décadas pasadas o incluso a nuestro origen prehispánico, en las obras de Paula Santiago”. Ante la invitación de Sara Regalado resta al espectador y al coleccionista de arte, encontrar los signos de la cultura prehispánica en las obras de los artistas que se ajustaran a la Colección FEMSA. ¿Pero por qué el arte local no se ajusta a la colección de FEMSA? Esta exposición no plantea relación entre el arte chiapaneco y el arte latinoamericano porque la forma y el lenguaje que se opera en el centro son diferentes del lenguaje local. Creo que el artista chiapaneco es rechazado por los empresarios coleccionistas porque manipula elementos populares, y expresiones de las lenguas mayas y zoques donde se reconocen signos de la cultura prehispánica. Los artistas locales acercan la ciudad moderna a las ciudades prehispánicas porque nutren su obra con elementos de la cultura maya. David Alfaro Siqueiros publica en Vida Americana, revista editada en Barcelona en 1921, los Tres Mandamientos de Orientación Actual de los Pintores y Escultores de la Nueva Generación Americana. Siqueiros propone el retorno a las ciudades prehispánicas afirmando que “la comprensión del admirable fondo humano del arte africano y del arte primitivo en general da orientación clara y profunda a las artes plásticas perdidas por cuatro siglos en el obscuro camino del error: Aproximándonos a las obras de los antiguos habitantes de nuestros valles, los pintores y escultores indígenas (mayas, aztecas, incas).

Los cambios en las artes visuales del fin del siglo XX pueden ser entendidos como una alteración de la relación entre el pasado, el presente y el futuro. Dicha relación es problemática desde las ciudades mayas (Palenque, Yaxilan, Bonampak etc.) ya que el futuro del arte chiapaneco es más incierto el de las grandes metrópolis porque los artistas chipanecos piensan a partir de las “fracturas de la memoria” provocadas por la decadencia de los imperios prehispánicos, por la colonización, por las dictaduras y por los traumas. La memoria fracturada, la forma de repensar el tiempo y la sensación de amnesia del presente son materias trabajadas por los artistas chiapanecos. ¿Cuál es la similitud entre la escultura tallada en piedra por Sebastián Santiz y los zapatos de Sandra Cabriada? No hay similitud, porque en el estado de Chiapas, hay diferentes espacios traspasados por la relación fracturada entre el pasado, presente y futuro. La obsesión de los artistas descendentes de los mayas con la memoria reformula la relación del espectador con un espacio cargado de historia o, parafraseando a Pierre Noria, las piedras son lugares de la memoria. El artista chiapaneco propone una nueva geografía articulando un nuevo modelo, el tiempo y el espacio.

¿ Lo que representa estos zapatos para el público chiapaneco?

Uno de los conflictos en el arte chiapaneco arranca del enfrentamiento entre lo urbano y lo prehispánico –tal como los modelos arrogantes que el espectador podrá admirar en la exposición Trayectos: paisaje y memoria (Centro Cultural Jaime Sabines de Tuxtla Gutiérrez) y las sumisas versiones o las desvergonzadas apropiaciones de elementos populares. Los desafíos que los artistas chiapanecos le hacen a los curadores y directores de instituciones publicas se resumen en la necesidad de que dichos espacios sean transformado en espacios donde se encuentren y dialoguen las obras consideradas por Marvin Lorena Arriaga Córdova (directora del Consejo Estatal para las Culturas y las Artes) como más representativa de Latinoamérica; se encuentren y dialoguen las heterogéneas memorias del chiapaneco y las diversas temporalidades del mundo. ¿Memoria o legitimación? Ayer, (26 de diciembre de 2010) quise captar con una cámara fotográfica sencilla contenidos históricos en fragmentos de la fachada de una casa que se desmoronó en la calle Crescencio Rosas, en el centro histórico de San Cristóbal de las Casas. Los fragmentos de la fachada fueron transformados en basura porque a ningún artista se le ocurrió recuperar el contenido histórico del adobe. Las obras que componen la exposición cumplen la función de “capital simbólico” de los grupos financieros de la Femsa (empresa fabricante de productos de consumo en América Latina, con operaciones en nueve países). Para este grupo, el arte no es un valor y sí una carta de acceso a otro tipo de bienes simbólicos. A partir de la exposición, podemos analizar el problema planteado por el coleccionista a los artistas periféricos respecto a la legitimación de sus obras en el ámbito global. Para ser coherentes, tendríamos que preguntarnos, pues, ¿qué características tienen las exposiciones como actos legitimadores del arte a partir de centros hegemónicos perfectamente coordinados por las empresas?

Agenda cultura

1 - 2º Coloquio Internacional sobre Globalización y Migración a celebrarse en San Cristóbal de las Casas los días 11 y 12 de octubre del año en curso.

2 - Coloquio Internacional de Patrimonio Inmaterial en 19, 20 y 21 de Agosto, en San Cristóbal de las Casas- Chiapas. México

3 - "ANTIGONA"

Narración en rojo y negro

Versión libre de Luis Sarlinga de Antigona de J.Watanabe

SABADO 31 DE JULIO 8,30 PM

Casa del Pan Real de Guadalupe 55

Los encantos y desencantos de la cultura zoque

2010-07-23T09:36:00.001-07:00

Por Magno Fernandes dos reis. caferelax57@yahoo.com.mx

Cuando trabajo en un problema, nunca pienso en belleza. Sólo pensó en la manera de resolverlo. Pero cuando he terminado, si la solución no es hermosa, sé que es incorrecta. Buckminster Fuller

Recuerdo.

“En el arte no existe una cosa tal como la verdad universal. Una verdad en el arte es aquella cuya contradicción también es verdadera… las verdades de la metafísica son las verdades de las mascaras”. Esta frase de Oscar Wilde demuestra que la pintura de Saul Kak es una recopilación acerca de la cultura zoque que aún descansa en la oscuridad. Si pudiéramos leer el grafismo de los zoques en las cuevas mejoraría nuestra comprensión y apreciación de estas pinturas. Las pinturas y las esculturas de las cuevas zoques son representaciones jeroglíficas enigmáticas presentes en los colores, en las líneas y en los signos creadas por el pintor. Preguntarse por la cultura de los zoques es indagar en los múltiples sistemas significativos y expresivos de ella. El significado del lenguaje pictórico zoque lo encontramos en la articulación del pasado con el presente y en las contradicciones que el ser humano vive en este siglo. (XXI). Parafraseando al poeta Oscar Wilde creo que las verdades de la pintura de Saul Kak son las verdades del grafismo zoque olvidados a lo largo de la historia por los teóricos que han estudiado la cultura prehispánica. Los primeros artistas zoques pintaron en las cuevas sencillas figuras geométricos rojas que han sido rescatadas por el pintor zoque. En la serie de pinturas realizadas por Saul Kak a finales de 2009 percibo que la tradición zoque tiene la peculiaridad de ser extramente narrativa ya que representa diferentes aspectos de la vida cotidiana de los zoques. El lienzo “Recuerdo” nos remite a los muñecos tallados en madera con que los niños juegan en el patio de su casa y asimismo remite al mito de la muñeca de madera de Ocozocoautla usada para la cura. En las cuevas, espacio de sacralidad y adoración a las deidades, el pintor Saul Kak encontró evidencias pictóricas y graficas de la cultura zoque. Saul Kak se interesa por los dibujos zoques, el verdadero punto de inflexión en la consideración estética de esta manifestación artística. Las cuevas son usadas con fines rituales benévolos y maléficos. La mayoría de los lienzos de Saul Kak presentan grafismos zoques pintados en color rojo, sin embargo dichos grafismos ocurren también en los colores negro, amarillo y las representaciones más recientes son blancas. Es posible identificar en la obra de Kak, los animales y los muñecos zoques que Donald Dorothy clasificó erróneamente como de talla grosera, porque creo que el pensamiento estético y ético del zoque es distinto del de los artistas mayas y de la forma en que los artistas contemporáneos perciben un objeto artístico.

En los lienzos aparecen algunas formas geométricas y figuras humanas esquematizadas que forman conjuntos de pequeñas figuras filiformes. ( l`ps tojk”)

¿Por qué el sombrero pintado por Kak no representa un signo del poder para el pintor? Saul Kak destruye al símbolo que identifica al indio como alcalde o servidor del pueblo, es decir al sombrero, substituyéndolo por una descripción del inframundo que es lo que la política contemporánea refleja. Las manchas rojas del sombrero representan el sol en su trayecto desde el nacimiento hasta el ocultamiento parcial. En lengua zoque la vida terrena es conocida como “– ass-Jama” que significa Tierra-Sol, Tierra-Vida o Tierra- Fiesta. Las cintas de colores representan la dualidad del mundo contemporáneo. En los colores, el espectador percibe el sufrimiento, el gozo, la traición, la fidelidad, la tristeza, los momentos de alegría, la enfermedad y la salud. Para los zoques el l`ps tojk o inframundo es una réplica del lugar donde vivimos y continuaremos la vida, el cual es un laberinto. El color negro representa el tiempo que no transcurre, los días y las noches son intensos. Todo lo anterior nos recuerda la afirmación hecha, varios siglos después de los zoques, por Jean Paul Sartre respecto a que “el infierno es aquí mismo”

Kak profundiza en los temas de las tradiciones culturales zoques y la pérdida de éstas. El objetivo del pintor es hacer al público consciente de la lucha entre la memoria y el olvido. Así, las leyendas zoques, las fiestas, las esculturas en madera, las cuevas se establecen como asunto central en la mayoría de sus obras. Es el tema de las cuevas y la espiritualidad zoque común en sus trabajos. El artista mira al lienzo como una inmensa pared, como un posible encuentro entre el pasado y el presente – en sus lienzos es posible ver la destrucción de la gran ciudad de los zoques- todo lo cual provoca nuestro asombro.

Las fronteras se desangran.

2010-07-22T09:16:00.000-07:00

Por Magno Fernández dos Reis. caferelax57@yahoo.com.mx

A Julio Scherer García

En la frontera de México con Guatemala se vive la cotidiana liquidación de la persona, igual que en un campo de concentración. La sodomía, el asesinato, la tortura, la amenaza sistemática, la separación de hombres y mujeres que se aman, la explotación de los niños, el desprecio por los bebés, que “ya tienen edad para morir” -Julio Scherer García.

¿Cómo puede ser alguien una persona ilegal? Normalmente, se consideran ilegales las conductas, los bienes (por ejemplo, si no son bienes ilícitos, obtenidos por medio de la comisión de delitos), pero no las personas. (Miguel Carbonel. UNAM.)

Cuesta decir que algún beneficio puede uno extraer de las fronteras que se desangran mientras los periodistas, los historiadores y los intelectuales producen historias e imágenes. Sin embargo, lo que miramos en la configuración de las fronteras del siglo XXI no son las líneas abstractas trazadas por los cartógrafos y tampoco los conceptos creados por los artistas plásticos contemporáneos.

No pertenezco a ninguna tribu o partido político. Comencé a pensar la Frontera Sur por cuestiones visuales. Simplemente me siento mejor sin las fronteras. Ser extranjero me enseñó a ver la realidad, sus hechos y su humanidad. La inmigración se hizo para los investigadores una realidad económica y social además de un desafío a las políticas internacionales y las políticas internas. Mirar y sentir las fronteras no hace de mí un artista, pero no me impide reflexionar sobre los efectos personales y sociales de una vida sin fronteras.

Así como la cultura local y la cultura global son símbolo de un proceso civilizatorio fundamentado en la superioridad humana sobre todas las otras formas de cultura, la supremacía cultural justifica las guerras, las violencias, las omisiones y los abandonos.

La Frontera Sur de México, del Pacifico al Atlántico, posee unos mil 2000 kilómetros de longitud. Tabasco y Campeche colindan con Guatemala (ochocientos kilómetros) y Quintana Roo con Belice (175Km). La línea quebrada formada por los límites de los países que colindan con el Sur de México define los miedos, los deseos y las fronteras del mundo global. ¿Por qué el arte chiapaneco contemporáneo no refleja las dinámicas migratorias en la frontera sur? En la línea quebrada es posible observar la porosidad de las fronteras nacionales, de las fronteras étnicas y de las fronteras individuales, porque en el intercambio comercial todos se cruzan, se mezclan y se confrontan las diferencias existentes entre las personas.

El mundo que aparece en la frontera es resultado de las formas sociales surgidas de conexiones locales y globales, de lugares, individuos, colectivos y territorios.

El periodismo internacional y los artistas visuales tienen prioridad sobre el espectáculo pero las migraciones confirman el desaparecimiento de las sociedades cerradas. El mundo de la migración mezcla los cosmopolitismos de una forma inesperada para el artista. La cuestión hoy, no es la relación entre lo autóctono y lo extranjero sino aquello capaz de advertir de qué manera lo local se globaliza. Las líneas abstractas llamadas fronteras nos enseñan a mirar el mundo, a ver las cosas como son. Miro los rieles y descubro en los pasos del inmigrante que se encuentra de espaldas fragmentos de sus sueños y esperanzas por encontrar un futuro mejor en los Estados Unidos. Pero lo que determina las desigualdades no son las fronteras y sí el lugar de nacimiento, el nombre, el apellido, el color del rostro y las facciones. Así, las fronteras ya no son aquellas líneas imaginarias y poéticas trazadas por cartógrafos, porque éstas han sido transformadas en murallas de contención de migrantes, considerados mercancías no rentables u objetos de transacción comercial en su paso a los Estados Unidos.

Las circulaciones contemporáneas introducen cambios tanto en las instituciones, consideradas referentes estables cuanto en la construcción de identidades y en el imaginario social. Los movimientos migratorios en el sur de México sugieren cosas nuevas, vehiculan nuevos contenidos. La tecnología permite a los trabajadores de países ricos actividades menos exhaustivas pero, en cambio, en los países pobres el trabajador es más explotado incitándolo por ello a la migración. Si existen millones de personas en la Frontera Sur intentando viajar a los Estados Unidos en busca de trabajo es porque no tienen esperanza en el mercado interno. Para detener el flujo migratorio y la violencia en las fronteras es necesario romper la dependencia del mundo con las grandes potencias.

En la exposición “Migrantes Frontera Sur” del Instituto de Artes Grafica de Oaxaca (IAGO) se abordan, gráficamente, los acontecimientos violentos cotidianos en la frontera sur, especialmente los sucedidos en el Istmo de Tehuantepec.

Según el tríptico de la exposición “los artistas pretenden construir un diálogo multidireccional capaz de generar un espacio de reflexión en torno a la situación actual de esta frontera y con ello generar un testimonio frontal, fruto del trabajo colectivo de los creadores”. El rector de la Universidad Intercultural de Chiapas Andrés Fabregas Puig dice que “la Frontera Sur se conformó como un espacio multirregional en un vasto y heterogéneo territorio en donde convergen el México indio, con un notable vigor cultural, y el México del mestizaje que resultó de un profundo proceso aculturativo otorgador de características particulares a esta parte del país”. Vivimos hoy el proceso de colonización global que destruyó el Estado-nación hegemonizando el planeta bajo el control de las metrópolis y el predominio del mercado sobre el Estado. Las frases de Saul (joven de 19 años) en la revista Proceso no son arte conceptual son una crónica del drama cotidiano, sus palabras recuerdan las tragedias griegas y los conceptos, de los cuales se inspira el arte contemporáneo, nacen de la tragedia: “la escena que nunca borrará de la mente es la de una hondureña de unos 18 años con la que viajó en su primer reintento (de cruzar la frontera) hace unas semanas. Ella cayó en medio del alboroto que se formó cuando todos pensaron que había operativo de Migración más adelante. Cayó. “La vi cuando se iba para abajo, con los ojos bien abiertos –recuerdo- A los lejos vio rodar algo “como una pelota con pelos, supongo que su cabeza”.

recuperar el buen gusto, ves que a todos nos gusta el arte

2010-07-18T11:17:00.000-07:00

Hagámoslo nuestro, el resto son palabras

De la destrucción a la preservación

2010-07-01T16:53:00.000-07:00

Magno Fernandes dos Reis - caferelax57@yahoo.com.mx
Se cierne el águila en la cumbre del cielo,
el cazador y la jauría cumplen su círculo.
¡Oh revolución incesante de configuradas estrellas!
¡Oh perpetuo recurso de estaciones determinadas!
¡Oh mundo del estío y del otoño, de muerte y nacimiento!
El infinito ciclo de las ideas y de los actos,
infinita invención, experimento infinito,
trae conocimiento de la movilidad, pero no de la quietud;
conocimiento del habla, pero no del silencio;
conocimiento de las palabras e ignorancia de la palabra.
Todo nuestro conocimiento nos acerca a nuestra ignorancia,
toda nuestra ignorancia nos acerca a la muerte,
pero la cercanía de la muerte no nos acerca a Dios.
¿Dónde está la vida que hemos perdido en vivir?
¿Dónde está la sabiduría que hemos perdido en conocimiento?
¿Dónde el conocimiento que hemos perdido en información?
Los ciclos celestiales en veinte siglos
nos apartan de Dios y nos aproximan al polvo.

(Thomas Stearn Eliot. EE.UU- Inglaterra 1880-1965

¿Por qué el Estado de Chiapas no se preocupa por la preservación de los murales? No se salvado de la depredación ni siquiera este mural que fue realizado en centro educativo. En este mural hay un equilibrio refinado entre la pintura y los signos (cultura inmaterial). Técnica al temple de huevo con pigmentos. Medidas: 2.17 m de ancho por 2.80 m de alto. (6 m 2)

No hay diferencia entre el patrimonio cultural material y el patrimonio cultural inmaterial, porque la cultura es una mezcla de lo material y lo inmaterial, la palabra y la pintura, por ejemplo es material pero lo que el pintor y el escritor piensan es inmaterial. Reproducimos en este texto un detalle del mural “Bernal Díaz del Catillo”, de César Corzo (1972 Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas) para que el lector perciba lo que es material y lo que es inmaterial. En el mural de César Corzo es posible distinguir a la cultura material como el manantial que deriva del patrimonio inmaterial, ejemplo de esto es el mural Bernal Díaz del Castillo donde el pañuelo rojo que porta el fraile simboliza el pensamiento de Bernal Díaz.

Si el pintor no tiene conocimiento de la historia no es capaz de reproducir esto, ni tiene nada para transmitir a las futuras generaciones. En este caso, el patrimonio inmaterial es el conocimiento que este artista adquirió a través del libro “Historia verdadera de la conquista de la Nueva España”. El conocimiento invisible del artista es el inicio de la pintura. Con este mural César Corzo contribuye a la protección del conocimiento y demuestra la energía formal que le concede a los hechos históricos. Para disfrutar de la riqueza del patrimonio inmaterial de la cultura se debe considerar la mezcla entre los aspectos materiales e inmateriales, buscando todas las fuentes de conocimiento, más allá de los saberes técnicos y teóricos. Picasso al dirigir su mirada a tallas y máscaras tribales africanas descubrió una nueva iconografía para representar el mundo que nos rodea. Picasso dijo “una cabeza es un conjunto de ojos, nariz y boca que se pueden distribuir y componer como se quiera; la cabeza seguirá siendo cabeza”. En el lienzo Las señoritas de Aviñón (1907; Museo de Moderno Arte, Nueva York), Picasso no ignora el gran legado de las formas de vida, de las experiencias y de los saberes de inúmeros pueblos de África. Las imágenes del mundo exterior están subordinadas a un concepto que puede ser europeo o africano. Todos los “ismos” representan a un concepto determinado.

Las señoritas de Aviñón, de Picasso; óleo sobre lienzo, 2.44 x 2.34 m. 1907 Museum of Modern Art. Nueva York. Es el primero cuadro cubista. Aquí, podemos observar que las imágenes del mundo exterior están subordinadas a una redistribución conceptual. La superficie vibra como una música de cámara y los planos truncados.

Cuando se habla en patrimonio inmaterial, la primera idea que viene a la mente es de cosas y lugares imprecisos. Sin embargo, la globalización, se preocupa por la preservación de la esencia y médula de la pintura por la preservación de valores, costumbres y una infinidad de conceptos intangibles-. De este modo, un tipo de música puede ser tan importante cuanto una catedral. La relación entre la globalización y la cultura determina la importancia de lo que llamamos patrimonio inmaterial.

Máscara Mexicana. ¿Por qué el artista chiapaneco se distancia de la cultura popular y de la cultura inmaterial?

Una galería de arte para ser global tiene que vender en Brasil en Europa en África y para vender el coleccionista tiene que comprar obras de sus artistas. Al comprar una pintura ésta se adapta a la colección del coleccionista o el coleccionista de adapta a la pintura. La cuestión cultural es fundamental para la globalización porque es la cultura la que modela el cotidiano de las personas, determina modas, padrones, valores e inclusive lo que ellas van a comer y vestir y aquello con lo que van a sentirse contentos o tristes. El gran embate de la globalización no es el controle de las galerías de arte, sino el control de los hábitos de mercado moldeados por la cultura. Es en este contexto que advertimos que es necesario preservar hábitos, valores, rutinas, sentimientos, saberes y quehaceres que son patrimonio del Estado de Chiapas. En este contexto Chiapas tiene dos alternativas: o defiende sus valores culturales o aprovecha el proceso de globalización dejando de ser un mero espectador pasivo para convertirse en un agente activo que procure vender las obras de arte con los valores transmitidos aquí. Al elegir sus bienes inmateriales, la persona demuestra que el producto es importante y que necesita ser protegido. Cuando César Corzo lucha por la recuperación del mural destruido en la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas no lucha solamente por la preservación del patrimonio material sino por estilo de vida y los valores que este mural revela.

Aprendiendo a través del arte

2010-06-25T06:00:00.000-07:00

El niño y las artes plásticas en Chiapas.

Grabados y pinturas de Lux Atún

El arte es herramienta útil para transmitir a los niños y a los padres a mirar el mundo de una forma creativa y personal, a pensar libremente y a expresar sus pensamientos, a desarrollar capacidades como la escritura y la expresión oral, y a asimilar valores como el trabajo en equipo, la convivencia con otras culturas o el respeto al medio ambiente

La exposición de El niño y las artes visuales de Chiapas es una iniciativa que tiene como objetivo educar a través del arte y ser el punto de encuentro entre el mundo de la educación y sus protagonistas, los niños, quienes descubren, de esta forma, el placer de hallar respuestas propias y de producir objetos irrepetibles.

Inventos que hacen pequeños los niños

Animal que come postes de arboles

Maquina de atrapar bomba atómica

Los muertos vivientes

¿Balón de futbol o un meteorito?

Para más información:

Café Relax – Arte y Cultura

Columna de artes plásticas – Chiapas- Territorio y Confluencia www.elheraldodechiapas.com.mx

Departamento de Comunicación y Marketing

Tel.: 9676317607

Celular – 967 1197566

caferelax57@yahoo.com.mx

Convocatoria Festiarte 2010

2010-06-19T15:06:00.001-07:00

Convocatoria Festiarte 2010.
3, 4 y 5 de septiembre

Estimados Artistas es un verdadero placer dirigirnos nuevamente a ustedes saludándolos e invitarlos para que participen en la 4ta edición Festiarte, el cual con el propósito de generar condiciones favorables para la difusión de variadas disciplinas artísticas, difunde y promueve proyectos imaginativos y novedosos, por lo que a través de la presente convocatoria, invita a ser parte de esta edición. El evento, reunirá en unos mismos espacios más de 1000 propuestas de diversas disciplinas, así como alrededor de 200 artistas visuales, albergará 4 escenarios: Música alternativa, instrumental y danza, afro caribeña y reggae, música electrónica, y pabellón infantil. Así como área de gastronomía, de vinos y stands de proyectos artísticos.
Escultura fotografía
Gráfica pintura
Generalidades
Se establece el 1 de julio del 2010, como fecha límite para la convocatoria.
Requisitos.
Ficha de inscripción.
Cuota de inscripción.
Currículo artístico individual o colectivo
Fotografía promocional.

c) Texto de media cuartilla con descripción y/o información de proyecto
Información de exposiciones recientes y de proyectos futuros.
Si el artista lo estima oportuno podrá adjuntar fotocopias de cualquier documento que pueda ofrecer información sobre sus aptitudes: premios o diplomas, cartas de recomendación, comentarios de prensa, etc.
Los interesados deberán presentar su propuesta acompañada por este registro firmado.
Se dará como límite para entrega de material el día 10 de Julio del 2010.
La coordinación correspondiente examinará las solicitudes de inscripción e informará al interesado si su solicitud ha sido aceptada.
Beneficios que Festiarte le ofrece.
Mención en toda documentación entregada a los medios de comunicación
reconocimiento firmado por el comité
mención en pagina web de Festiarte
Derecho a repartir publicidad en el evento
Derecho a vender material dentro del evento
Oportunidad de proyección a más de 30mil visitantes
Datos importantes
Inauguración 4 de septiembre 3:00 pm. Escenario central.
Sábado y domingo: de 11 am a 10 pm.
Entrega física de espacio: jueves de 7 a 11 pm / sábado de 7 a 9 am.
Consiste en:
Carpa blanca de 3x3mts.
Con iluminación (un foco) (pueden llevar iluminación extra, asi como decoración de su área.
Corriente eléctrica 110 (un enchufe)
Cooperación de participación:
Artista individual: $1,700.00
Colectivo: $2,200.00
Carpa extra: $1,200.00
BANCO HSBC NO. DE CUENTA: 4046194767
A NOMBRE DE: Claudia María Alamina Gutiérrez.
Por la cantidad que te corresponda. Escanea y envía a esta dirección. Con este
y tu ficha de registro, termina el trámite de inscripción. Posteriormente les estaremos
Informando sobre actividades y detalles al evento. Asistir con una copia del registró firmado y recibo de pago.
Su área y material promocional deberá estar debidamente presentado, volantes, tarjetas, carteles, discos, etc. Y deberá tener contenido apto para toda la familia.
No se aceptarán imágenes, publicidad o mensajes escritos o hablados con contenido fuerte. (Recordemos que es un evento familiar)
Contaremos con vigilancia las 24 hrs.
El gafete o identificación que será entregada a cada participante es intransferible, por lo que solo el participante gozará de los beneficios que Festiarte le ofrece.
Su participación responsable, profesional y puntual a este evento será tomada muy en cuenta en los subsecuentes festivales de arte que se seguirán llevando a cabo.
MAS INFORMACION:
COORDINACION DE AREA ARTES PLASTICAS
Cecilia Navarro
Claudia Alamina
Coordinación general
Cel 664 121 85 24 / 664 680 2549
dirección@festiarte.com.mx

ULTIMAS NOTICIAS: ESPERA MUY PRONTO INFORMACION SOBRE ENSENADARTE FESTIVAL 2010

NOTA: Anuncia tu evento importante a través de nuestros boletines especiales. Contacta a Eduardo Tello por medio de: telloart@msn.com para una cotización gratis.

La Bienal 2010: una mirada plural y educativa.

2010-06-17T14:44:00.000-07:00

Por Magno Fernandes dos reis.

Al poeta Ferreira Gullar

¿Para que escribo? Primero, por necesidad, para satisfacerme, por el placer que tengo de escribir. Hacer un poema es una alegría para mí. Pena que raramente suceda. Cuando sucede es una alegría. Además de eso, uno escribe para el otro. ¿No es que esté pensando en cómo agradar? A Nadie. Ferreira Gullar

Parabéns Magno,

Você continua a fazer um grande trabalho por ai. A gente estava precisando de você cá no Brasil. Abraços Maria Helena Flexor (critica de arte y maestra de La Universidad Federal de Bahía. Brasil )

¿Para qué sirve una Bienal en el Sureste de México? Es la pregunta que me hice ayer al leer atentamente la convocatoria de la “Sexta Bienal de Pintura y Escultura del Sureste 2010” (Chiapas), en la página www.conecultachiapas.gob.mx. En seguida envié un correo electrónico a CONACULTA rogando información sobre la bienal para escribir este artículo. Desgraciadamente no tengo información sobre el concepto, la temática y la estrategia para valorar las artes visuales del Sureste de México tan despreciada por los centros hegemónicos. Lo que sucede en Chiapas, y no solamente aquí, es que la política es una tema rechazado por los jóvenes. Los productores culturales desmoralizan el arte y los artistas locales se aíslan del problema a cambio de becas y espacios para exponer sus obras, generando la peor situación, que es la actitud miserable.

Es necesario pensar a Chiapas desde el Arte, erigiendo nuevos padrones de conciencia. Una muestra de arte debería repercutir en las relaciones entre las personas, porque el arte es para mí es una herramienta para transgredir y romper con la gramática de las cosas. Hoy, los productores culturales, los críticos de arte y los galeristas tratan el arte como un accesorio. Recordando a Oscar Wilde “el arte no imita a la vida”. Creo que pasa lo contrario, porque son los artistas los que dan a conocer la sociedad de su tiempo y el espacio geográfico. Comprendo al arte chiapaneca a partir de la idea de Leonardo Da Vinci de que la pintura es un hecho mental, pues pintores como Antun Katún, Saul Kak, Nacho Chingoya, Juan Chamuk y Sebastián Santiz son pensadores y piensan de un modo no verbal. Para estos pintores contemporáneos el Estado de Chiapas no se reduce a una cuestión verbal, aunque cueste admitirlo. Claro que las lenguas mayas (Tzotzil, Tzeltal y otras) son algo admirable y construyen la historia. Sin embargo, hay que pensar también en lo visual y en la dimensión sensorial. Es posible que el espectador perciba en la pintura chiapaneca una forma de pensamiento que transforme todo y hable desde las culturas prehispánicas sobre la gramática de las cosas.

Esta es la cuestión política del arte. La bienal debe ser una institución educativa y la exposición debe ser una consecuencia de esta misión. La educación es la base de todo, es fundamental. El lenguaje visual es más importante que el premio otorgado por la misma.

La exposición debe afirmar el potencial del arte y utilizar la Bienal como un lugar de encuentro de las variadas voces y lenguajes; no confinando a las artes visuales al lenguaje visual, porque el lenguaje es el de la multidisciplina. La transdisciplina es un dato de la producción contemporánea del Sureste de México (Chiapas, Oaxaca, Veracruz, Tabasco, Campeche, Yucatán y Quintana Roo) y para esto es necesario que la Bienal de Chiapas cree centros ceremoniales donde se encuentren y visiten las distintas expresiones artísticas como la música, el teatro, la literatura, la ficción, la poesía y la arquitectura. El arte chiapaneco se emancipó de las artes visuales el día en que Antun Katún subió a la pirámide de Bonampak y se regresó con una nueva pintura. En la pintura de los artistas que cito en este texto, hay una relación entre la propia tradición de la cultura maya y lo erudito. Es importante que esta Bienal reconozca el talento del pueblo del sureste mexicano, presentando con orgullo la creatividad y riqueza de la cultura prehispánica ante la diversidad y adversidad cultural. Como señaló el critico de arte brasileño Mario Pedrosa – “de la diversidad vivimos”.

¿Por qué los artistas del sureste no envían obras a la Bienal de Chiapas? Como señaló la crítica de arte Marsha Zepeda, en un artículo en la Revista Vértigo, en la Bienal pasada, la mayoría de los artistas que participaron de la muestra fueron chiapanecos que viven en el Distrito Federal. Creo que si la actual directora de la CONACULTA y los medios de comunicación de los estados de sureste dejaran claro a los artistas que en esta bienal va a estar presente la diversidad del sureste como concepto original de la regionalización y valoración de las artes visuales, el sur ganaría visibilidad a nivel nacional e internacional.

Es muy interesante ver la orientación general de una Bienal Regional a través de los distintas obras procedentes de los estados del sureste porque cada artista manifiesta lo que piensa y en su obra se advierten cosas que el espectador no advierte a simple vista.

De todos modos, las obras que representan a cada estado tienen limitaciones porque el proceso de selección de los obras es muy arbitrario y no hay forma de controlarlo. El nepotismo no es bueno criterio para el proceso de selección porque la institución pierde la credibilidad. Creo que una mayoría de los intelectuales considera que no somos meros subsidiarios de una cultura del centro hegemónico. Creo que lo importante de una bienal regional es la posibilidad que tiene el espectador de conocer las diferentes regiones, lenguas y voces a través de la pintura. La cultura determina los límites de la geografía pues gracias a ésta se comprende que hay muchas voces y que la presencia de todos los estados del sureste nos interesa hoy más que nunca. Todos los estados vecinos estarán presentes en este lugar siempre que los artistas envíen su obra. El sentido de una Bienal Regional debe ser fundamentalmente pedagógico, y dentro de ese proyecto CONACULTA- Chiapas debe tener el compromiso de organizar una exposición local, nacional e internacional, sin perder de vista lo principal que es valorar la cultura del Sureste y de Chiapas.

Para mayor información, los interesados pueden acudir por la convocatoria respectiva en horarios de 8 a 16 horas, al Departamento de Museos Estatales, ubicado en el Centro Cultural de Chiapas Jaime Sabines, 12 Oriente Norte No. 2, Parque Jardín del Arte, en Tuxtla Gutiérrez; o bien llamar a los teléfonos: 01-961-6138268 / 38 Exts. 113 y 176. También pueden consultar la página web: www.conecultachiapas.gob.mx o establecer contacto al correo electrónico: gustarp@yahoo.com.mx

Galindo – la estética del horror y la poética del miedo

2010-06-10T15:21:00.000-07:00

Soldados norteamericanos torturando iraquíes.

Amigo Magno, ¿Cómo está?

¿Cómo esta a tu familia?

Nina y Gustavo Alvino Flores dos Reis, están todos bien?

¡Espero que si!

Mi quedé emocionado con tu texto, amigo!

Estos hechos históricos siempre mi causen perplejidad.

Fusilamiento, pena de muerte, imperio del miedo...

¡En fin, la “paz” impuesta a cuesta del sangre inocente como siempre!

Los “dueños” del poder impuesto, ya son asesinos por naturaleza.

Ellos no entienden que la paz no florece en tierras regadas a sangre.

El artista, como porta voz de estos hechos, tiene la función de denunciarlos.

Estoy con “saudade” de nuestras platicas… ¿Recuerda? Saludos desde Belo Horizonte. Minas Gerais. Adao Rodrigues. (Artista plástico)

FELIZ DÍA DE LIBERTAD DE EXPRESION Y MÁS POR MANTENERNOS INFORMADOS.
QUE TAL SI FESTEJAMOS EN EL PTO. DE VERACRUZ, ADJUNTAMOS INVITACIÓN.
MUCHOS ABRAZOS.
COCO Y AKIO.

“Galindo Fusilado”, de autor desconocido, apunta para un debate actual en la historiografía del arte del Estado de Chiapas: la representación del héroe y la ausencia de ello en el contexto nacional. El lienzo desconocido por la mayoría de los chiapanecos y de los mexicanos no tiene impacto negativo por que se halle dentro de una narrativa visual. El fusilamiento de Galindo, líder de los chamulas, no fue pensando como el momento ideal para se representar el héroe.

Este pintor anónimo estructuró la narrativa visual sobre la Rebelión de Chamula de 1869, como una tragedia, donde el héroe es punido por el error de creer en la elite intelectual de San Cristóbal de las Casas. La serie se constituye de cuadros: la escena central del lienzo “Lucha Sangrienta I” el chamula atraviesa su opositor con flecha y alza como la bandera del movimiento El color nos recuerda las vistosas paisajes con matices verdes alteradas por el amarillo. ¿Lo que podemos ver en el lienzo “Luchas Sangrientas II”? Esto pintor no retrata el líder intelectual de movimiento Ignacio Fernández Galindo, pero el cartográfico recibido por los descendentes de la Cultura Maya en San Juan Chamula con incienso con la misión de rescatar la Caja de Dios. La exposición de cuerpos destrozado se adecua a la tragedia clásica, se pensamos en Acteal y Aristóteles. “Cuanto aquellos que suscitan, por el espectáculo, n o el temor pero solo el horror, nada tiene en común con la tragedia”; por lo tanto creo que esta más cerca de su vertiente moderna, a ejemplo de Shakespeare, donde la violencia es más explicita.

Las escenas de sucesos como las que están en los lienzos y fotografías de la Matanza de Acteal (22 de diciembre de 1997) demuestran una recaída en ideas y actitudes que creíamos enterrados bajos los escombros de la Civilización Maya.

La serie enfatiza la fragilidad del movimiento y de Galindo, más que la represión del periodo colonial. La Rebelión Chamula se diluyó antes de la acción de la ejecución de Galindo y Trejo, en San Cristóbal de las Casas. En la narrativa, de esto pintor anónimo no es claro los ideales de los rebeldes, concentrando en la debilidad del movimiento, que culmina con el fusilamiento del héroe. La profunda impresión que causó en la conciencia del pintor la ejecución de Ignacio Fernández de Galindo (35 años) y Benigno Trejo el 6 de diciembre de 1856, le llevo a realizar los nueve lienzos con esta temática. En el lienzo Fusilamiento Galindo apreciamos al pelotón de fusilamiento y el soldado que alza su fusil. Tras las escenas contemplamos un fondo de montañas verdeadas. La realidad casi fotográfica determina el interés del pintor en causar impresión en el espectador, interesándose por los uniformes de los soldados y sus posiciones en la hora de ejecutar a las victimas. El colorido con matices verdes y roja se encuentra en todas las obras. L as declaraciones de Galindo en el proceso de 23 de abril de 1869, están en los lienzos como “las armas utilizadas por los indígenas fueron escopetas, lanzas, luques y hachas y piedras. Y la descripción de los crímenes cometidos – “en los asesinatos de la finca de Urbina no sólo no le obedecieron sino lo miraron serios y fueron a machetear los cadáveres de las mujeres, pues los de los hombres no los vio y hasta después le dijeron que habían asesinado también a cuarto o seis y que la causa de no haberlos visto fue porque de terror se dirigió solo al pueblo de San Pedro en donde su esposa estaba con los demás indígenas y Benigno”.

A la estética del horror y la poética de la violencia son componentes de la cultura. Los cuerpos de las victimas anónimas reducidas a objetos materializan la violencia. El agresor es siempre el otro, el colonizador o el bárbaro del pasado. Esta serie de pinturas históricas de autor anónimo, presa a los gestos teatrales y a la violencia explicita, fue producida por una artista anónimo de que presencio o participo de la Rebelión Chamula de 1869. La iconografía de las luchas sangrientas y de la ejecución de Galindo privilegia la violencia y la muerte. La presencia del pelotón de ejecución es vital en la iconografía del fusilamiento cuanto de la represión colonial. En la serie de pinturas “Luchas Sangrientas” el espectador puede apreciar una alegoría circundada por ejecuciones. El pintor subvierte la representación del bello ideal negando la estética sublime. La pintura valora el pasado y la historia. Todavía no existen estudios sobre las pinturas históricas del Estado de Chiapas - Quizá a partir del convenio firmando entre Inuto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Autónoma de México ( UNAM) y la Fundación Cultural “Mario Uvence” el arte, la investigación y difusión de la historia del arte en el Estado de Chiapas ganará visibilidad a nivel nacional e internacional. El discurso Arturo Pascual Soto, director de Investigaciones Estéticas, “es momento de traer a Chiapas estas discusiones de carácter universal: hacerlas orbitar en términos de los monumentos patrimoniales muebles y inmuebles que tiene este estado”. Sin embargo, yo creo que es el momento de llevar el arte chiapaneca y las discusiones locales a nivel nacional e internacional.

La iconografía de las rebeliones indígenas en Chiapas: un discurso visual inacabado.

2010-06-10T06:42:00.000-07:00

Por Magno Fernandes dos Reis – caferelax57@yahoo.com.mx

A las victimas de los genocidios.

Todo está guardado en la memoria, sueño de la vida y de la historia. El engaño y la complicidad de los genocidas que están sueltos, el indulto y el Punto Final a las bestias de aquel infierno “La memoria”, León Gieco.

Yo dije una vez que escribir es una maldición. No recuerdo porqué exactamente lo dije, y con sinceridad hoy repito: es una maldición, mas una maldición que salva .A descoberta do mundo, Clarice Lispector.

Así, fue fusilado Galindo en el corazón de Chiapas.

Las pinturas históricas no poseen todas las respuestas para entender la injusticia, ya que la mayoría de los artistas representan a los “dueños del poder” y los marginalizados intentan hacer una crónica de los momentos cruciales vividos por la humanidad. La serie de peligrosas pinturas sobre las rebeliones indígenas (1712-1914) reproducidas en el libro “Rebeliones Indígenas en los Altos de Chiapas, de Prudencio Moscoso Pastrana (UNAM, 1992)” son semilleros de preguntas que generan más preguntas sobre las masacres que, por suerte, no tienen una respuesta única. La guerra, en el acervo histórico del Estado explica al Estado de Chiapas del siglo XXI. Estas pinturas son una muestra sobre la sangrienta historia del surgimiento y consolidación de un Estado. El relato hecho por estos pintores anónimos sugiere una serie de reflexiones sobre el pasado y la pintura estableciendo contrastes entre el mito y la forma. Las pinturas nos invitan a una exploración de las relaciones entre la violencia política y el arte, esa relación está planteada a partir de la mirada dirigida por los medios de comunicación.

Los chamulas observan para esparcir el miedo

La interculturalidad permite percibir al miedo como una trampa de la guerra contra el otro. Permite advertir los “limites” del contexto en que tienen lugar estas imágenes de guerra, a través de la tensión entre la diferencia y semejanza, respetando la originalidad de la presencia del otro. Se descubre en las imágenes la guerra de los otros y viceversa, advirtiendo simultáneamente las similitudes y diferencias entre las pinturas sobre rebeliones indígenas de los Altos de Chiapas (la tzeltal de 1712 y la chamula de 1869) y las imágenes generadas por guerra de la Triple Alianza (Brasil, Argentina y Uruguay) contra Paraguay en 1865. Las pinturas que retratan la guerra son de expresión dura, lineal y de un dibujo indeciso. Sin embargo, las escenas de las rebeliones indígenas de Chiapas y las imágenes del argentino Cándido López más que simples pinturas son crónicas visuales de la guerra porque se refieren a hechos y momentos particulares de la guerra. Estos artistas tratan las escenas con la precisión y el rigor de lo que narran. Los pintores y los grabadores de las guerras del Paraguay y los artistas anónimos que retrataran las rebeliones indígenas observaron, al mismo tiempo, numerosas escenas simultáneamente, tal como las águilas poseedoras de una visión de trescientos sesenta grados superior visión humana que se limita a treinta grados.

De este modo, cada guerra encara a las guerras de otras latitudes como una atrocidad. Por ejemplo, el patrón del ejército brasileño, el famoso Duque de Caxias se distinguió por las atrocidades y masacres que cometió en la guerra de la Triple Alianza sudamericana contra Paraguay. Estas atrocidades fueron denunciadas por soldados paraguayos en el periódico Cabichui que ejercían el oficio de grabadores autodidactas. El periódico Cabichui fue creado por ellos durante la guerra con el fin de registrar las atrocidades de la guerra.

¿Qué se observa hoy en la pintura sobre la ejecución de “Galindo y Trejo” en la llamada Plaza Mayor (hoy Parque Central Vicente Espinos)? En el centro había una fuente en forma de una corona, signo del dominio colonial. Galindo y Trejo con traje chamula se encuentran frente a la fuente y en las pilastras hay dos sacerdotes que acompañan los últimos momentos de los rebeldes. Cinco personajes con trajes chamulas observan el fusilamiento con el fin esparcir el miedo en el pueblo.

La guerra destaca entonces como un “acontecimiento espectacular” y como la ventana para ver y sentir las barbaries cometidas por el ser humano. El registro de las imágenes de guerra es esencial para crear y garantizar posibilidades de construir la paz.

Galindo muere con el traje de Chamula.

AGENDA CULTURAL

Bicentenarios: después de la invención
Se ha sostenido que América Latina no fue descubierta y conquistada, sino inventada por los colonizadores europeos que arribaron en los siglos XV y XVI. Nuestra aproximación a la celebración de los bicentenarios de la independencia de un conjunto de naciones que se separaron de la metrópoli española en el siglo XIX para ser libres y autodeterminadas parte de la dificultad de pensar hoy en la idea de nación como una definición estable y unificadora. Aun reconociendo los vínculos creados por un pasado colonial y una lengua comunes e identificando los problemas compartidos por el hecho de ser sociedades periféricas, estos factores no resultan operativos para homogeneizar las enormes diferencias de países rubricados bajo el término geopolítico de Latinoamérica.
Una vez detectadas estas dificultades, consideramos una serie de tópicos debatidos en las artes visuales del final del siglo XX que sitúan esta discusión en un contexto regional más amplio que aquel que ofrecen los confines del Estado-nación. El marco de la celebración que proponemos abarca los nacionalismos y los mitos emancipatorios de comunidades imaginarias de países con diversos procesos y estadios de modernización. Hemos previsto reflexionar sobre las modalidades de lo público y lo privado, las teorías de autodeterminación transferidas al discurso visual y la aparición de los conceptualismos a partir de los años 1960, con su afán de inventariar la historia para mostrar las fisuras de las construcciones de poder.

Centro Histórico Mérida: un caso lleno de reflexiones.

2010-05-16T08:37:00.000-07:00

La ciudad blanca se nos convirtió en ring, en cancha de tenis, en cuadrante de béisbol. Las autoridades, que llegan con el “sagrado” voto popular, muy a pesar de la venta de datos en Tepito, “el barrio Bravo”, procedentes del Instituto Federal Electoral, siempre llenan de promesas la gran bolsa de la avaricia que luego irán rompiendo y desgranando a su manera y forma, para que el saco expulse todo lo que lleva adentro, sin que la diosa artemisa-Justicia lo vea o lo escuche.

La contienda entre los candidatos más fuertes al palacio Municipal de la ciudad de Mérida, se centró en la reformulación y reconstrucción, asimismo reconsideración, este punto de primero en sus listas, del Centro Histórico de la ciudad. Las Señoras Beatriz Zavala del Partido de Acción Nacional (PAN) y Angélica Araujo, del PRI, se convirtieron en dos personajes de la publicidad de supermercados:”mamas lucha” que riñeron por el apogeo de un casi desértico centro de la ciudad.

A principios de los 80, el centro histórico de esta ciudad comenzaba a ser considerado un pueblo muerto, un poblado fantasmagórico y que ya se acomodaba entre los cuerpos de leyenda como un vecindario en el cual muy poca gente quería invertir. Luego se fue amoldando al turismo noventero aupado por las guías europeas del viaje que llevaba implícito las 3 “B”: bueno, bonito y barato. De ahí hasta ahora los exploradores mochileros recorren la ciudad en busca de ciudades mayas, playas y cenotes y dado el auge y las subsecuentes recomendaciones, también otros se fueron acercando a explorar la Mérida, puerta de un mundo de ancestros mayas y gigantescas haciendas henequenales.

Es ahí donde comienzan las sui generis inversiones extranjeras y también una confrontación con un mundo de informaciones que llegaban de ultramar, así como de profesionales y artistas venidos de un Distrito Federal que había sufrido los embates de una súper inflación y de un pavoroso terremoto. Los encuentros culturales y las confrontaciones de las mismas comienzan a dar formas y frutos que llevaron a Mérida a ser un lugar, cuna y Meca, de muchos movimientos de performances, arquitectónicos, visuales y experimentales en los aspectos artísticos. Nacen colectivos de arte y se comienzan a gestar congresos, incluidos los Médicos, que llegaron a traspasar las fronteras del sureste mexicano para indicar una ciudad donde se celebraba el conocimiento y por ende su evolución y crecimiento. Mérida y su centro fungieron como un gran caldo de cultivo para grupos culturales libres y de pensamiento vislumbrado y de avance. Se efectuaron festivales performanceros. Nacieron movimientos de revistas y agrupaciones literarias con sus consecuentes talleres. Todo ello llevo a Mérida en los 90s y principios del nuevo milenio a ser señalada como una ciudad clave y propicia para el desarrollo de las artes. Los años noventa fueron tan marcados en este aspecto que la popularidad de la ciudad, en estos puntos, sobresalió en Europa. Mucha gente quería conocerla y luego de hacerlo, comenzaron a dejarse seducir por la posibilidad de una inversión en casas que era accesible y posible. Comienzan a venderse casas y con ello a nacer una industria de la remodelación. Así pues aquel cosmos abandonado fue tomado por algunos seres quienes inteligentemente, no hay que desmerecerlo, lo comenzaron a vender a “norteamericanos” quienes compraban por centavos casas que jamás hubiesen podido tener en su país de origen. Nació la industria de la venta de casas y la de los albañiles que las reconstruían, dando a comer a pueblos enteros del interior de la ciudad que vienen en las mañanas y se van en las tardes luego del rehacer diario del centro. Nacieron los despachos de arquitectos, las ventas de muebles, los decoradores y sus pertinentes cacicazgos. El aumento del sistema de cobro predial. Los engaños a personas que no conocen la ley mexicana de construcción y compra de bienes y de servicios, la usura y el robo, la prostitución que ve en el extranjero una forma de vivir. Las redes de algunos pederastas disfrazados de libres y buenos ciudadanos extranjeros. Las asociaciones civiles de extranjeros, con mexicanos al frente, patrocinando su interés personal. Así todo ello creció porque el centro se convirtió en dominio de muchos, en terreno de nadie, en calles sin ley y donde cada uno quiere hacer lo que le brinda su real gana. Un “Macondo” sin ley.

Un punto merecedor de crónica es el mundo gay y del ambiente nocturno, quienes, también, encontraron en la ciudad un contexto propicio para el desarrollo. En aquel entonces Ana Rosa Payan, ahora ex presidenta municipal y para el momento representante del PAN, liquidó todo vestigio de movimiento gay, quizá… para complacer a grupos ideológicos con miedo a éste sector; es una pregunta que padece la comunidad y los gobernantes parecen eludir. Esta situación trajo como consecuencia que algunos sectores de esta comunidad minimizaran sus inversiones en la zona céntrica. Craso error que aun hoy se paga y del cual desconocemos aun consecuencias.

Mérida que siempre ha sido una ciudad flotante y portable, como un triste maletín de ejecutivo llevada, por algunos sectores sociales, a establecerse donde ellos quieran y se sientan cómodos, por ello creció a espaldas del centro y con miras a un norte hecho a la medida de Miami, con Plazas comerciales encapsuladas al extremo aire acondicionado, canchas de bowling, multi cinemas, en fin la fresa del helado norteamericano que les hace creer en que son acertados. Mientras el centro comenzó a caerse ante la indiferencia de autoridades, cuyo interés palacial ni siquiera les deja tiempo para mirar plazas y jardines.

Ejemplo que ilustra es el de varios inversores serios que han querido hacer del eje meridano un lugar turístico y vivible con decencia y se encuentran, a la hora de sus gestiones, lagunas podridas que paran, entorpecen y atrasan todo proyecto. Conozco, a título personal, de algunos que vinieron con la idea de inversiones en centros culturales, de Jazz y lounges y se tropezaron con los sacrosantos y empantanados servicios del ayuntamiento, del INAH, de la gobernación. Cobros irrespetuosos, mordidas y traspiés solo para desvalijar en el momento, porque hasta para eso son cortos de vistas algunos funcionarios. Algunos inversores, ya cansados de luchar, decidieron irse, bien a probar suerte a otros lugares o bien a sus países de origen. Uno de ellos me escribió que en Brasil se permite el crecimiento en la inversión turística con 3 años de exención por parte de las autoridades de Hacienda. Hecho que debe llamar la atención y fijar pautas para que los inversores pequeños y medianos colmen la plaza central de la ciudad. Por otro lado como invertir en estas áreas de recreación y esparcimiento cuando los permisos de venta de bebidas se atrasan y nunca llegan, haciendo que el inversor pierda absolutamente todo, quebrando al mismo. Se han caído muchas inversiones y eso minimiza no solo la venida de turistas sino que hace insoportable las noches solitarias de lo que podría ser el gran centro histórico de México.

A este cronista, un alto funcionario público, omitido su nombre por razones obvias, me preguntó, durante una cena de transformadores de la cultura, que si consideraba que la UNESCO podría darle un reconocimiento a Mérida. Yo parco y directo le señalé que no, con la consecuente mala cara de parte del funcionario. No era ni es posible considerar un análisis a un Centro Histórico que tiembla ante el acecho terrible de cuanto camión o bus pase por enfrente de nuestras narices, se estacione en un eje donde no hay caminarías ni espacios públicos y además lo conviertan en un lugar feo, mal oliente a gasolina y más caluroso debido a los efluvios que emite. Planes hay, muchos para embellecer el centro que lo han ido convirtiendo en un gran estacionamiento, pero eso sí: los propósitos están engavetados, guardados, minados por animalejos que se los comen en archivos húmedos de sótanos abandonados.

Soluciones deben surgir y deben comenzar por regentar con leyes, que existen y son aplicables, a defender a inversionistas y deben establecerse topes de venta y de construcción como es debido sin embargo con la flexibilidad que atraiga más y mejores posibilidades de desarrollo. Se deben fijar metas de corto y mediano plazo para recuperar zonas claves como lo son, por ejemplo, los arcos del Parque de Santa Lucía: una vergüenza a la cual se le ha debido aplicar alguna ley existente a manera de que el dueño o remodele, o venda o ceda al estado para desarrollos culturales. Esta es una plaza muerta solo ventaneada por música de trova y orquestas bailables los domingos. Tristemente desaprovechado.

En conjunto con el INAH considerar y respetar la inversión privada, siguiendo sus pautas y desarrollar mecanismos fáciles de conllevar por el inversor y por la institución. Debería llevarse a efecto un Censo de los extranjeros que viven en la zona para conocer expectativas y motivos. Igualmente obligar, bajo ley, a los propietarios de edificaciones abandonadas a su recuperación y/o venta. Además crear la figura de un Ombudsman para el sector extranjero, quien se ha convertido en una fuente segura de ingresos en la zona y obviamente del movimiento de los mismos. Cuidar este “surtidor” es prioritario a la hora de cuantificar las mejoras que se han hecho en el sector sin necesidad de una gasto extremo de parte de las entidades estatales.

Replantearse plazas y lugares públicos como centro de difusión pública. Asimismo calles icónicas pueden ser convertidas en bulevares donde se invite a pequeños, medianos y grandes inversores a volcar propuestas y acciones.

Utopía: tal vez, sin embargo lo que se necesita es menos burocracia, gastos de imagen, menos jalones de cabello y más, mucha más acción.

Gerardo Martínez

Atlas Subjetivo de México – Yucatán

2010-05-06T10:02:00.000-07:00

Taller multidisciplinario

Del martes 18 al domingo 23 de mayo

Costo del taller / $1,350 pesos (Cupo limitado)

Dónde / ULE – Espacio Cultural / Calle 64 no. 560 x 71 y 73, Barrio La Ermita. Mérida – Yucatán

Inscripciones / 2 85 03 87 y 99 91 20 42 10, euyuc@yahoo.com

www.unasletras.com

*** El día lunes 17 de mayo a las 20 horas, en las instalaciones de ULE-Espacio Cultural, Moniek Driesse dará una plática abierta a todo público para presentar el proyecto “Atlas Subjetivo de México”.

Entrada libre.

El taller, dirigido por Moniek Driesse y Analía Solomonoff, propone abrir un espacio para preguntarnos quiénes somos, dónde vivimos y qué procesos culturales nos definen como mexicanos, como yucatecos. Durante 5 días, a través de ejercicios prácticos, investigación e intercambio de opiniones, cada participante desarrollará un proyecto para construir un “Atlas Subjetivo de México”. Al finalizar el taller se hará una selección de los trabajos más representativos del mismo y estos proyectos se publicarán dentro del libro "Atlas Subjetivo de México".

+ info / atlassubjetivodemexico.wordpress.com

Calendario de trabajo

- Martes 18

De 17 a 21 horas

- Miércoles 19, jueves 20, viernes 21, sábado 22 y domingo 23

De 10 a 14 horas – Estudio abierto*

de 17 a 21 horas – Actividades y mesas de discusión

*Estudio abierto

El taller permanecerá abierto de 10 a 14 horas para que los participantes acudan a trabajar de manera independiente, utilizando el espacio como un “estudio abierto” y, si lo desean, solicitar asesoría a las talleristas.

Invitados especiales

Durante el taller, contaremos con la presencia de dos invitados especiales que no compartirán su trabajo, y con los cuales los participantes podrán dialogar e intercambiar ideas y opiniones.

Clausura del taller

El domingo 23 a las 18 horas se realizará la clausura del taller realizando una exposición de los trabajos realizados. Abierto a todo público. Entrada gratuita

Antecedentes

Desde el año 2003, la diseñadora gráfica holandesa Annelys de Vet, ha editado una serie de publicaciones cuyo contenido es la recopilación de imágenes realizadas por habitantes de diferentes países. Dichas imágenes son “mapeos” de un país, región o entidad política. Un grupo de personas son invitadas a ilustrar-construir, desde su punto de vista, lo que Annelys llama: atlas subjetivo. Este atlas subjetivo se construye a partir de la interpretación que cada participante otorga a elementos tan diversos de la identidad como: la política, la comida, las relaciones interpersonales, la situación social, la cultura, entre otros. La percepción personal es el punto de partida para producir imagines poco convencionales, honestas y humanas. El resultado son visiones “subjetivas” y creativas de las entidades políticas representadas, visiones que se contraponen a las formas expuestas por las enseñanzas tradicionales.

Atlas Subjetivo de México es un taller de trabajo, reflexión y diálogo, dentro del cual

los participantes crearán imágenes que describan, desde su visión personal, su entorno social, político, cultural, imágenes que tracen un mapa visual de México.

Dirigido a

Estudiantes, artistas, diseñadores, arquitectos y todos los interesados en desarrollar un proceso creativo a través de las distintas herramientas del diseño gráfico y las artes visuales.

Material de trabajo

El participante llevará consigo el material técnico que requiera utilizar (cámara fotográfica, laptop, etc.).

Talleristas

Moniek Driesse

Diseñadora Gráfica, estudió en el departamento de Man&Communication de la Academia de Diseño de Eindhoven (Design Academy Eindhoven). Su trabajo se basa en un constante acercamiento analítico y conceptual, en el que diseñar es una acción en respuesta a preguntas, deseos o necesidades de la gente. Recogiendo sus historias y sueños, trabaja en contacto directo con las personas, en donde consigue la principal fuente de formación para ideas creativas. “Me encanta colaborar con gente, porque siento que la cooperación y la interacción pueden causar un flujo enorme de ideas. Cada vez más quiero estar expuesta a nuevas impresiones e impactos, y encontrar soluciones diferentes una y otra vez.”

+ info / www.moniekdriesse.nl

Analía Solomonoff

Diseñadora gráfica, editora y gestora cultural. Actualmente trabaja como Subdirectora de la Sala de Arte Público Siqueiros.

Desde 2005 creó el proyecto LAST un espacio que promueve la creación, producción e intercambio de proyectos independientes de editores, artistas y diseñadores, así como la difusión de los mismos dentro y fuera de México. Un espacio que genera procesos creativos, destacando la importancia de abrir la interrelación entre el creador, la obra y el espectador.

+ info / proyectolast.blogspot.com

ULE presenta

Más allá del espectáculo

2010-05-01T17:43:00.000-07:00

Por Magno Fernández dos Reis - caferelax57@yahoo.com.mx

Al muralista César Corzo que lucha para la restauración y preservación de sus murales.

Sólo basta cuando el gobierno del centro preste a Chiapas la atención debida y convierta en realidad el alto pensamiento de nuestros antepasados, se habrá hecho justicia. Mientras llega ese día, esperémoslo como siempre lo hemos esperado: con el pecho lleno de patriotismo y con la consciencia fija en el cumplimiento del deber. Luis Espinosa. (1885-1926) Director de la Revista Chiapas.

Una performance realizada por un narcotraficante. Pero, los cuerpos son reales.

Paul Valery señaló que “tal como el agua, el gas o la corriente eléctrica vienen de lejos a nuestras casas para atender nuestras necesidades con un esfuerzo casi nulo, así nos alimentaremos de imágenes visuales o auditivas que nacen y se desvanecen al menor gesto, casi un signo” ( Pieces sur l”art, p. 105). Esta observación del poeta demuestra que hoy vivimos el bombardeo de imágenes y de información que llegan de todo el planeta. Así, la frontera entre lo que antes creíamos ser la verdad y la mentira se desvanece en el aire. Pero la difusión de la imagen y la multiplicación de información en los periódicos locales no representa el desarrollo de nuestro universo simbólico. Cuando el periodista, el fotógrafo y el artista visual convierten los hechos en productos de entretenimiento y no señalan las diferencias entre éstos, contribuimos a desvanecer la representación de nuevas posibilidades para el lector o espectador.

Performance realizada por narcotraficante - La estética de la violencia presente en siglo XXI

La nota “Destruyen la fachada de un edificio colonial” (Manuel Martínez) demuestra que las deficiencias de la enseñanza y la deformación de los medios masivos de comunicación orientan al lector por otros rumbos que no son los de la historia. El periodismo ha de servir a la vida y no a los intereses políticos e institucionales. La interpretación del patrimonio histórico es un compromiso social porque el patrimonio nos involucra y nos conmueve. Vicente Guallart afirmó que “la arquitectura y el placer por los espacios de calidad deberían enseñarse desde edades muy tempranas”. ¿Cuál es el estatuto del patrimonio histórico en la era de la globalización y de la informatización? ¿Qué es el patrimonio histórico? ¿Cómo pensar la fachada de la casa mutilada y la imagen de nosotros mismos en la sociedad? El pensamiento en crisis contribuyó a transformar la imagen en mercancía (objeto de producción, circulación y consumo). Las imágenes generadas por la crisis económica como las fotografías de los edificios mutilados y los performances de los narcotraficantes fascinan al público. ¿El narcotraficante es un artista plástico? El reporte gráfico “Violencia expansiva” (Revista Proceso 1746) demuestra que el narcotraficante contemporáneo al realizar su performance en las calles se preocupa con la estética de la violencia tal como se preocupó el artista plástico brasileño Arturo Barrio al echar paquetes ensangrentados en el Rio Arrudas de Belo Horizonte (MG, Brasil) para denunciar la violencia de la dictadura militar en la década de los setenta en Brasil. Al mirar las esculturas de madera de Reynaldo Velázquez suspendidas como las victimas de los narcotraficantes en un puente tenemos una visión periférica. En el rostro de las esculturas, los ojos han sido censurados, y en forma de súplica, el escultor pide que el sistema no censure las formas de expresión y dé a las personas la posibilidad de manifestar sus ideas. En los performances de narcotraficantes anónimos hay dos cuerpos reales que remiten al espectador a las obras de arte de la Edad Media.

Artur Barrio y la dictadura brasileña en la década de setenta.

Los cuerpos de las victimas de la violencia suspendidos en el puente, transforman las calles en museos donde los narcotraficantes hacen exhibiciones que compiten con las de los artistas plásticos que participan en grandes bienales. La universidad ha transformado al artista plástico contemporáneo en una especie de mono que hace piruetas para un público que niega sus criterios. Somos dominados por las imágenes, y gracias al exceso de imágenes no sabemos observar porque la visibilidad no depende sólo del objeto artístico y del espectador que observa sino que depende de un trabajo de abstracción al que no estamos habituados. La obra de arte no es el principal objeto de contemplación del ojo y del espíritu ya que entre la mirada y la imagen está, en principio, el pensamiento. Sin el pensamiento, la serie de fotografías que están en la revista Proceso, la escultura de Reynaldo Velázquez y los bultos ensangrentados del artista brasileño son sólo un amasijo de lo que ocurre en el mundo externo. Con la intervención de la inteligencia y el pensamiento, el artista crea un mundo imaginario que no es utopía y sí invención de un nuevo mundo. En el Tratado de Pintura, Leonardo da Vinci afirmó que las líneas visibles de una figura llevan a un centro virtual que obliga al ojo a pensar. Es en este sentido debemos leer la frase celebre de Leonardo Vinci respecto a que “la pintura es cosa mental”. El arte hoy, antes de crear mensajes, crea mercancías. Tales mercancías representan hoy el rostro del Capital. El capitalismo ya no producen cosas (objetos) y, sí signos visuales. La mutilación del edificio colonial en el centro histórico de San Cristóbal de las Casas no significa la destrucción de la imagen sino la destrucción del pensamiento y mundo colonial.

Escultura en madera de Velázquez - Patrimonio Histórico de San Cristóbal de las Casas mutilado.

Descartes afirmó que “conocemos ciertamente la manera de utilizar la intuición intelectual, aunque sea sólo comparando lo que ven nuestros ojos. Pues, quien quiere observar muchos objetos al mismo tiempo con una sola mirada no distingue ninguno de ellos; y, del mismo modo, quien tiene la costumbre de prestar atención a muchas cosas al mismo tiempo acaba con el espirito confuso”. ¿Cuál es la diferencia entre las imágenes generadas por los narcotraficantes y las imágenes generadas por los performances de artistas contemporáneos en museos, galerías y bienales? Estos artistas narcotraficantes contemporáneos reivindican para si mismos el estatuto de artistas. Estos desplazamientos pos moderno o hipermoderno son curiosos porque las obras de los narcotraficantes no pierden su autonomía e individualidad como sí ocurre con los mega eventos donde los artistas seleccionados son protagonistas involuntarios de la obra del curador que es la exposición misma.

Percepciones Ocultas

2010-04-28T13:27:00.001-07:00

La obra Carlos Carbajo Ledesma es un ejercicio constante entre la búsqueda de la figura y del objeto figurado, en ella las líneas y los puntos templan, como en una tensión metafóricamente mecánica, una realidad que depende de nuestra visión y del ángulo sensorial que encontremos en cada una de sus pinturas, en cada situación que él nos desea trasmitir.

La “abstracción figurada” o “abstracción concepto”, que Carlos concibe viene dada por una búsqueda hacia el cómo corregir con color los espacios de un recuadro pictórico. El pintor, en sus planteamientos, estimula nuestra observación hacia una nueva grafía de encontrar representaciones y bosquejos donde solo parecen estar trazos, puntos y rayas.

La conceptualización de las ideas abstractas alcanzan en este trabajo un cénit que conlleva a un camino, para buscar percepciones ocultas y que nos remontan a recuerdos y descripciones de un mundo onírico, extraño y que no por ello deja de ser visible, vivible, maleable en nuestra física visual. Carlos descompone el sueño de la percepción y nos regala una gran ilusión que a veces se desvanece y en otros casos nos lleva a un caos ordenado, incorruptible a que precisa a su vez un oculto realismo naturalista, sucio y lleno de señales que transpiran una hechizada realidad durmiente.

Ponderada, como es su obra, en estilo y diseño, nos indica un conglomerado de ideas donde se cruzan caminos y fábulas; todas ellas dependientes de la sinuosidad que vamos encontrando en la propuesta.

Retrocedemos ante ella, observamos una pintura que se idealiza en el lienzo como una odisea donde personajes disimiles inician recorridos hacia un futuro, hacia un camino que debemos descubrir a través de acertijos y señales. Un juego que se surte de nuestras adivinanzas y de nuestras respuestas. Tenemos frente a nosotros miles de cuentos, miles de retazos de vida, miles de trayectos y puntos que desbordan miedos, fobias y sin embargo la vida en cada uno de ellos.

El color va denominando y estratificando el paisaje y sus secuelas, como los son los derrames entintados que estratifican un horizonte donde el autor “pinta” lo habitual, lo diario: entonces ante nuestra imaginación, percepción, observación, aparecen mariposas, insectos, mesas, panes, calaveras, calacas en conversación, cuchillos, calles, ciudades, estados y discursos en alfabetos indescriptibles.

La obra se exhibe actualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán. Sala 1

Gerardo Martínez.

LA CALIDAD DE NUESTRA CRITICA DE ARTE

2010-04-23T15:30:00.000-07:00

Por Magno Fernandes dos Reis. caferelax57@yahoo.com.mx -

Nelly Peñaranda Directora Periódico Arteria. Colombia

La ética no es pues un código, sino más bien una perspectiva para la reflexión practica sobre nuestras acciones. Y también una de las estrategias de inmortalidad a disposición de los mortales, es decir otra forma de arte. Fernando Savater.

La crítica de arte en Chiapas padece de los mismos problemas que en cualquier otro país, posición política del crítico, influencia del mercado vía galerías, bendiciones de los poderes locales, conformidad del público, obediencia a la crítica internacional. Nuestra crítica casi siempre hace lecturas acertadas pero poco desprendidas. Prima más cálculo que entusiasmo y esto es muy bueno porque evita endiosamientos.

El poder que los artistas y los críticos de arte conquistaron en décadas pasadas situaba al artista y al crítico de arte en el centro de la política cultural como un individuo que reclamaba su libertad. Éste ahora ha caído en las manos de los Centros Culturales que legitiman la dictadura de los productores culturales. Estos Centros Culturales son una consecuencia de la desmoralización de la política cultural del ESTADO que ha controlado la producción intelectual y que ha militarizado las artes visuales. Tenemos la ilusión de que el fin del “lenguaje visual” es también la muerte del arte. No lo es, el arte es, al mismo tiempo, nuestra estrella y nuestra oscuridad pues la lectura de una obra de arte implica una actitud ética precisa.

El arte hace de nosotros los únicos concesionarios del PLANETA y los únicos responsables por él y por el “ser humano”. Por eso Claude Levi Strauss dice que si suprimiéramos fortuitamente veinte siglos de historia, esto no afectaría de manera perceptible nuestro conocimiento de la naturaleza humana, la única parte insustituible, dice, “serían las obras de arte que esos siglos vieron nacer, pues el hombre no se singulariza y ni siquiera llega a existir, a no ser por sus obras. Al igual que la estatua de madera dada a luz por un árbol, solamente las obras proporcionan la evidencia de que a través del paso del tiempo algo sucedió realmente entre los hombres” (Strauss).

Una de las características del actual proceso de creación es, pues, el papel despótico del productor cultural. Las nuevas condiciones técnicas deberían ampliar el conocimiento de las exposiciones, de los objetos artísticos que lo forman, de los espectadores que lo visitan y de los hombres en su realidad individual. Aún, en las condiciones actuales, el arte, la cultura en general y el conocimiento son utilizados por muchos productores culturales en función de sus objetivos particulares. Estas técnicas de manipulación de la información son asumidas por algunas Empresas, profundizando los procesos de creación de desigualdad. De ese modo, los Estados periféricos como Chiapas se vuelven aún más periféricos pues no disponen de una alianza entre los productores culturales locales con las instituciones financieras.

Lo que los catálogos transmiten a la mayoría de los lectores interesados en artes visuales es, de facto, una crítica manipulada que, en lugar de explicar las obras que componen la exposición, las confunden. La mayoría de los catálogos están abarrotados por reproducciones de las obras de arte presentes en las exposiciones -son innumerables imágenes, sin textos, sin una investigación de fondo y sin una profundización en el tema abordado por el artista. Los catálogos y los textos de arte que llegan a las personas y a los clientes de las empresas patrocinadoras e instituciones hegemónicas son ya el resultado de una manipulación. El texto de estos catálogos no es crítico porque se presenta como un medio publicitario. Es importante observar que en los Suplementos Culturales, el discurso antecede a las acciones culturales. Estas acciones culturales se pueden manifestar a través de la producción, del consumo de bienes culturales o mediante el poder de los productores culturales. Por eso el espectáculo y las obras de arte se confunden en la apreciación del espectador común ya que la publicidad se inserta en el arte y se presenta como objeto.

Estamos ante un texto crítico que posee dos fisonomías – una en que el crítico de arte procura instruir, y otro, por el cual busca convencer al espectador de las bondades de su producto lo cual es el trabajo de la publicidad. En los textos de los catálogos, en las tesis universitarias sobre artistas y en las secciones culturales de los periódicos, podemos percibir que el rostro de la seducción está más presente, en la medida en que el productor cultural se trasforma en algo que anticipa la creación del artista. Hay una relación perversa entre los productores culturales, los artistas y los críticos de arte, porque son los productores los que determinan la agenda de los centros culturales y los críticos destinados a escribir los textos propios para el catalogo. Es decir que los productores culturales hacen propuestas artísticas mediante las obras que han sido creadas por otras personas. Sin embargo, el crítico arte del siglo XXI es un interprete de la obra de arte, un creador al mismo nivel de los artistas pero con consecuencias perversas.

Una vez endiosados, los curadores y críticos consiguen todo a través de fundaciones, editoriales, instituciones oficiales y para/oficiales y, de este modo, se convierten en dictadores, pasando de ser críticos de arte a comisarios políticos. Esto ocurre en los medios de comunicación de las principales metrópolis (especializados o no) debido a que los editores de cultura mantienen una relación endogámica con el mundo del negocio del arte.

Hay una relación incestuosa entre los Asesores de Comunicación de los Museos y Galerías, y el mundo de la producción (creación) de obras de arte. La publicidad tiene una penetración grande en la producción del conocimiento y de las artes visuales. Antiguamente, había una incompatibilidad ética entre anunciar y escribir un texto de presentación para un catalogo. Pero los centros culturales globalizan no solamente sus exposiciones sino el tedio provocado por las relaciones incestuosas entre coleccionistas e instituciones financieras patrocinadoras. Los medios de comunicación, por su parte, falsifican las exposiciones ya que no es la obra lo que los medios de comunicación nos ofrecen sino una interpretación del evento más que una critica de arte.

El crítico de arte debe retornar a la obra, porque es importante que la opinión del crítico pueda ser cotejada con la opinión de otro espectador. Pero con el crítico de arte sometido a la dictadura de los productores culturales, lo que sucede en los museos lo sabemos dos días después mediante una interpretación matizada por las visiones, los prejuicios e intereses de los productores culturales.

La exposición se presenta maquillada al espectador ya que el objetivo de las instituciones es la búsqueda de un mayor número de visitantes. Lo más importante no es la pintura, sino las estrategias para atraer a los visitantes-por eso los productores culturales no se preocupan en organizar muestras que propicien reflexión-. La preocupación de los productores culturales es crear estrategias para atraer la mayor cantidad de público posible- y, las estadísticas son más importantes que el texto crítico, o sea, los números legitiman la obra de los artistas. La exposición es una especie de obra teatral donde lo que menos importa es la calidad de la obra sino las estrategias de publicidad y el cuidado de la imagen para encarar a los medios de comunicación de todos los que participan en dicho montaje.

Apuntes para una revolución que nunca sucedió Nº 1.

2010-03-28T19:12:00.000-07:00

Ejercitar la plástica en un estado con miedos es una aventura, en un país con sobresaltos una rebelión por sí misma. Ida Divinzenz, Ernesto Novelo, Uggo González (el necromántico) é Igor F Solís se han atrevido a sortear caminos y a colocar a la palestra y por una sola noche una composición sin diplomacia y sin embargo de una enseñanza política que resulta una bofetada que despierta nuestros sentidos de tanto opio mediático.

La propuesta, de solo apuntes, apunta justamente a la búsqueda del más allá de la noticia y el síntoma detrás del símbolo. Renegados en su postura y acción estos jóvenes crean una sencilla y sin embargo profunda administración de los recursos para indicar un camino a seguir a través del arte protestatario. La propuesta colocada en el recinto de lo que fue, ya que apenas duró un mes en el año 2009, la galería QUID (calle 55, entre 62 y 60) y como una propuesta metafísica surge otra vez con renglones de colores que no permiten ver el trabajo interno. Se debe entrar a la “caja” y experimentar su contenido conformado por instalaciones y gimnasias ideológicas, así como por fotos y pinturas.

Ernesto Novelo, realiza una síntesis histórica del ser latinoamericano, donde huellas de pies se transforman en huaraches de fibra, sandalias de cuero y zapatos de ejecutivo. Toda una estructura histórica delineada en los pasos del hombre y su protector: el calzado. Pensamos como críticos que falto sobre el zapato ejecutivo la bota militar y tal vez la sandalia papal. Más la acción demoledora y política se ha instalado.

Igor nos asombra, puesto que deja a un lado la búsqueda de la abstracción geométrica y nos seduce con unas pinturas, a grandes rasgos impresionistas, que retratan la intimidación del crimen y lo onírico de la sangre. Surgen en sus retratos una muerte tranquila, un romanticismo que chispea nuestros ojos y un lirismo que sugieren un juego macabro, donde aparenten niños yacen muertos rodeados de sus elementos cotidianos de juego: figuritas de las guerras de las galaxias. Todo un balada a la tragedia contemporánea.

Uggo, nos muestra un recuadro, donde papel, lápiz, dibujo y acrílico nos regalan una contingencia de los procederes estadales. Inspirado en el terrible asesinato y desmembramiento de 13 personas en el sector Chichi Suárez de la ciudad de Mérida, acaecido el año pasado, observamos una persona, cuyo rostro craquelado impone una máscara de carne parecida a un personaje público, que lleva una cabeza entre sus manos, esta vez maya. La Salomé vestida de abuela local, con huipil, mece la macabra cabeza que va manchando el recuadro de gotas sanguinolenta. Todo ello envuelto en el mono cromatismo de pinceladas grises y puntillismo negro. Oda fantástica que nos remite a los “B movies” de Tobe Harper (la matanza de Texas) así como a “los ojos sin rostro” del francés Georges Franju. Patología en forma de ensayo que nos muestra un talento sin par en el señor Uggo.

Ida Divinzenz, artista austriaca, radicada en New York e invitada por Solís al evento, no conoce nada de la revolución mexicana, o mejor contar que no conocía ya que Igor la guió por los entresijos de la historia mexicana y por las deidades fructíferas de las imágenes políticas y simbólicas de la revolución. Ida propone un gran dibujo en papel donde estiliza agaves y se pregunta qué hacemos, qué hace ella en el recinto y a modo de volcán en erupción chorrea letras que nos llenan de incertidumbre política.

Un logro la nueva propuesta de Igor en este espacio, cosa que se irá repitiendo cada viernes, o algún día de la semana, debemos seguirles, los experimentos de arte son necesarios y darán a Mérida la dimensión que se merece. Demos nuestro apoyo, es necesario.

Gerardo Martínez

La honda cicatriz de la tristeza

2010-03-04T12:12:00.000-08:00

MAGNO FERNANDES DOS REIS [pacal2007@yahoo.com.mx]

A Raúl Garduño.

Tus ojos tienen el color del árbol,
la honda cicatriz de la tristeza,
la huella profunda del profundo barco;
pero muerte también, también estrella
agotada en el fiel sentimiento.
Si tienes alas, Palabra,
no salgas a la calle
donde el viento es una rama tísica.
Sal a mi corazón
y construye un hondo cementerio
y entierra para siempre la soledad. Raúl Garduño (Advenimiento de la palabra, fragmento)

Foto numero 001 – Los artistas plásticos en la Galería Café Relax. Arte y Cultura. De la izquierda a la derecha - Rogelio Urrusti , Theo Toy, Antun, Arbey y Niger Madrigal.

Crédito para la foto: Alejandro Breck

¿Cómo se construye un pensamiento y se traduce visualmente? Roger Fry en un texto afirmó que “pocos de nosotros viven con tanta intensidad como para nunca sentir nostalgia de aquel reino saturnino al que Virgilio y Claude pueden llevarnos en volandas”. Agregó que la pintura de Corot, de Whistler o inclusive un paisaje chino podría haber hablado de Claude o de los poetas de Chiapas. Es una mera analogía entre dos formas distintas de poesía. En la pintura chiapaneca la identidad poética se manifiesta entre la poesía hecha palabras y la poesía transformada en pintura. Ahora, imagino todo lo que he visto de pintura en el Estado de Chiapas con lo que he leído de la poesía de Raúl Garduño. Encontramos la poesía de la especie humana en los nudos (metáforas) de Belem Sigler (Tabasco) y en los plátanos machacados de Antonio Henrique Amaral (Brasil) alusivos a la tortura de la dictadura militar (década de 70). La poesía de Raúl Garduño no propone conocimiento y sí las transfiguración del ser humano, elevando al lector a un plano espiritual. Creo que todo ser humano nace con el virus de la poesía. Sin embargo, no todos pueden comunicar la poesía. La misión del poeta y del artista plástico consiste en desvendar el territorio de la creación, nombrando objetos simbólicos y colocando estos objetos en el espacio del lenguaje a la vez que confiriendo una nueva dimensión para el objeto. Raúl Garduño una vez dio “alas en las palabras”. Este poema define la postura de Garduño frente al mundo del arte. El arte (poesía y pintura) tiene sus orígenes en lo fantástico, lo mágico y lo ritual. En este sentido la pintura de Antun Kojton rescata lo lirico y lo mágico del mundo prehispánico para construir signos donde el espectador contemple y comprenda al Chiapas de inicios de siglo. En el lienzo “A pesar de la Guerra, la palabra es nuestra” el proyecto del pintor de Tenejapa incluye la emoción y el impacto para hacer pensar la muerte y querer mejorar al mundo. Arbey Rivera (poeta y artista plástico) recurre a su mundo personal, a su vivencia y se inspira en el inconsciente colectivo -rico en símbolos, imágenes y mitos- para afirmar en un lienzo que la poesía inmortalizó la vida de Raúl Garduño quien dejó de vivir a los 35 años. Arbey especifica que arrancó su lenguaje pictórico del lenguaje poético demostrando cómo la poesía conservará en la memoria la obra de Garduño. El lenguaje visual del poeta y del artista plástico nos rebelando la fisonomía espiritual del artista. A su vez, creo que la construcción del lenguaje visual está basada en el lenguaje poético, en la afectividad y la perspicacia constructiva con que Garduño manifestó sus constelaciones propias.

Foto numero 002 - Vista general de la exposición en homenaje a Raúl Garduño

Crédito para la foto – Alejandro Breck

Theo Toy morador del barrio El Cerrillo, nos deja claro en su obra que el arte es la clave del conocimiento. De esta forma, resguarda de la basura las cajas de cartón para usarlas como soporte de un lenguaje poético. Quizá refuerza la frase “y construye un hondo cementerio y entierra para siempre la soledad”. En algunos de los lienzos de Theo Toy visualizo el aislamiento del hombre por la tecnología ya que el hombre del siglo XXI está perdiendo la capacidad de platicar mientras que la herramienta básica de la pintura y de la poesía es el lenguaje. El lienzo nos demuestra que el hombre no es capaz de dividir forma e idea. El tema

Níger Madrigal (Tabasco) le habla al espectador de sus fantasmas, los decodifica. Registra de manera simbólica en sus lienzos la historia del sometimiento de la especie humana. En el lienzo está registrado el poder, el miedo, el conflicto entre lo individual y lo colectivo. Supongo, por lo tanto, que es posible comprender la poesía de Raúl Garduño a través de la pintura de Madrigal. La frase de Picasso de que un cuadro es una horda destructiva es aplicable a algunas de estas obras.

Foto numero 003 - La obra de Belem Sigler nos remite a la frase de Glauber Rocha: El problema internacional de América Latina es todavía un caso de cambio de colonizadores, siendo que una liberación posible estará todavía por mucho tiempo en función de una nueva dependencia

Creo que el poeta es sacudido por el lenguaje de los pintores y los pintores conmovidos por las palabras del poeta. Virginia Woolf dice en alguno de sus libros que el poeta se esfuerza para llevar el sol a la página y lector intenta ver, por medio de una o dos palabras, cómo la luna se eleva en el horizonte. ¿Cómo lograr dicho efecto con colores y líneas, tal como le ocurre “Persistencia de la Noche” de Osvaldo García quien con una pincelada cambia el tono de la Luna que compone la tela. El tema de la noche y la representación de la mascara en el lienzo de García simbolizan el deseo de muerte. Sin embargo, la muerte está ausente de los cuadros de Rogelio Urrusti. Sus obras parecen un canto en blanco y negro de la pasión por la vida. Mientras el tema recurrente de Rogelio ha sido la vida (mujer desnuda), el de Garduño ha sido de la muerte. Los símbolos en el arte resisten a una interpretación lógica por lo que el seno en la obra de Rogelio no simboliza necesariamente el deseo de muerte. La miseria y la corrupción son, por otra parte, como la tortura, una muerte en vida. La semejanza entre los diseños de Urrusti y las palabras de Garduño radica en que el espectador tiene la oportunidad de observar la relación que existe entre la vida y la muerte. Rogelio observa a la vida (la mujer) y a la poesía que se percibe en su rostro. Garduño dirige la mirada sobre su muerte y dirige la mirada del espectador hacia sus fantasmas que no aparecen en los poemas. La poesía de Garduño nos da la impresión de que el poeta, como diría Jaime Sabines es un hombre que ha sido asfixiado, muerto y resucitado por la muerte.

Foto numero 004 – La vida presente la obra de Rogelio Urrusti

Para el europeo los procesos de creación artística del mundo subdesarrollado sólo le interesan en cuanto satisfacen su nostalgia de primitivismo, un primitivismo híbrido, disfrazado de herencias del mundo civilizado malentendidas porque son impuestas por el condicionamiento colonialista. (Glauber Rocha)

En la exposición “Espejo de encantamientos” el poeta Arbey Rivera formula analogías entre la poesía y la pintura que remiten al espectador a la afirmación de Simónides de Ceos (siglo v. a.C.) según la cual «la pintura es poesía silenciosa [y] la poesía es pintura que habla”. Al hablar de la poesía de Raúl Garduño se vuelve necesario reflexionar sobre su diálogo con las artes visuales y con la música. El espectador puede complementarlo con una analogía imaginaria de los poemas escritos a partir de las imágenes de la muerte. Lo que se debe observar en las pinturas y en los poemas es la prevalencia de la musicalidad sobre la palabra y la imagen…

Es con tristeza que percibo en el medio intelectual de este Estado (Chiapas) un interés muy pequeño por el lenguaje visual. Mis lectores luchan por un mundo mejor – luchan contra la indiferencia y cultivan la poesía, amén de las artes plásticas.

El arte de atesorar arte.

2010-02-19T14:48:00.000-08:00

Por Magno Fernandes dos Reis. Café Relax. Arte y Cultura

A Gustavo Alvino Flores dos Reis, que tanto tardó en llegar.

El compromiso con la palabra es a tiempo completo, a vida completa. Puede que un periodista convencional no lo piense así. Pero un periodista de raza no tiene otra salida que pensar así. El periodismo no es una camisa que uno se pone encima a la hora de ir al trabajo. Es algo que duerme con nosotros, que respira y ama con nuestras mismas vísceras y nuestros mismos sentimientos. Tomás Eloy Martínez Escritor y periodista, autor de las novelas Santa Evita y El vuelo de la reina.

Antun en el Jardín Intercultural del Café Relax y su obra adquirida por un coleccionista de Los Ángeles.

La globalización alteró el “mapa de las artes plásticas del mundo” destruyendo los ejes culturales que representan las instituciones culturales ubicadas en las metrópolis. En 2005 la revista Artes de México trazó el escenario del arte contemporáneo de México (La Guía Artes de México) ignorado a las instituciones culturales locales y, consecuentemente, a las obras de arte producidas en el Sur de México. (Chiapas, Campeche, Tabasco y Yucatán). Esta guía nos aclara que el mundo de las artes visuales, la flexibilización de las fronteras y la expansión de sus límites aún no eliminaron una organización jerárquica del mercado de arte. Lo que los teóricos universitarios y curadores llaman “arte internacional contemporáneo” no es internacional en el pleno sentido de la palabra porque la producción es contralada por un club de curadores que se encuentran en áreas centrales desde el punto de vista político, económico y cultural. En este contexto, artistas de estados periféricos como Chiapas son asimilados cuando contribuyen a una revitalización bajo el controlo de los productores culturales. Sin embargo, el arte chiapaneco es prácticamente invisible en el mercado nacional e internacional porque todavía no hay coleccionista en el Estado de Chiapas. Debemos pensar en cómo constituir al Estado de Chiapas como un eje cultural. Somos algo más que el Estado de las etnias indígenas, tenemos arte. Creo que es el momento de atesorar obras de artistas chiapanecos en colecciones privadas y museos de otros países. Tenemos que superar la mentalidad del colonizado, es decir, en forma cerrada y mezquina. Necesitamos pensar en grande. Por no saber imponer a Chiapas como eje cultural, el estado pierde grandes oportunidades.

Chawuk

Cunjamà y el Reino Encantado del Estado de Chiapas.

Para Jacques Leenhardt, la globalización construye y destruye las relaciones culturales en el mundo. Es un proceso en el cual la obra y el artista asumen una postura crítica. El lenguaje del artista del futuro no es una cuestión de técnica ni un desafío estético. Las obras de los artistas chiapanecos necesitan una solución ética ya que el artista plástico es una voz a través de la cual el espectador puede pensar la realidad, reconocer las emociones y las tensiones secretas de la realidad que vivimos en el Estado de Chiapas pero es necesario formar pequeños grupos de coleccionistas en el Estado de Chiapas para así valorar al artista local. Asimismo, este público comprador tiene necesidad de informarse y el conocer el arte y su historia.

El universo lirico e infantil de Sebastián Sanchez

En el caso del Estado de Chiapas, la estrategia radica en corregir la desigualdad y los prejuicios existentes aún en los Estados del Sur de México (Chiapas, Yucatán, Tabasco y Campeche) no sólo divulgando las obras, sino ofreciendo información, generando conocimiento, formando la opinión, en fin disciplinando nuestra sensibilidad y forma de mirar. Creo que la falta de una participación significativa y la exclusión del arte chiapaneco contemporáneo en el mercado nacional y de los países de este Continente se debe al hecho de que aún persiste la idea de que su arte es un arte exótica cuyo lugar de procedencia no forma parte de las potencias económicas.

En las muestras de arte los espectadores son siempre los mismos – y entonan siempre la misma letanía de que las artes plásticas de Chiapas viven tiempos difíciles y sin apoyo de las instituciones locales. Los tiempos siempre han sido difíciles en Chiapas. Sin embargo, de esa carencia el artista chiapaneco extrae la riqueza. Cuando miramos la pintura de los descendientes mayas la sentimos excluida de la historia, Sin embargo los chiapanecos participamos de los grandes procesos de cambio. En tanto artistas, en tanto críticos, nuestro papel es el de testimoniar los hechos y la fuerza de los pueblos. Tengo certeza de que las obras que los artistas chiapanecos están creando en el siglo XXI serán mejores de las que hacían a finales del siglo que se desvaneció. Indagar, investigar, preguntar y pintar son los grandes desafíos de este siglo. En este Estado (Chiapas) los artistas están pintando, sin la menor duda, la mejor pintura que jamás hayan hecho. Ahora estamos en busca del coleccionador para fortalecerla y enriquecerla.

Rafael Araujo y el quetzal (ave en risco)

El coleccionismo no es una actividad solitaria pero desafortunadamente el empresario chiapaneco no tiene el hábito de invertir en la formación de acervos artísticos. Igualmente, el productor cultural local no logra formar el culto al arte de los jóvenes profesionistas de la clase media alta ni el arte de comprar arte. Para los jóvenes que están empezando una colección, el ejercicio de la observación y de la percepción es vital. Una colección debe tener coherencia interna y carácter publico. El coleccionista debe ser educador, divulgador y tener conciencia de que las obras de arte son patrimonio cultural de una sociedad. Coleccionistas como Eugenio López, Agustín Coppel y otros empresarios asocian sus marcas a los grandes nombres, no a artistas desconocidos. Los productores culturales, los galeristas y los curadores además de hacer más visibles a los artistas de prestigio, inflaron los costos de su obra y los agigantaron dentro del mercado cultural. No obstante, uno se pregunta ¿el público acompaña estos cambios? La falta de espectadores en las muestras y de coleccionistas en el estado indican que no.

Antun de la serie - Brasil

MAGNO FERNANDES DOS REIS

CAFÉ RELAX. Arte y cultura

Calle Diego de Mazariegos, 19

Centro Histórico – San Cristóbal de las Casas. Chiapas. México.

El alma de Chiapas

2010-02-12T06:02:00.001-08:00

Por Magno Fernández dos Reis. caférelax57@yahoo.com.mx

"... y también el ombligo es el punto central natural del cuerpo humano, ya que si un hombre se echa sobre la espalda, con las manos y los pies extendidos, y coloca la punta de un compás en su ombligo, los dedos de las manos y los de los pies tocarán la circunferencia del círculo que así trazamos. Y de la misma forma que el cuerpo humano nos da un círculo que lo rodea, también podemos hallar un cuadrado donde igualmente esté encerrado el cuerpo humano. Porque si medimos la distancia desde las plantas de los pies hasta la punta de la cabeza y luego aplicamos esta misma medida a los brazos extendidos, encontraremos que la anchura es igual a la longitud, como en el caso de superficies planas que son perfectamente cuadradas". (Vitrubio)

Ser un artista hoy -sostiene Joseph Kosuth- significa cuestionar la naturaleza del arte. Si uno cuestiona la naturaleza de la pintura, no está cuestionando la naturaleza del arte... Esto se debe a que la palabra arte es general, mientras la palabra pintura es específica”. El domingo pasado, el asombroso pintor Juan Chawuk me mostró en su taller de San Cristóbal de las Casas, sus obras para la exposición “Conexiones Mentales” que tendrá lugar en la Casa de la Cultura de Coyoacán Jesús Heroles (Distrito Federal). Estas obras manifiestan elementos hallados en la cultura prehispánica por el pintor. Chawuk construye el equilibrio del caos. En el lienzo “La Angustia de Paz” el pintor demarca el límite entre la paz y la guerra. Esta pintura en acrílico, que reproduce una momento de angustia de un premio nobel de literatura, demuestra la fragilidad de las palabras. El dinamismo de la escena es reforzado por el matiz, el símbolo de la paz, y por la composición. El pintor vestido de duende confiere vida a esta obra concebida con sobriedad y fuerza expresiva. El tema ya fue tratado en pinturas murales de la época de los mayas. El cromatismo es rico en tonalidades, con dominio de amarillos, rojos y tonos azules.

Todos los artistas que viven lejos de las grandes metrópolis se imaginen sacrificados y, en realidad, no los son. Los artistas que precedieron a los de este siglo desaparecieron en la guerrilla de 1994 y terminaron en la callejuela del cubismo, la estética de los valores íntimos, del absoluto. Esta generación de pintores maduró en un mundo desorganizado, contradictorio, místico y ahora marginal. Estos artistas chiapanecos viven el drama de la superación. No nos engañemos. ¿Es una generación de artistas críticos? Creo que es una generación crítica en el sentido amplio del término. Una generación de objetivistas, de apasionados por la investigación. En las grandes metrópolis las galerías y los productores culturales crearon a jóvenes diferentes; en centros menores como Chiapas, la locura y la experimentación imperan. Ese espíritu crítico de las nuevas generaciones llevará sin duda a una actitud tímida ante la vida. Lo que caracteriza la obra de Juan Chawuk es la búsqueda permanente de la materia y del color. El retrato de Octavio Paz a la derecha de la tela y el autorretrato del artista en el centro marca el retorno al contenido poético de los hechos históricos. La gran preocupación de Juan Chawuk es la poesía, la encuentra en el sueño, en la fantasía o en las ruinas de la Selva Lacandona.

El espectador escucha en las lágrimas de Octavio Paz, el discurso del poeta al recibir el Premio Nobel en 1990, “La búsqueda del presente”, contiene una de las afirmaciones más claras del poeta acerca de su relación con el mundo precortesiano: Los españoles encontraron en México no sólo una geografía, sino una historia. Esta historia está viva todavía: no es un pasado sino un presente. El México precolombino, con sus templos y sus dioses, es un montón de ruinas, pero el espíritu que animó ese mundo no ha muerto. Nos habla en el lenguaje cifrado de los mitos, las leyendas, las formas de convivencia, las artes populares, las costumbres. Ser escritor mexicano significa oír lo que nos dice ese presente esa presencia. Oírla, hablar con ella, descifrarla: decirla. . . (43-44)

En febrero de 1994, Octavio Paz discute con ironía la reacción de los intelectuales mexicanos de izquierda a la rebelión zapatista reprobando el camino de violencia que había escogido el subcomandante Marcos. Pero, hoy, las lagrimas de Paz, en el lienzo de Chawuk expresan la angustia al leer uno de sus textos más conocidos: la respuesta al Presidente Salinas cuando éste ofrece el perdón a los insurgentes. Concluye Paz: “No son ellos, los indios de México, sino nosotros, los que debíamos pedir perdón”.

En este artículo Paz formula algunas preguntas que más que preguntas son perplejidades, planteadas desde la mentalidad asimilacionista antes mencionada. Preguntas como esta ¿cómo la cultura de los indígenas chiapanecos puede traducirse a la modernidad? ¿y cómo esa cultura puede insertarse en la moderna cultura mexicana? El problema es inmenso. El mestizaje cultural ha sido la respuesta de México a la singularidad india, lo mismo en el XVI que en la época moderna. El elemento indígena está en todos los dominios de la cultura y la vida mexicana, de la religión a la poesía, de la familia a la pintura, de la comida a la cerámica. Pero sería demasiado olvidar que nuestras ventanas hacia el mundo son el idioma español y las creencias, instituciones, ideas y formas de sociabilidad trasplantadas a nuestra tierra durante el período novohispano.

Uno de los aspectos notables en el lenguaje pictórico de Chawuk es el diluvio de metáforas de corte poético con que ha inundado sus lienzos, en sustitución de la violencia como vía alcanzar la paz. Un buena parte de las metáforas (el juego entre la vida y la muerte, la mano con un clavo como demarcador de la paz y la guerra, el duende que representa al propio pintor etc.) giran en torno a la figura del ser humano o de la vida: el pintor desarrolla una interesante mitología que habla de anclas, vientos demostrando que en el cordón umbilical se encuentra el equilibrio perdido…

El Conceptualismo en el Arte Conteporaneo

2009-12-20T09:00:00.000-08:00

Dedicado, con profundo respeto y amor, a todas aquellas personas que egresan de nuestras escuelas de arte y en especial al Gurú Gabriel Orozco, esa piedra inamovible y creada por los malcriados críticos de arte. Tal cual historias que aquí se suceden a diario y que dejan en un boquiabierto tiempo congelado a uno.